Patrimonio Cultural
Universidad de Zaragoza

Retrato de una  figura masculina  de edad madura, en posición tres cuartos y de pie, que se corresponde con el rector Miguel Sancho Izquierdo. El personaje viste el clásico conjunto de toga negra, con puñetas de encaje rosadas, pajarita blanca, acompañado de la muceta  también negra con el forro rojo, sobre la que destacan una condecoración y el collar con la insignia rectoral. La mano izquierda apoya sobre un libro colocado en una mesa de faldones rojos, mientras la derecha está ligeramente levantada y sostiene unas cuartillas; el artista ha captado el momento en el que el rector realiza el juramento de su cargo. El fondo lo compone una librería con numerosos volúmenes y parte de una pared color ocre. Destaca el estilo abocetado del artista.

Retrato de una figura masculina de pie y en posición tres cuartos que se corresponde con un profesor de derecho no identificado. El personaje viste toga negra, sobre la que destaca una medalla dorada y corbata, bocamangas rojas. Posa su mano izquierda sobre una mesa con dos libros, mientras que con la  derecha sujeta un portafólios de cuaro marrón. En el fondo de pared de color verde, en el ángulo superior izquierdo, se recorta el cuadro de un paisaje con árboles.

Composición que combina la abstracción geométrica, para el fondo, con una figura femenina recostada, tratada al modo cubista.

Esta estampa cuenta con un dibujo preparatorio cuya protagonista es una monja sorprendida por dos monjes, mientras que en el grabado final es una muchacha joven que vuelve su rostro al espectador , mostrando que está contenta por tener visita masculina. Un comentario de la época dice: "Las feas y devotas se entregan a los frailes o primer espantajo que se mete por la ventana". Y así se hace evidente en la escena la intención sexual de los personajes. Es ésta probablemente una de las últimas estampas de la serie, en la que vemos el dominio de la técnica así como de la composición, en la que Goya elimina todo elemento superfluo para faclitar la comprensión de la escena.

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Esta estampa recoge el momento en el que un grupo de soldados franceses asalta e intenta violar a unas mujeres. No se entiende esta estampa conocida como "Tampoco" sin la anterior la nº 9 "No quieren", en la que aparece un soldado francés forzando a una mujer, ya que están relacionadas tanto en su temática como por sus títulos. Los cuerpos estan contorsionados, formando un amasijo del que es dificil porder identificar a las víctimas y a sus verdugos, de no ser por el distinto tratamiento que Goya da a sus vestimentas, las mujeres aparecen vestidas de blanco tal vez por alusión a  su inocencia, mientras los personajes masculinos se confunden con la oscuridad de la noche en la que se desarrolla la escena. En primer término dos personajes forcejean violentamente en el suelo, un hombre agarra con su brazo la cintura de la mujer, la cual intenta escapar al parecer con escasa fortuna, la posicion de sus pies elevados en el aire nos permite imaginar el grado de fuerza y violencia que se está desarrollando en la escena, mientras las armas de los soldados, dos sables en la derecha de la imagen esperan para su uso en batalla

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Cuadro que contiene el retrato de Vicente Blasco Ibáñez con dedicatoria autógrafa.

Fotografía en blanco y negro del gabinete de Física, situado en el ala sur de la planta principal, equipado con mobiliario de madera y dividido por columnas de hierro fundido en Averly.

Esta fotografía pertenece al conjunto de 87 clichés de temática heterogénea que conforman la colección Carlos Marquina Arrieta. 53 de estas imágenes suponen un testimonio visual de primer orden sobre la historia arquitectónica y urbanística de la ciudad de Zaragoza.

Este “reportaje arquitectónico” debe su autoría a los hermanos Hilarión y Enrique Villuendas Torres, quienes estuvieron estrechamente ligados a la Universidad de Zaragoza por formación y desempeño profesional. Aunque no fueron reconocidos como fotógrafos profesionales, mostraron gran interés por documentar la llegada del progreso y la modernidad a la ciudad a finales del siglo XIX, algo que queda reafirmado con el proyecto de creación del Gabinete Fotográfico de Medicina y Ciencias.

Por ello, la construcción del nuevo edificio proyectado por Ricardo Magdalena para las Facultades de Medicina y Ciencias no pasó desapercibida para estos hermanos que, a través de su cámara, documentaron este hito arquitectónico. Tanto es así que, con motivo de la inauguración del edificio en 1893 y en dedicatoria a la infanta Isabel de Borbón, se publicó un álbum fotográfico que contaba con 24 imágenes tomadas por el objetivo de los Villuendas. Los positivos, acompañados por una reproducción fotográfica del plano del edificio Paraninfo, nos permiten visualizar la evolución constructiva del inmueble y de los pabellones anejos poco antes de su apertura, el 18 de octubre de 1893.

Con motivo del aniversario del edificio Paraninfo, se procedió a la investigación, restauración y digitalización del reportaje fotográfico completo, del cual se seleccionaron 33 imágenes para la exposición El Paraninfo de Zaragoza, 125 años. Las fotografías de los hermanos Villuendas Torres. Esta muestra tuvo lugar entre el 18 de octubre de 2018, coincidiendo con la fecha de la inauguración del edificio en 1893, y el 2 de febrero de 2019.

Estampa de los Disparates de Goya. De nuevo una escena nocturna, grabada con tremenda delicadeza, desde la abrumadora seguridad de un artista para el que la técnica del grabado no tiene ya misterio alguno.

En la imagen, un amasijo de figuras se agolpa desordenadamente en un montón sobre el que la luz incide irregularmente. Las figuras no se distinguen con nitidez. Sin embargo en la margen izquierda vemos al fondo lo que podría ser la figura de un monarca. Que podría encarnar, de acuerdo con algunas interpretaciones. a la figura de Carlos IV o la figura de Fernando VII.

De ser ésta figura un monarca y más en concreto, de ser Carlos IV tal vez el grabado podría aludir a el hecho de que éste monarca permitió la invasión Napoleónica. Pero de ser el Fernando VII podría aludir a los tiempos de su reinado, en que el gobierno quedó en manos de un consejo o camarilla, y no fue ejercido con propiedad por el mismo rey.

Del amasijo de figuras se podrían extraer otra serie de enigmáticos significados. Hay varios personajes que destacan entre la multitud, como el anciano lector que aparece arrodillado en un primer término con una postura de seriedad, casi como un profeta. Destaca también la figura de una mujer que sobre su falda porta una camada de gatos, en lo que algunas interpretaciones han querido advertir una burla hacia lo pintoresco de la religiosidad cortesana.

En cualquier caso al igual que en todas las estampas de los Disparates, y quizás más especialmente en este caso ya que es una de las más complejas a la interpretación, resulta imposible asegurar una certeza sobre el significado que éstos grabados pudieran tener. Son herméticos, realizados para sí mismo, desde su propia voluntad subconsciente y su opinión más personal. No fueron realizados para ser vistos, sino motivados por la propia necesidad de pintar.

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La escena principal la compone una figura femenina, coronada en laurel y con ropajes de grandes volúmenes, porta un arpa en su mano y parece entregarla a un señor que se sienta bajo la sombra de un arbol. Se podría tratar por tanto de la alegoría de la música. A sus pies un pequeño angelote le entrega una máscara al mismo señor. Por tanto, esta escena esta representando el espectáculo de la música y el teatro, de ahí su título Los orígenes del teatro español. Es una estampa que aparece dentro del Tomo I de esta obra ya citada.  Bajo la figura masculina unos libros amontonados que podrían tratarse de ensayos teatrales. Un paisaje natural, y podríamos decir idílico es el que pone fondo a esta escena principal.

Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

Fueron varios los carteles teatrales que hizo Isidro Ferrer. Para él, la cartelería de este ámbito era muy importante y de ella decía que: “El cartel de teatro es el prólogo de la obra. Nos aproxima desde la imagen al contenido de la pieza dramática, pero el cartel también es el epílogo, lo que se fija a la memoria tras la representación. A la función le antecede el cartel, tras la función, queda el cartel”. De este modo, las imágenes que se presentaban, eran de alguna forma el reflejo de la historia que se iba a representar, y posteriormente, una vez el espectador ya la había visto, un recuerdo. En el caso de este cartel, el protagonismo recae sobre una mano esquelética cuyo dedo índice ha sido sustituido por una pieza de ajedrez.

Ilustración de Luis Grañena temáticamente adscrita al ámbito de la música, concebida para el periódico Contexto, en el que se representa de manera caricaturizada a Enrique Morente, cantaor español dentro de la renovación del flamenco. También introdujo en sus cantes letras de autores españoles como Miguel Hernández o Antonio Machado.

Esta ilustración formó parte de la muestra “Nunca olvido una cara…pero con la suya haría una excepción”, organizada por el Vicerrectorado de Cultura y Proyección Social, en la que se expusieron 74 ilustraciones, producidas con motivo de la muestra, y que engloban la presente colección –representativa de la rica y amplia trayectoria del caricaturista Luis Grañena–, y varios ejemplares de revistas y periódicos con los que ha colaborado a lo largo de su carrera. La exposición se dividió en varios ámbitos temáticos, en los que se dieron cita destacados personajes del siglo XX y XXI, referentes de la política nacional e internacional, el cine, el deporte, la música o la literatura.

Licenciado en Historia del Arte, Luis Grañena se inició en infografía en el Heraldo de Aragón. Pronto dio el salto al dibujo y fue trabajando un estilo personal y característico con el que dar vida a personajes a través de sus ilustraciones. A las espaldas de Grañena se pueden contar más de 3000 caricaturas, muchas de ellas han ilustrado las páginas de periódicos locales como Heraldo de Aragón –durante casi una década–, y ha colaborado también de manera habitual en prestigiosas editoriales del ámbito nacional e internacional, como The New Yorker (USA), The Independent (UK), Liberation (Francia), La Tercera (Chile), Sábado (Portugal), El País, Vanity Fair o La Vanguardia (España).

Se aprecia la figura de Jesús en el centro de la composición, de medio cuerpo, y con la cruz sobre los hombros. 

Silueta de una forma humana en pie, de fondo blanco y perfil de un lado en trazos negros. 

Escena formada por la figura de un hombre cubierto con capa y sombrero, una dama o maja de exhubrante melena en segundo plano, y finalmente en la zona superior se ha representado un globo aeroestático.

Mediorrelieve de un busto en posición tres cuartos de una figura masculina que viste toga, muceta, corbata anudada y la insignia rectoral. El retrato pertenece a Andrés Giménez Soler (1869-1938) fue un historiador y arabista español, archivero de la Corona de Aragón y miembro de la Real Academia de la Historia.

La figura del santo ocupa el primer plano de la composición. Es un retrato de tres cuartos donde el personaje aparece representado de frente. Como fundador de la Orden de los Predicadores viste túnica blanca y manto con capuchón negro. Su atributo personal, una estrella o un sol, aparece sobre su pecho, sujetando la túnica. Junto al santo, un perro (localizado en la parte inferior izquierda), sujeta una antorcha encedida en la boca. Aunque poco habitual, Santo Domingo también porta unas azucenas en su mano y aparece barbado. Un ventanal situado en la esquina superior izquierda abre la composición iluminándola.

Busto masculino de cerámica blanca, que representa una cabeza frenológica, con la compartimentación representada en azul. 

La frenología, ciencia que ha caído en desuso pero que fue muy popular durante el siglo XIX, estudiaba la personalidad de la forma del cráneo, para lo cual se servía de la compartimentación del mismo en áreas. La obra ejemplifica el estudio de la mente y el intelecto que se impulsó durante este período, así como la reflexión sobre la individualidad.

En 1845 Mariano Cubí y Soler, precursor de la frenología en España, diseña esta cabeza frenológica (esculpida por Picazo) para la fábrica de cerámica de la Cartuja de Sevilla, fundada pocos años antes por el comerciante inglés Carlos Pickman. La denominada "cerámica Pickman" se convierte en una de las más preciadas, con numerosos modelos en loza tanto de útiles de menaje, como decorativos o artísticos.

Patio interior con jardín de una casa andaluza, adornado con árboles y flores. A la sombra, conversan sentados un hombre y una mujer. Al fondo, el zaguán bajo un paso en arco rebajado.

Fotografía en blanco y negro del comedor de niños de La Caridad, imagen que formó parte del reportaje "Por los Asilos", suplemento semanal Los lunes de La Crónica, 9 de Diciembre de 1912, p. 5.

Sobre una superficie de color verde se representa un triángulo blanco y verde, en cuyo interior a parece una mariposa. En la parte superior, un zig-zag morado formando triángulos recorre la obra. Un espacialismo simbólico con el cosmos como transfondo, de marcado carácter poético.

Se puede ver otro ejemplo de la tirada en A-236, A-471, A-472

Retrato frontal de una  figura femenina que se corresponde con la decana María Luisa Frutos Mejías que viste toga negra, con puñetas de encaje y muceta azul, sobre la que destaca una medalla dorada. El personaje aparece representado de pie, detrás de una mesa de trabajo sobre la que descansan, un ordenador portátil, varios libros, el birrete azul y un par de guantes blancos. Sobre un fondo oscuro destaca el mapa de Aragón. Especialmente expresivo el rostro de la retratada, de gesto afable y sereno, que muestra al espectador, señalando con la mano izquierda, un folio con un escrito que la identifica como decana.

Paisaje en el que se representa un entorno natural con arquitectura.

En esta conocida obra puede verse a Goya sentado, apoyando su cabeza sobre la mesa de trabajo para descansar. En su estado de relajación el artista se duerme y sueña con monstruos acechándole. El comentario escrito bajo la estampa "La fantasía abandonada de la razón produce monstruos imposibles: unida con ella es Madre de las Artes, y origen de sus maravillas" indica que los "monstruos" en el fondo no son tales, sino que se trata de seres que tienen el poder de evocar lo fantástico y lo maravilloso. Por este motivo algunas obras de Goya fueron tan alabadas por los surrealistas en el siglo XX, por su capacidad para generar atmósferas y seres "fantásticos". Existen dos dibujos preparatorios de esta estampa, con iconografías muy complejas y notablemente distintas al grabado final. Una de ellas lleva una inscripción donde se lee: "El autor soñando. Su intento solo es desterrar vulgaridades perjudiciales, y perpetuar con esta obra de caprichos el testimonio sólido de la verdad" . De la cabeza del pintor recostada salen multitud de murciélagos con sus alas desplegadas, así como un lince acechante a su lado. La tipología de dichos animales parece derivar de la utilizada por Giambattista Tiépolo en el grabado Scherzi di fantasia (1775).

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Grabado vertical compuesto por retrato rectangular enmarcado y  filacteria barroca en la parte inferior, conteniendo un breve epítome biográfico del personaje representado. En esta ocasión se trata de Íñigo López de Mendoza, I marqués de Santillana, militar y poeta que vivió en la primera mitad del siglo XV siendo figura destacada en la sociedad y la literatura castellana durante el reinado de Juan II de Castilla, aunque literariamente se formó en la corte de Alfonso V de Aragón. El grabado se basa en el retrato gótico que aparece del marqués en el Retablo de los Gozos de Santa María o Altar de los Ángeles realizado por Jorge Inglés en 1455, aunque con ciertas modificaciones en su postura y composición de la escena. En el grabado vemos al marqués de medio cuerpo, sentado, en posición de tres cuartos hacia la derecha y con la vista fija en esa dirección. Apoya sus manos sobre una mesa, sujetando un libro abierto y señalando lo escrito en su interior con su mano derecha (donde se adivina Proverbios como título). Viste una saya negra ceñida a la cintura por un cinturón del que cuelga bien visible una adornada escarcela. Destaca la cruz de orfebrería que lleva al cuello con perla pinjante, así como el tocado tipo turbante denominado chaperón, típico del siglo XV.

Esta obra forma parte de una serie titulada Retratos de los españoles ilustres proyectada en 1788 por la Secretaría de Estado. Fue realizada en la Real Calcografía (hoy Calcografía Nacional), una institución creada en este momento para acometer importantes proyectos de grabado surgidos en el marco de la política ilustrada. La serie se publicó periódicamente desde el año 1791 hasta 1819 llegando a estampar/emitir un total de 114 retratos, cada uno con su correspondiente epítome biográfico. El objetivo de esta edición era doble: difundir la vida de los grandes hombres de nuestra historia con la clara intención política de reflejarse/posicionarse como gran potencia, así como impulsar el desarrollo de las artes gráficas y perfeccionar la técnica de los grabadores del momento.

Composición abstracta sobre fondo gris en base a manchas de colores planos, rojas, blancas y ocres, definidas por líneas negras.

Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

En este cartel, Isidro Ferrer coloca como figura principal una mano de color negro que destaca por sus múltiples dedos. Por otro lado y como contraste de dicha mano, encontramos a la derecha un conejo de color rojo que complementa la imagen. 

Fotografía en blanco y negro. Formato horizontal.Escena exterior que recoge un día de fiesta en zaragoza. Se trata de un par estereoscópico de fotografías, que proyectadas de la manera adecuada al ser una imagen muy similar pero ligeramente diferente, darían como resultado la visión de una sola imagen pero con carácter algo tridimensional o por lo menos de marcada profundidad.

Esta estampa es la continuación del grabado 62 Las camas de la muerte, donde Goya representa una vez más a un grupo de cuerpos sin vida amontonados como si se tratara de materia inservible. Los cuerpos ocupan la zona central de la obra, con posturas improvisadas y poco cuidadas, con rostros sin expresión y con dos ataudes de madera alrededor. La escena está criticando la situación desoladora, marcada por el hambre y la violencia, que vivía el país tras la Guerra de la Independencia. No había recursos ni siquiera para enterrar a las personas, por lo tanto, los cuerpos sin vida se amontonaban en cualquier lugar.  Los trazos horizontales y marcados del fondo que contrastan con el blanco de la escena principal, dotan a la obra de dramatismo. 

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Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

En relación con este cartel, Isidro Ferrer cita en el catálogo de la exposición, las palabras de John Berger: “El hogar era el centro del mundo porque era el lugar en el que una línea vertical se cruzaba con una línea horizontal. La línea vertical era un camino que hacia arriba llevaba al cielo y hacia abajo, al reino de los muertos. La línea horizontal representaba el tráfico del mundo, todos los caminos que van de un lado al otro de la tierra hacia otros lugares. Así, el hogar era el sitio en el que uno podía estar más cerca de los dioses que habitan el cielo y de los muertos que habitan el mundo subterráneo”

Ilustraciones de Luis Grañena temáticamente adscritas al ámbito de la política nacional, concebidas para los periódicos Contexto y El País, en la que se representa de manera caricaturizada a distintos políticos españoles de actualidad dentro del congreso de los diputados.

Esta ilustración formó parte de la muestra “Nunca olvido una cara…pero con la suya haría una excepción”, organizada por el Vicerrectorado de Cultura y Proyección Social, en la que se expusieron 74 ilustraciones, producidas con motivo de la muestra, y que engloban la presente colección –representativa de la rica y amplia trayectoria del caricaturista Luis Grañena–, y varios ejemplares de revistas y periódicos con los que ha colaborado a lo largo de su carrera. La exposición se dividió en varios ámbitos temáticos, en los que se dieron cita destacados personajes del siglo XX y XXI, referentes de la política nacional e internacional, el cine, el deporte, la música o la literatura.

Licenciado en Historia del Arte, Luis Grañena se inició en infografía en el Heraldo de Aragón. Pronto dio el salto al dibujo y fue trabajando un estilo personal y característico con el que dar vida a personajes a través de sus ilustraciones. A las espaldas de Grañena se pueden contar más de 3000 caricaturas, muchas de ellas han ilustrado las páginas de periódicos locales como Heraldo de Aragón –durante casi una década–, y ha colaborado también de manera habitual en prestigiosas editoriales del ámbito nacional e internacional, como The New Yorker (USA), The Independent (UK), Liberation (Francia), La Tercera (Chile), Sábado (Portugal), El País, Vanity Fair o La Vanguardia (España).

Virgen con el Niño, rodeada de ángeles músicos y uno que porta la columna, en la zona inferior de la escena. Obra en la que predominan los colores vivos y una esquematización de las figuras.

OBRA DESAPARECIDA debido a las obras de remodelación de la antigua capilla usada como aula magna en la facultad de Economía del Campus Paraíso.

Retrato de una figura masculina erguida, de cuerpo entero, en ligero contraposto, y el rostro vuelto de perfil con la mirada fija en un punto fuera de la escena. El protagonista de la obra es el rey de los visigodos en Hispania entre 631 y 636, Sisenando;  que dentro de una estética altomedieval, viste túnica corta en color beige, capa roja abrochada sobre el hombro, espada, escudo y yelmo, ambos con iconografía de lo que parece una serpiente. El fondo lo compone un paisaje montañoso, de cumbres nevadas; mientras que en el lateral izquierdo se ha colocado una gran cortina, que contribuye a incrementar el aspecto de escenografía teatral de la obra. Este tipo de cuadros forma parte de una temática pictórica romántica que se dió en España durante la segunda mitad del siglo XIX, como fue la de "Pintura de Historia".

Sisenando, duque de Septimania, se alzó en el año 631 contra el rey Suintila con ayuda de las tropas francas, y avanzó hasta Zaragoza, donde fue proclamado rey. El IV Concilio de Toledo, celebrado dos años más tarde, no juzgó tal actuación condenable por considerar que su antecesor en el trono no había sido un buen monarca. Le sucedió Chindasvinto en el año 642.

Joaquín Gil Berges (Jasa, Huesca, 1834-Zaragoza, 1920) se licenció en Derecho y es autor del Apéndice del Código Civil, correspondiente al derecho civil de Aragón. Al año siguiente de cumplirse el centenario de su nacimiento, la Universidad encargó la pintura de este retrato. Se le representa vestido con toga sentado ante una mesa con el libro de los Fueros del Reino de Aragón, en el que apoya la mano izquierda. Fondo con una cortina verde y su blasón heráldico.

Composición con dos jarras de cristal sobre fondos de color distinto, como si se tratara del positivo y negativo de la misma imagen.

En esta estampa podemos ver a un hombre y una mujer atados fuertemente por la cintura, dándose la espalda, de tal modo que les resulta casi imposible moverse. La mujer presenta además sus pies atados, por lo que no puede ni apoyarse en el suelo y todo su cuerpo forma un eje diagonal en la composción. Los brazos sí están liberados y con ellos hace grandes aspavientos. El hombre se inclina hacia adelante tratando de desligarse sin éxito. La escena está presidida en lo alto por un gran búho de alas desplegadas que apoya sus patas en la cabeza de la mujer y en un tronco seco que nace entre ambos, símbolo de su yerma relación matrimonial. Podemos decir pues, que se trata de una pareja casada a la fuerza luchando por separarse.

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La escena esta compuesta por tres mujeres, dos soldados franceses y un niño, toda ella ambientada bajo un puente. Aquí Goya una vez más nos refleja  las circunstancias de violencia que había hacia la mujer en la época, como ya nos plasmó anteriormente en la serie con los grabados nº 9, No quieren y nº 10, Tampoco. En ellos se subraya la resistencia del género femenino y su voluntad férrea de resistir ante los ataques de los soldados franceses.  Se trata de una obra oscura, por lo menos, más que otras de la propia serie en la que destaca el cuerpo de niño, la casaca del soldado y las vestiduras de la mujer.

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Cuadro que contiene el retrato de Gregorio García Arista con dedicatoria autógrafa.

Fotografía en blanco y negro del museo de instrumental quirúrgico, situado en el ala este de la planta principal, con vitrinas y armarios de madera y cristal.

Esta fotografía pertenece al conjunto de 87 clichés de temática heterogénea que conforman la colección Carlos Marquina Arrieta. 53 de estas imágenes suponen un testimonio visual de primer orden sobre la historia arquitectónica y urbanística de la ciudad de Zaragoza.

Este “reportaje arquitectónico” debe su autoría a los hermanos Hilarión y Enrique Villuendas Torres, quienes estuvieron estrechamente ligados a la Universidad de Zaragoza por formación y desempeño profesional. Aunque no fueron reconocidos como fotógrafos profesionales, mostraron gran interés por documentar la llegada del progreso y la modernidad a la ciudad a finales del siglo XIX, algo que queda reafirmado con el proyecto de creación del Gabinete Fotográfico de Medicina y Ciencias.

Por ello, la construcción del nuevo edificio proyectado por Ricardo Magdalena para las Facultades de Medicina y Ciencias no pasó desapercibida para estos hermanos que, a través de su cámara, documentaron este hito arquitectónico. Tanto es así que, con motivo de la inauguración del edificio en 1893 y en dedicatoria a la infanta Isabel de Borbón, se publicó un álbum fotográfico que contaba con 24 imágenes tomadas por el objetivo de los Villuendas. Los positivos, acompañados por una reproducción fotográfica del plano del edificio Paraninfo, nos permiten visualizar la evolución constructiva del inmueble y de los pabellones anejos poco antes de su apertura, el 18 de octubre de 1893.

Con motivo del aniversario del edificio Paraninfo, se procedió a la investigación, restauración y digitalización del reportaje fotográfico completo, del cual se seleccionaron 33 imágenes para la exposición El Paraninfo de Zaragoza, 125 años. Las fotografías de los hermanos Villuendas Torres. Esta muestra tuvo lugar entre el 18 de octubre de 2018, coincidiendo con la fecha de la inauguración del edificio en 1893, y el 2 de febrero de 2019.

Grabado de la serie los Disparates de Goya, su dibujo previo destaca por su especial claridad, algo que no encontramos en el resto de preparatorios de la serie, y además fue trasladado con gran fidelidad a la plancha, conservando a la perfección todo el detalle en su reproducción. Solo hubo algunos cambios, principalmente los árboles, que aparecían en el fondo del preparatorio y son aquí sustituidos por figuras monstruosas que incrementan el efectismo de una atmósfera terrorífica. De nuevo el artista parte de una representación que aparentemente podría ser realista y la convierte en una atmósfera irreal que se presta a una multiplicidad de interpretaciones desde su carácter hermético.

La interpretación más aceptada que se le da a este grabado está estrechamente relacionada con la idea de la pasión sexual –algo recurrente en su obra solo que aquí viene despojada de toda alusión moral, simplemente queda el carácter grotesco-.

El caballo podría ser interpretado bien como una alegoría de la pasión sexual, y la mujer que se deja llevar por ella, corriendo el riesgo de caer en la perdición –por ello el caballo la mordería- o bien el caballo podría relacionarse con la leyenda del hombre hechizado que mata al esposo, se transforma en caballo para raptar a la mujer. El rostro de la muchacha revela una grotesca sonrisa, casi placentera, lo cual quizás inclina más la interpretación hacia la primera hipótesis.

La noche y los monstruos despiertan una atmósfera que genera un sentimiento en el espectador que bastante bien podría conectarse con el concepto de lo sublime que venimos viendo en estos proverbios goyescos.

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Una visión aérea de la ciudad de Zaragoza mediante una gliptografía, siendo la ciencia que estudia las piedras antiguas. En ella aparece la Basílica del Pilar rodeada por el río Ebro a un extremo, y por el entramado urbánistico del momento por el otro. Se distingue el también actual puente de piedra, o el Paseo de Independencia. El otro extremo perteneciente al rio, aún sin urbanizar en esta decada de 1940. Sirve para contrastar la evolución de la ciudad con las escenas actuales. 

Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

Para este cartel, Ferrer utiliza una imagen de un ciervo cargada de simbolismo y en alusión a la temática e historia del documental. “Al final del túnel es un documental de Mónica Lleo que pone voz a los silenciados durante la guerra de los Balcanes”

Ilustraciones de Luis Grañena temáticamente adscritas al ámbito de la música, concebidas para los periódicos Tiempo, La Gaceta y Contexto, en las que se representa de manera caricaturizada a Miguel Poveda, José Mercé y Camarón, tres cantaores de flamenco españoles. Los dos últimos con gran influencia de su entorno y su cultura a la hora de cantar flamenco, al contrario que Miguel Poveda, el cual tuvo que esforzarse mucho para llegar a ser un cantaor reconocido.

Esta ilustración formó parte de la muestra “Nunca olvido una cara…pero con la suya haría una excepción”, organizada por el Vicerrectorado de Cultura y Proyección Social, en la que se expusieron 74 ilustraciones, producidas con motivo de la muestra, y que engloban la presente colección –representativa de la rica y amplia trayectoria del caricaturista Luis Grañena–, y varios ejemplares de revistas y periódicos con los que ha colaborado a lo largo de su carrera. La exposición se dividió en varios ámbitos temáticos, en los que se dieron cita destacados personajes del siglo XX y XXI, referentes de la política nacional e internacional, el cine, el deporte, la música o la literatura.

Licenciado en Historia del Arte, Luis Grañena se inició en infografía en el Heraldo de Aragón. Pronto dio el salto al dibujo y fue trabajando un estilo personal y característico con el que dar vida a personajes a través de sus ilustraciones. A las espaldas de Grañena se pueden contar más de 3000 caricaturas, muchas de ellas han ilustrado las páginas de periódicos locales como Heraldo de Aragón –durante casi una década–, y ha colaborado también de manera habitual en prestigiosas editoriales del ámbito nacional e internacional, como The New Yorker (USA), The Independent (UK), Liberation (Francia), La Tercera (Chile), Sábado (Portugal), El País, Vanity Fair o La Vanguardia (España).

Este santo italiano (Florencia, 1515 - Roma, 1595) frecuentó en su juventud el convento florentino de los dominicos, hasta que en 1535 se trasladó a Roma para perfeccionar sus estudios en la Sapienza. Ordenado sacerdote en 1551, ingresó en el convento de San Girolamo della Caritá, donde fundó la Congregación del Oratorio para fomentar la oración y la frecuencia de los sacramentos, orden reconocida en 1575 por el papa Gregorio XIII. Fue canonizado en 1622.

Retrato de San Felipe Neri que viste alba y casulla sacerdotal, y aparece representado con los brazos extendidos y postrado ente la Virgen, que lleva al Niño en sus brazos y surge de la parte superior izquierda sobre un rompiente de gloria. La iconografía de San Felipe Neri fue introducida en Aragón por Jusepe Martínez (iglesia de San Miguel de los Navarros), copiada durante su estancia italiana (c. 1625) del Cuadro de Guido Reni que conserva la iglesia de Santa María in Vallicella de Roma. 

Copia original de época en blanco y negro. Formato horizontal. Museo provincial, Capiteles árabes del castillo de la Aljafería, según reza en el ángulo inferior izquierdo. En la parte inferior de la imagen se aprecia: una viga o travesaño de madera dispuesto de forma horizontal, sustentado por otros dos dispuestos de forma vertical, y que apenas se intuyen; una viga inclinada que aparece iluminada levemente en la parte inferior, y en penumbra en el resto; travesaño, dispuesto de forma inclinada e iluminado en la parte inferior, en penumbra en el resto de su superficie. Los travesaños sustentan una tabla de madera dispuesta de forma horizontal, sobre la que se sitúan tres capiteles con motivos vegetales que muestran dos de sus caras. Los tres capiteles cuentan con decoración vegetal, con un equino dividido en dos hileras, y un ábaco. Se distinguen las volutas en el ábaco del capitel central, que aparece además a menor altura que los otros dos.

Ampliación de la fotografía original en blanco y negro en formato vertical. En esta imagen se observa el Gran Casino que se construyó con motivo de la Exposición Hispano Francesa (1908) que se ubicaba en la actual plaza de Los Sitios.

Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

"Empezar algo tiene el beneficio de la causa y produce placer sin necesidad de argumento. Empezar algo es una decisión, las decisiones siempre se toman en caliente, es una cuestión de energía. Acabar algo es una consecuencia, feliz o desdichada, eso depende del relato que acompañe. Acabar algo es recuperar el equilibrio perdido, y da frío, las consecuencias siempre dan frío. La idea de Paraíso no comprende ni principios ni desenlaces, ni causas ni consecuencias, es puro nudo" escribe Grassa Toro en el catálogo de la exposición con respecto a este cartel.

Fotografía en blanco y negro, formato horizontal. Interior. El alcalde de Zaragoza, Sr. Ballarín, vacuna a varios vecinos en su despacho de la alcaldía, lo cual responde a la campaña de vacunación contra la viruela, durante la cual el alcalde vacunó a 80 personas. Esta foto fue publicada en La Crónica el 21 de enero de 1913, p. 1. En la imagen podemos ver en el término central la figura de un niño que, sujeto cuidadosamente por su madre en el hombro, mira asustado al fotógrafo mientras el alcalde toma su brazo para inyectarle la vacuna. Detrás otras personas repiten una escena similar sin mirar a la cámara y algunos testigos desde el fondo si son conscientes de la captura.

En primer término un grupo de personas se reúne entorno a una mujer completamente cubierta con el rostro también tapado y a quien no es posible identificar, se encuentra repartiendo comida entre los hambrientos, fruto de las estrecheces y penurias de la guerra. Probablemente se trate de una sopa hecha con harina de almorta, cereal utilizado durante la Guerra de la Independencia ya que no requería muchos cuidados y crecía en condiciones extremas. En primer término aparece una mujer con vestido claro recostada en el suelo de espaldas al espectador, en su mano derecha lleva una cuchara mientras en la izquierda un plato que alarga para conseguir comida. De cara al espectador aparecen tres personajes de pie y un cuarto agachado en el suelo, donde las señales del hambre son evidentes,  con los ojos hundidos, narices afiladas, con los pómulos y mandíbulas muy marcados, claros signos del hambre al que están siendo sometidos, siendo unas caricaturas de sí mismos. Sus vestimentas delatan la improvisación en su vestuario, haciendo acopio de aquello que podían conseguir de cualquier manera, lo que da muestras de cierta extravagancia y dejadez. En un segundo plano aparecen dos mujeres que casi llegan a confundirse con el fondo pero donde si alcanzamos a reconocer sus rostros de apariencia espectral. Con el título que Goya propone podemos hacer una doble lectura, por un lado la almorta lograba paliar el hambre de la población, pero al mismo tiempo era fuente de enfermedades ya que su abuso en el consumo podía provocarlas, así como en el crecimiento de los niños.

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Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño. 

Según cuenta el diseñador en el catálogo de la exposición “El Departamento de Cultura de la Diputación de Huesca me encarga una imagen para el Festival de Músicas del Mundo Pirineos Sur". Ferrer usa como protagonista para dicho encargo un camello, el cual destaca gracias al contraste generado por sus colores pardos y el fondo negro en el que se ubica.