Patrimonio Cultural
Universidad de Zaragoza

Fotografía en blanco y negro del torero Rafael Gómez "El Gallo", acompañado por su cuadrilla, en el callejón antes de iniciar el paseillo. En la zona superior de la imagen pueden observarse las gradas superiores en las que el público disfruta de la corrida.

Diploma original de pergamino, de forma rectangular, y dispuesto en vertical, con un texto en el que consta el acuerdo del Ayuntamiento jaqués, emitido el 30 de julio de 1976 y aprobado en sesión ordinaria, por el que se conmemora el cincuenta aniversario de los cursos de verano de esta Residencia Universitaria. El texto, comenzado con una enorme letra capital y divido en dos columnas por una franja decorativa en vertical, va adornado con una orla que rodea por los cuatro lados el papel. En el centro de su parte superior aparece el escudo de Jaca, con la cruz de doble brazo y las cuatro cabezas de moros, sobre cuerpo rojo, en medio un registro horizontal con mandolas que inscriben formas flordelisadas, mientras que en el lado derecho se superponen en altura los escudos de Aragón (arriba), la Universidad de Zaragoza (centro), el Ayuntamiento de Zaragoza (inferior) y en la zona derecha aparece la figura de un guerrero medieval con un pendón y un escudo que llevan como símbolo un castillo y que, toda probabilidad, se trata del conde Aznar.

Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

En relación con este cartel, Isidro Ferrer cita en el catálogo de la exposición, las palabras de John Berger: “El hogar era el centro del mundo porque era el lugar en el que una línea vertical se cruzaba con una línea horizontal. La línea vertical era un camino que hacia arriba llevaba al cielo y hacia abajo, al reino de los muertos. La línea horizontal representaba el tráfico del mundo, todos los caminos que van de un lado al otro de la tierra hacia otros lugares. Así, el hogar era el sitio en el que uno podía estar más cerca de los dioses que habitan el cielo y de los muertos que habitan el mundo subterráneo”

Ilustraciones de Luis Grañena temáticamente adscritas al ámbito de la política nacional, concebidas para los periódicos Contexto y El País, en la que se representa de manera caricaturizada a distintos políticos españoles de actualidad dentro del congreso de los diputados.

Esta ilustración formó parte de la muestra “Nunca olvido una cara…pero con la suya haría una excepción”, organizada por el Vicerrectorado de Cultura y Proyección Social, en la que se expusieron 74 ilustraciones, producidas con motivo de la muestra, y que engloban la presente colección –representativa de la rica y amplia trayectoria del caricaturista Luis Grañena–, y varios ejemplares de revistas y periódicos con los que ha colaborado a lo largo de su carrera. La exposición se dividió en varios ámbitos temáticos, en los que se dieron cita destacados personajes del siglo XX y XXI, referentes de la política nacional e internacional, el cine, el deporte, la música o la literatura.

Licenciado en Historia del Arte, Luis Grañena se inició en infografía en el Heraldo de Aragón. Pronto dio el salto al dibujo y fue trabajando un estilo personal y característico con el que dar vida a personajes a través de sus ilustraciones. A las espaldas de Grañena se pueden contar más de 3000 caricaturas, muchas de ellas han ilustrado las páginas de periódicos locales como Heraldo de Aragón –durante casi una década–, y ha colaborado también de manera habitual en prestigiosas editoriales del ámbito nacional e internacional, como The New Yorker (USA), The Independent (UK), Liberation (Francia), La Tercera (Chile), Sábado (Portugal), El País, Vanity Fair o La Vanguardia (España).

En esta obra se representa la alegoría de la Facultad de Económicas y Empresariales. Una figura femenina vestida con túnica y manto clásico sujetando un pergamino, desarrollándose a continuación una orla con las cabezas de tres profesores y varios alumnos. 

Retrato de una  figura masculina  de edad madura, en posición tres cuartos y de pie, que se corresponde con el rector Mariano Ripollés. El personaje viste el clásico conjunto de toga y birrete negros, con puñetas de encaje rosadas, acompañado de la muceta del mismo color con el forro rojo, sobre la que destaca el collar con la insignia rectoral, delante de un fondo de pilastras en colores amarillo y ocre. En el ángulo inferior izquierdo podemos leer el título del libro "Jurisprudencia civil de Aragón". Destaca el estilo abocetado del artista.

Retrato pintado a partir de una fotografía del rector Mariano Ripollés.

Se representa el séptimo trabajo de Hércules, según el relato de la Biblioteca mitológica de Apolodoro (identificado erróneamente con Apolodoro de Atenas). Hércules, por encargo del rey Euristeo, rapta vivo al toro de Creta. Aparece en primer término el héroe tebano con barba y revestido con la piel del león de Nemea dispuesto a atacar con una maza al Minotauro, monstruo con cabeza de toro y cuerpo humano, hijo de Pasifal y de un toro enviado por Neptuno. Yolao, sujetando una pica, contempla la escena y en el fondo aparece el laberinto mandado construir por Minos, rey de Creta, a Dédalo para encerrar el Minotauro. La historia tiene lugar al aire libre donde entre la vegetación destacan los manzanos, árbol que debe hacer referencia al último trabajo que manda el rey Euristeo a Heracles: traer del jardín de las Hespéridas "las manzanas de oro".

La construcción del laberinto recrea una estructura de planta circular en ruinas de referencia clásica, propia de la escultura renacentista, al igual que la composición serena y estática, con una belleza formal en los personajes que tiende a la idealización, en contraste con el tratamiento naturalista de la cabeza del toro. El diseño del cartón se ha atribuído a Michel Coxcie (1499-1592), pintor y diseñador flamenco que realizó, retratos, escenas religiosas y diseños para vidrieras y tapices. Se formó en Bruselas en el taller de Bernard van Orly, con quien aprendió la técnica de los cartones para tapices y completó su formación en Roma (1530-1539), donde asumió los modelos renacentistas de Rafael y Miguel Ángel. En 1550 Coxcie fue nombrado director general de la fábrica de tapices de Bruselas. La tipología renacentista italiana está muy clara en la figura de Hércules de musculatura potente y expresiva cabeza.

El autor del cartón de este tapiz tuvo muy en cuenta la simulación de un espacio de amplia perspectiva hacia el fondo, al dibujar la postura de las figuras, la vegetación, el fondo arquitectónico, las montañas que se pierden en la lejanía y el cielo cargado de nubes. El diseño fue bien interpretado por el tejedor al mezclar los distintos tonos de color (verde, azul, rosa y sepia), que no solo matizan los planos sino que además marcan los planos del claroscuro. La cenefa, de vistoso colorido, actúa como si fuera el marco de una pintura y también incide en la tridimensionalidad del tapiz, cuya escena central desarrolla el tema mitológico en diferentes planos en profundidad. Presenta sobre un fondo rosado abultados ramilletes con frutos (granadas y manzanas), flores (rosas y margaritas) y vainas de judías. 

El monograma que aparece en la parte inferior del orillo del tapiz, publicado por la profesora Carmen Rábanos en 1978 como posible marca del licero Henri Pannemaker, no es visible hoy porque después se ha doblado y cosido esa zona. De ser verosímil  esta identificación, el taller de la familia Pannemaker fue muy activo en Bruselas desde 1517, con el padre Pieter, y entre sus miembros destacó su hijo Willem de Pannemaker.

Más información sobre la Colección de Tapices de la Universidad de Zaragoza aquí.

Bodegón con un tenedor cruzado sobre una cuchara, una copa tumbada, una botella, un cuchillo y, tras ellos, un plato.

En esta estampa vemos a una joven perseguida por crueles y nefastos seres. Algunos comentarios de la época dicen que se trata de la señorita Duté, amante de Godoy, siendo perseguida por él: "La Duten perseguida por Godoy. Duro, y llore". Parece que la joven quiere huir del satánico grupo, formado por demonios alados y un enorme buitre, pero su rostro no muestra horror, sino más bien lo contrario, dando a entender que se quiere dejar coger.

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Esta estampa recoge el momento en el que un grupo de soldados franceses asalta e intenta violar a unas mujeres. No se entiende esta estampa conocida como "Tampoco" sin la anterior la nº 9 "No quieren", en la que aparece un soldado francés forzando a una mujer, ya que están relacionadas tanto en su temática como por sus títulos. Los cuerpos estan contorsionados, formando un amasijo del que es dificil porder identificar a las víctimas y a sus verdugos, de no ser por el distinto tratamiento que Goya da a sus vestimentas, las mujeres aparecen vestidas de blanco tal vez por alusión a  su inocencia, mientras los personajes masculinos se confunden con la oscuridad de la noche en la que se desarrolla la escena. En primer término dos personajes forcejean violentamente en el suelo, un hombre agarra con su brazo la cintura de la mujer, la cual intenta escapar al parecer con escasa fortuna, la posicion de sus pies elevados en el aire nos permite imaginar el grado de fuerza y violencia que se está desarrollando en la escena, mientras las armas de los soldados, dos sables en la derecha de la imagen esperan para su uso en batalla

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Cuadro que contiene el retrato de Gregorio García Arista con dedicatoria autógrafa.

Fotografía en blanco y negro del museo de instrumental quirúrgico, situado en el ala este de la planta principal, con vitrinas y armarios de madera y cristal.

Esta fotografía pertenece al conjunto de 87 clichés de temática heterogénea que conforman la colección Carlos Marquina Arrieta. 53 de estas imágenes suponen un testimonio visual de primer orden sobre la historia arquitectónica y urbanística de la ciudad de Zaragoza.

Este “reportaje arquitectónico” debe su autoría a los hermanos Hilarión y Enrique Villuendas Torres, quienes estuvieron estrechamente ligados a la Universidad de Zaragoza por formación y desempeño profesional. Aunque no fueron reconocidos como fotógrafos profesionales, mostraron gran interés por documentar la llegada del progreso y la modernidad a la ciudad a finales del siglo XIX, algo que queda reafirmado con el proyecto de creación del Gabinete Fotográfico de Medicina y Ciencias.

Por ello, la construcción del nuevo edificio proyectado por Ricardo Magdalena para las Facultades de Medicina y Ciencias no pasó desapercibida para estos hermanos que, a través de su cámara, documentaron este hito arquitectónico. Tanto es así que, con motivo de la inauguración del edificio en 1893 y en dedicatoria a la infanta Isabel de Borbón, se publicó un álbum fotográfico que contaba con 24 imágenes tomadas por el objetivo de los Villuendas. Los positivos, acompañados por una reproducción fotográfica del plano del edificio Paraninfo, nos permiten visualizar la evolución constructiva del inmueble y de los pabellones anejos poco antes de su apertura, el 18 de octubre de 1893.

Con motivo del aniversario del edificio Paraninfo, se procedió a la investigación, restauración y digitalización del reportaje fotográfico completo, del cual se seleccionaron 33 imágenes para la exposición El Paraninfo de Zaragoza, 125 años. Las fotografías de los hermanos Villuendas Torres. Esta muestra tuvo lugar entre el 18 de octubre de 2018, coincidiendo con la fecha de la inauguración del edificio en 1893, y el 2 de febrero de 2019.

Santiago Ramón y Cajal (Petilla de Aragón, 1852-Madrid, 1934) fue un importante médico y neurocientífico español. Ganó el premio Nobel de Fisiología o Medicina en 1906 por sus contribuciones al conocimiento de los tejidos nerviosos, concretamente la constatación de la independencia de las células neuronales y los procesos que permiten la comunicación entre ellas. Estudió la carrera de Medicina en la Universidad de Zaragoza, y ocupó las cátedras de Histología en la Universidad de Barcelona, y de Histología e Histoquímica Normal y Anatomía Patológica en la Universidad Central de Madrid. Fue el primer director de la Junta de Ampliación de Estudios (JAE), predecesora del Consejo Superior de Investigaciones Científicas.

Composición abstracta de carácter orgánico en relieve y en blanco.

Nacido en Patrás (Grecia) fue San Nicolás obispo de Myra (Licia, Asia Menor), también llamada Bari. Intervino en el concilio de Nicea y murió hacia el año 343, tras haber sido apresado durante las persecuciones de Diocleciano. La mayor parte de los episodios milagrosos que se le conceden están narrados en la Leyenda Dorada de Jacopo da Vorágine. Figura de cuerpo entero, en ligero contraposto y ligeramente de tres cuartos. Viste amplia capa pluvial, ricamente adornada con flores y motivos vegetales, y lleva mitra y un báculo que sujeta con la mano izquierda. Con la derecha bendice a los tres niños que aparecen sentados a sus pies en un canastillo, a los que, según la leyenda, salvó milagrosamente de las manos de un carnicero. Por detrás, y a la derecha, un ángel muestra en una bandeja las tres bolas de oro que sirvieron para pagar la dote de las tres doncellas. El fondo lo compone un paisaje en tonos marrones.

Obra realizada con una sartén de metal, de fondo ondulado, que sirve como soporte para una figurita antropomorfa en terracota.

Se trata en esta escena de un juicio de la Inquisición. El personaje juzgado puede ser una mujer o un hombre, pues en los dibujos previos Goya le colocó un moño pero en el aguafuerte final dispuso el cabello suelto desgreñado. También los comentarios de la época son confusos pues unos hablan de “Perico el cojo que daba polvos a los enamorados” y otros citan a “una mujer de honor…”. La figura condenada ocupa el centro de la escena en primer término, sentada con las manos atadas, cabizbaja y vistiendo el sambenito y el gorro puntiagudo de papel. Una muchedumbre asiste al juicio, entre la que se distinguen dos frailes en primer plano. A la derecha se eleva la figura del inquisidor, leyendo en voz alta sobre un púlpito. El título, como en muchas otras estampas, juega con posibles dobles sentidos y deja la interpretación abierta al espectador.

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Copia original de época en blanco y negro. Formato vertical. Imagen del Museo provincial. Detalle de la mezquita de la Aljafería, según reza en el ángulo inferior izquierdo. El tercio inferior de la imagen se encuentra ocupado por dos celosías con un marco de flores de cuatro pétalos, que encierra motivos vegetales (en la de la izquierda) y simplificados (en la de la derecha). A la izquierda de las celosías, se intuye uno de los travesaños de madera que sustentan una tabla de madera que se dispone por encima de éstas. Sobre la misma encontramos tres elementos arquitectónicos en forma de prisma de base rectangular, que se disponen en formato horizontal, en perspectiva hacia el espectador. El de la izquierda y el central muestran dos de sus caras (una de menor tamaño, y otra de mayor dimensión), mientras que el tercero aparece cortado en la imagen (muestra tan sólo una parte de una de las caras de mayor tamaño). Por encima, se disponen otros tres elementos arquitectónicos prismáticos de base rectangular, apoyados sobre los anteriores y dispuestos de forma vertical. Cada uno porta un pequeño fragmento de papel con un número, de izquierda a derecha: "49", "45", "33".

Ampliación de la fotografía original en blanco y negro en formato vertical. En esta imagen se observa el aspecto de la plaza del Mercado en 1868-69. 

Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

“El abecedario es uno de los instrumentos más potentes de la poesía visual. Proviene directamente de los procesos que dejan la palabra en libertad y acaban por dar corporeidad material y significado a cada letra. El abecedario es la clave de entrada al juego de la literatura. La A y la Z son el principio y el fin de un camino, de un recorrido, a través del cual transcurren todos los juegos posibles” dice Joan Brossa en Poesía visual y cita Isidro Ferrer en el catálogo de la exposición haciendo referencia a este, y otros carteles protagonizados por figuras y letras, en este caso la B, que actúa como las alas del avión que compone esta imagen.

Esta fotografía del castillo de Loarre muestra una vista general del monumento hacia el año 1883.

Otras fotografías del castillo de Loarre en esta colección: A-903, A-904

Santiago Ramón y Cajal (Petilla de Aragón, 1852-Madrid, 1934) fue un importante médico y neurocientífico español. Ganó el premio Nobel de Fisiología o Medicina en 1906 por sus contribuciones al conocimiento de los tejidos nerviosos, concretamente la constatación de la independencia de las células neuronales y los procesos que permiten la comunicación entre ellas. Estudió la carrera de Medicina en la Universidad de Zaragoza, y ocupó las cátedras de Histología en la Universidad de Barcelona, y de Histología e Histoquímica Normal y Anatomía Patológica en la Universidad Central de Madrid. Fue el primer director de la Junta de Ampliación de Estudios (JAE), predecesora del Consejo Superior de Investigaciones Científicas.

Retrato tres cuartos de una figura masculina en pie que se corresponde con Félix Correa, director de la Escuela Superior de Comercio de Zaragoza entre los años 1940 y 1954. El personaje viste toga negra con bocamangas blancas y muceta azul marino, sobre la que destaca una medalla dorada, y pajarita negra. Porta en su mano izquierda un libro. El fondo lo compone un paisaje de carácter abstracto en el que predominan los tonos amarillos.

Sentado en posición frontal. Luce sobre el pecho cuatro medallas y sobre el regazo sostiene el birrete con la mano izquierda. Se trata de una réplica de su retrato de la galería de rectores.

Imagen estereoscópica en blanco y negro de la hija del fotógrafo Luis Gandú Mercadal, María Luisa, en las escaleras del edificio Paraninfo sito en la plaza Basilio Paraíso de la ciudad de Zaragoza. La niña posa en la entrada principal del edificio, construido por el arquitecto Ricardo Magdalena en 1983 como antigua Facultad de Medicina y Ciencias, actual Paraninfo de la Universidad de Zaragoza.

Dos cabezas escultóricas, una en pie y otra tumbada, en el alféizar de una ventana abierta, ante un paisaje con un jarrón. Composición y motivos clasicistas,  con claras referencias a la obra del italiano Giorgio de Chirico.

Se puede ver otro ejemplo de la tirada en A-234, A-470

Se puede ver el original en A-71

Retrato de una  figura masculina, barbada, en posición tres cuartos que se corresponde con el fundador de la Universidad de Zaragoza, Pedro Cerbuna. El personaje se representa vestido con hábitos episcopales, con muceta y sobrepelliz, sentado en un sillón, con un breviario entreabierto en su mano izquierda, que apoya sobre la rodilla.

Esta serie de tondos se realizó en 1876 con motivo de la renovación de la sala Paraninfo de la antigua sede universitaria en la Magdalena, así lo relatan M. Jimenéz Latalán y J. Sinués y Urbiola en su Historia de la Real y Pontificia Universidad de Zaragoza (1923): "1876 (1° octubre).—Se inaugura el nuevo Paraninfo de la Universidad. El antiguo, destruído por las minas francesas, así como una gran parte del edificio, había sido habilitado después del año 1809 para que en él pudieran celebrarse los actos académicos, haciéndose en él las reparaciones más precisas a dicho objeto encaminadas. [...] Se hicieron, pues, en él ese año importantes reformas, no solo de construcción—encaminadas éstas a darle más luz, pues el anterior era muy lóbrego—, sino de adorno, embelleciéndolo todo lo posible. En él se colocaron, a más de los retratos de Juan II, Carlos V y Cerbuna, los de los Papas Sixto IV y Julio III, más los de D. Juan Marco y Pignatelli, Rectores; Bartolomé Argensola y Jerónimo Blancas, como insignes alumnos, y los de Jerónimo Xavierre, Juan Costa, Juan Sobrarías y José Suñol, como distinguidos representantes de las cuatro facultades".

Vista de la fachada de la Catedral de Huesca.

En esta escena un burro bien trajeado y con un ostentoso reloj toma el pulso a un enfermo, planteando así con fuerte tono crítico la ineptitud del científico y su total incapacidad para salvar al enfermo. El enfermo aparece dormido en su cama (aunque por la laxitud del brazo y el modo de yacer, bien podría estar ya muerto) y al fondo tras unos cortinajes, se intuye la silueta de dos figuras más, dando la sensación de que la propia muerte acecha al enfermo.

Más información sobre esta edición aquí.

Grabado vertical compuesto por retrato rectangular enmarcado y  filacteria barroca en la parte inferior, conteniendo un breve epítome biográfico del personaje representado. En esta ocasión se trata del historiador, filólogo y poeta español José Pellicer de Ossau, de medio cuerpo y en posición de tres cuartos hacia la derecha aunque con la mirada fija en el espectador. Su mano izquierda descansa sobre un libro apoyado de canto en una mesa. Viste jubón negro abotonado por delante con gorguera lisa blanca y capa negra, que recoge de manera sutil con su mano derecha. Sobre el pecho luce una cadena con medallón de la cruz de Santiago. En su costado izquierdo puede verse la empuñadura y guardamano de una espada cazoleta. Luce larga melena ondulada y bigote con pequeña perilla. La figura destaca sobre fondo neutro.

Esta obra forma parte de una serie titulada Retratos de los españoles ilustres proyectada en 1788 por la Secretaría de Estado. Fue realizada en la Real Calcografía (hoy Calcografía Nacional), una institución creada en este momento para acometer importantes proyectos de grabado surgidos en el marco de la política ilustrada. La serie se publicó periódicamente desde el año 1791 hasta 1819 llegando a estampar/emitir un total de 114 retratos, cada uno con su correspondiente epítome biográfico. El objetivo de esta edición era doble: difundir la vida de los grandes hombres de nuestra historia con la clara intención política de reflejarse/posicionarse como gran potencia, así como impulsar el desarrollo de las artes gráficas y perfeccionar la técnica de los grabadores del momento.

Composición abstracta sobre fondo gris en base a manchas de colores planos, rojas, blancas y ocres, definidas por líneas negras.

Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

En este cartel, Isidro Ferrer coloca como figura principal una mano de color negro que destaca por sus múltiples dedos. Por otro lado y como contraste de dicha mano, encontramos a la derecha un conejo de color rojo que complementa la imagen. 

Otras fotografías de la basílica del Pilar en esta colección: A-937, A-938, A-939, A-940, A-946.

Santiago Ramón y Cajal (Petilla de Aragón, 1852-Madrid, 1934) fue un importante médico y neurocientífico español. Ganó el premio Nobel de Fisiología o Medicina en 1906 por sus contribuciones al conocimiento de los tejidos nerviosos, concretamente la constatación de la independencia de las células neuronales y los procesos que permiten la comunicación entre ellas. Estudió la carrera de Medicina en la Universidad de Zaragoza, y ocupó las cátedras de Histología en la Universidad de Barcelona, y de Histología e Histoquímica Normal y Anatomía Patológica en la Universidad Central de Madrid. Fue el primer director de la Junta de Ampliación de Estudios (JAE), predecesora del Consejo Superior de Investigaciones Científicas.

Fotografía en blanco y negro en la que aparece un grupo de gente esperando el tranvía en la plaza de España, llevado por la Guardia Civil, debido a las huelgas.

Esta estampa es la continuación del grabado 62 Las camas de la muerte, donde Goya representa una vez más a un grupo de cuerpos sin vida amontonados como si se tratara de materia inservible. Los cuerpos ocupan la zona central de la obra, con posturas improvisadas y poco cuidadas, con rostros sin expresión y con dos ataudes de madera alrededor. La escena está criticando la situación desoladora, marcada por el hambre y la violencia, que vivía el país tras la Guerra de la Independencia. No había recursos ni siquiera para enterrar a las personas, por lo tanto, los cuerpos sin vida se amontonaban en cualquier lugar.  Los trazos horizontales y marcados del fondo que contrastan con el blanco de la escena principal, dotan a la obra de dramatismo. 

Más información sobre esta edición aquí.

Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

Con respecto a este cartel, Isidro Ferrer hace uso en el catálogo de las palabras de John Berger que dicen así: “Pero emigrar siempre será desmantelar el centro del mundo y, consecuentemente, trasladarse a otro perdido, desorientado, formado de fragmentos”. Por otra parte, y en alusión a dicha emigración, Ferrer convierte un ladrillo con un asa en el protagonista de la composición, el cual compone la imagen simbólica de una maleta en referencia a ese viaje.

Ilustración de Luis Grañena temáticamente adscrita al ámbito del cine español, concebida para el periódico Heraldo de Aragón, en la que se representa de manera caricaturizada al cineasta aragonés, Luis Buñuel, haciendo alusión a algunas de sus películas como ‘Un perro andaluz’ al ilustrar la navaja y las hormigas. Además, muestra un tambor, indicando sus raíces, ya que Buñuel era de Calanda (Teruel), pueblo con gran tradición en Semana Santa de tocar los tambores en la “Rompida de la hora”. Este objeto tan significativo para él, también fue carácterístico en algunas de sus películas.

Esta ilustración formó parte de la muestra “Nunca olvido una cara…pero con la suya haría una excepción”, organizada por el Vicerrectorado de Cultura y Proyección Social, en la que se expusieron 74 ilustraciones, producidas con motivo de la muestra, y que engloban la presente colección –representativa de la rica y amplia trayectoria del caricaturista Luis Grañena–, y varios ejemplares de revistas y periódicos con los que ha colaborado a lo largo de su carrera. La exposición se dividió en varios ámbitos temáticos, en los que se dieron cita destacados personajes del siglo XX y XXI, referentes de la política nacional e internacional, el cine, el deporte, la música o la literatura.

Licenciado en Historia del Arte, Luis Grañena se inició en infografía en el Heraldo de Aragón. Pronto dio el salto al dibujo y fue trabajando un estilo personal y característico con el que dar vida a personajes a través de sus ilustraciones. A las espaldas de Grañena se pueden contar más de 3000 caricaturas, muchas de ellas han ilustrado las páginas de periódicos locales como Heraldo de Aragón –durante casi una década–, y ha colaborado también de manera habitual en prestigiosas editoriales del ámbito nacional e internacional, como The New Yorker (USA), The Independent (UK), Liberation (Francia), La Tercera (Chile), Sábado (Portugal), El País, Vanity Fair o La Vanguardia (España).

Composición formada por superficies tonales delimitadas y organizada por planos de color en verdes, rosas, amarillos, todos ellos aplicados por medio de suaves veladuras.

Retrato de una  figura masculina  de edad madura, en posición tres cuartos y de pie, que se corresponde con el rector José Nadal Escudero. El personaje viste el clásico conjunto de toga negra y birrete oro y rojo, con puñetas de encaje rosadas, acompañado de la muceta también de color negro; sobre la que destacan una condecoración, el collar con la insignia rectoral,  y una banda dorada y blanca. Su mano derecha apoya sobre una mesa de faldones verdes donde se representa parte de un folio blanco y un tintero; la mano izquierda sujeta un para de guates blancos. Fondo de pared revestida de madera y pintura en tonos azules. Destaca el estilo abocetado del artista.

Retrato realizado a partir de una fotografía.

Composición abstracta en blanco y negro con algún elemento figurativo de carácter arquitectónico.

Composición abstracta generada a base de motivos geométricos. Una circunferencia negra, situada a partir de la mitad superior de la obra sin alcanzar su borde, es atravesada por siete líneas ondulantes y amarillas. Debajo, cuatro trazos azules rectangulares y dispuestos en vertical son, a su vez, atravesados por una línea negra, remarcada en blanco, que describe una trayectoria en zigzagmo dientes de sierra.

El significado de esta estampa no queda muy claro, ni existen dibujos previos conservados para ayudarnos a entender el proceso creativo. En ella aparece una joven de aspecto lozano y un tanto divertido que sostiene un ovijo de lana con sus manos juntas. Detrás, una vieja con toca está hilando con su huso y a la izquierda de la composición hay un hombre viejo y desdentado, de horrible aspecto, que levanta las manos sosteniendo una madeja de lana. Parece que esa madeja es la que va haciendo el ovillo de la joven. En cualquier caso es seguro que el viejo está encandilado con la joven y puede que ella piense en casarse con el viejo para así poder dejar de trabajar, aunque ello conlleve ciertos sacrificios.

Más información sobre esta edición aquí.

La escena esta compuesta por tres mujeres, dos soldados franceses y un niño, toda ella ambientada bajo un puente. Aquí Goya una vez más nos refleja  las circunstancias de violencia que había hacia la mujer en la época, como ya nos plasmó anteriormente en la serie con los grabados nº 9, No quieren y nº 10, Tampoco. En ellos se subraya la resistencia del género femenino y su voluntad férrea de resistir ante los ataques de los soldados franceses.  Se trata de una obra oscura, por lo menos, más que otras de la propia serie en la que destaca el cuerpo de niño, la casaca del soldado y las vestiduras de la mujer.

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Dibujo de la figura de un músico tocando un saxofón frente a un atril con partitura. El saxofón, la pajarita y parte del músico están ligeramente coloreados. El trazado irregular y la escasez de detalle transmiten la sensación de boceto.

Fotografía en blanco y negro del laboratorio (actual Sala Saura) dividido por un separador de madera. A la izquierda se aprecia una chimenea de extracción de gases y, en el centro, una mesa de madera.

Esta fotografía pertenece al conjunto de 87 clichés de temática heterogénea que conforman la colección Carlos Marquina Arrieta. 53 de estas imágenes suponen un testimonio visual de primer orden sobre la historia arquitectónica y urbanística de la ciudad de Zaragoza.

Este “reportaje arquitectónico” debe su autoría a los hermanos Hilarión y Enrique Villuendas Torres, quienes estuvieron estrechamente ligados a la Universidad de Zaragoza por formación y desempeño profesional. Aunque no fueron reconocidos como fotógrafos profesionales, mostraron gran interés por documentar la llegada del progreso y la modernidad a la ciudad a finales del siglo XIX, algo que queda reafirmado con el proyecto de creación del Gabinete Fotográfico de Medicina y Ciencias.

Por ello, la construcción del nuevo edificio proyectado por Ricardo Magdalena para las Facultades de Medicina y Ciencias no pasó desapercibida para estos hermanos que, a través de su cámara, documentaron este hito arquitectónico. Tanto es así que, con motivo de la inauguración del edificio en 1893 y en dedicatoria a la infanta Isabel de Borbón, se publicó un álbum fotográfico que contaba con 24 imágenes tomadas por el objetivo de los Villuendas. Los positivos, acompañados por una reproducción fotográfica del plano del edificio Paraninfo, nos permiten visualizar la evolución constructiva del inmueble y de los pabellones anejos poco antes de su apertura, el 18 de octubre de 1893.

Con motivo del aniversario del edificio Paraninfo, se procedió a la investigación, restauración y digitalización del reportaje fotográfico completo, del cual se seleccionaron 33 imágenes para la exposición El Paraninfo de Zaragoza, 125 años. Las fotografías de los hermanos Villuendas Torres. Esta muestra tuvo lugar entre el 18 de octubre de 2018, coincidiendo con la fecha de la inauguración del edificio en 1893, y el 2 de febrero de 2019.

Santiago Ramón y Cajal (Petilla de Aragón, 1852-Madrid, 1934) fue un importante médico y neurocientífico español. Ganó el premio Nobel de Fisiología o Medicina en 1906 por sus contribuciones al conocimiento de los tejidos nerviosos, concretamente la constatación de la independencia de las células neuronales y los procesos que permiten la comunicación entre ellas. Estudió la carrera de Medicina en la Universidad de Zaragoza, y ocupó las cátedras de Histología en la Universidad de Barcelona, y de Histología e Histoquímica Normal y Anatomía Patológica en la Universidad Central de Madrid. Fue el primer director de la Junta de Ampliación de Estudios (JAE), predecesora del Consejo Superior de Investigaciones Científicas.

Retrato en posición tres cuartos de una mujer morena de cabello corto y nariz pronunciada.

San Bernardo de Claraval (Fontaine, Dijon, 1091 - Clairvaux, 1153), considerado una de las personalidades centrales de la teología católica de su tiempo. A los veintidós años tomó el hábito en el monasterio cisterciense de Citeaux, pasando más tarde al de Clairvaux, del que es considerador fundador y primer abad, donde murió a los 62 años de edad, tras haber reformado la orden cisterciense, que le otorgó el rango de fundador. Ostenta el título de Doctor Melifluo de la Iglesia por la elocuencia de su discurso, que legó a la humanidad en numerosas piezas epistolares, sermones y tratados teológicos. También intervino en los asuntos políticos y religiosos de su época, destacando poderosamente su intervención en favor de la segunda cruzada de 1146. Fue canonizado en 1174.

Esta obra narra una escena muy frecuente en la iconografía del santo, que en una de sus visiones se vio premiado con la leche materna de la Virgen por los escritos ardorosos a ella dirigidos. A la derecha de la composición, San Bernardo luce el hábito blanco de la orden, arrodillado y con los brazos extendidos para recibir a la Virgen con el Niño, ante un rompiente de gloria, vestida de rosa y azul, que le entrega su leche virginal. En el suelo, a la izquierda, hay un báculo, un libro y una mitra, en alusión a su dignidad religiosa, a su condición de doctor eclesiástico y a su rango de fundador. El tema ya había sido tratado con anterioridad por artistas como Juan de Roelas (Hospital de San Bernardo de Sevilla, 1611), Murillo (Museo del Prado, h. 1650-1655) y otros más. Es muy probable que el autor de este cuadro se inspirase en estampas, pues las figuras del cuadro se encuentran dispuestas en sentido contrario a la iconografía habitual.

Vista de un espacio interior semicircular, imaginario, con varias Esculturas colosales alrededor y una figura, de menor tamaño, en pie contemplándolas. Otra figura colosal, de busto, sobre el suelo, en primer término a la izquierda, y en la parte central, al fondo, una figurita a caballo.