Patrimonio Cultural
Universidad de Zaragoza

Copia original de época en blanco y negro. Formato vertical. Vista de la Torre de San Pablo, según reza en el ángulo inferior izquierdo. La parte inferior de la imagen se ocupa con varios volúmenes de la iglesia de San Pablo. En el inferior aparece la parte superior de una portada, rematada en un arquitrabe y un frontón semicircular que sustenta la imagen del santo titular de la iglesia, San Pablo. A la derecha de la portada, cuatro hornacinas con jarrones escultóricos decorativos en tres de las mismas. La situada más a la derecha se encuentra vacía. Por encima de ella se dispone una pequeña torre con tres vanos cerrados por hojas de madera. Del segundo volumen, trasunto de la disposición interior de la iglesia, se identifica parte del muro sustentante y una de las vertientes de la cubierta. El eje central, de la zona media y superior, de la fotografía lo ocupa la torre de la iglesia de San Pablo, recortándose contra el cielo sin ningún elemento destacable.

Ampliación de una fotografía en blanco y negro, en formato vertical. En esta imagen se observa en primer plano a  dos ancianos sentados y en segundo plano aparecen unos niños que parecen posar para la fotografía. Al fondo, protagonizando la escena, se encuentra el Monumento a Agustina de Aragón y a las Heroínas de los Sitios.

Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

Una línea, una figura hecha con papel y un lapicero, componen la imagen de este cartel que anuncia el Congreso internacional de ilustración de Colombia.

Obra perteneciente a la serie "Hay un camino antiguo" compuesta por paisajes que evocan una experiencia directa del autor en la naturaleza. El recorrido de un camino y los cambios del paisaje completan la narrativa de esta serie en la que lo abrupto del paisaje se suaviza a través del ténue cromatismo y la luz que emite el propio soporte de la obra, la plancha de latón, que el autor utiliza como recurso plástico y lumnínico, a través de los vacíos que hacen visible el material, el rayado y el bruñido del mismo.

Paisaje urbano donde aparece representado una calle con vegetación en la parte inferior de la fotografía. La vista que se ofrece al espectador es el frente de un edificio de ladrillo de lo que podrían ser viviendas adosadas, con diversas puertas y ventanas. Se trata de una composición prácticamente simétrica, a excepción de una farola en el lado izquierdo. En segundo plano a la derecha, por detrás de las viviendas, sobresalen las copas de varios árboles.

Rótulo de chapa metálica blanca, de forma rectangular, en el que se lee con letras negras "Escuela Superior de Comercio". La placa posee un fino marco en madera de color rojo.

Cricifijo sobre un pequeño podium o pedestal. La figura de Cristo, de gran simplicidad, imita las formas convencionales de los crucificados de siglos anteriores, corresponde al modelo de tres clavos, cabeza ligeramente inclinada y leve expresión de dolor.

Retrato del rosto de una figura masculina a carboncillo identificada como el doctor Ricardo.

Retrato de una figura femenina, anciana que viste de negro con grandes faldones. El cabello recogido en un moño, el rostro arrugado y con una gran nariz. La mujer apoya su mano derecha sobre la cabeza de un niño que mira hacia abajo, y del que sólo se advierte la nariz y las orejas.

En esta escena se muestra a San Pedro, con rostro anciano, pelo rizado y barba frondosa. Aparece de pie, en actitud de caminar, con la pierna izquierda adelantada. En la mano derecha sostiene las llaves del Cielo, su atributo característico; con la mano izquierda recoge la manga derecha de su túnica. Viste largos ropajes que cubren toda su figura. Son los pliegues de las telas los que definen su anatomía, especialmente la pierna izquierda, de la que se distinguen perfectamente los contornos del muslo, la rodilla y el gemelo.

Forma parte de la obra Apostolado de Rafael, una serie de grabados compuesta por catorce láminas, publicada entre 1788 y 1819 (BNE). El grabador de la serie es Vicente Mariani y Todolí, que reproduce dibujos realizados originalmente por Rafael Sanzio (1483-1520), y que ya habían sido convertidos en series de grabados en ocasiones anteriores, tanto en el siglo XVI como en el XVII. La colección de la Universidad de Zaragoza cuenta con diez de las catorce láminas, cuyas fichas pueden consultarse en los siguientes enlaces: El Salvador del Mundo, San Mateo, San Juan Evangelista, Santiago el Mayor, Santiago el Menor, San Andrés, San Felipe, San Bartolomé, San Simón.

Las láminas que faltan son las correspondientes a San Matías, Santo Tomás, San Pablo y San Judas Tadeo.

En cuanto a sus características formales, todas las representaciones siguen un esquema fijo. En el centro se dispone la imagen del personaje principal, con sus atributos característicos. Bajo la imagen, se identifica del personaje con su nombre en letras mayúsculas. Por último, se incluyen unas líneas del Credo, diferentes en cada caso. La única lámina que no tiene referencias al Credo es la del Salvador del Mundo.

El primer grabador que realizó las reproducciones de estos dibujos de Rafael fue Marcantonio Raimondi (1480- h. 1534), grabador italiano de la escuela boloñesa, en la serie El Salvador y los doce apóstoles. La serie de Raimondi incluía las siguientes imágenes: El Salvador del Mundo, San Pedro, San Pablo, San Mateo, San Juan Evangelista, San Judas Tadeo, Santiago el Mayor, San Andrés, San Felipe, San Bartolomé, San Simón, San Matías y Santo Tomás.

Con el mismo título, la serie de Raimondi fue reinterpretada en el siglo XVII por el grabador francés Jean Baron (1631-1650), con la diferencia de que se intercambió la figura de San Pedro por la de Santiago el Menor. Puede que Todolí conociese las dos series y las combinase para crear el Apostolado de Rafael, cuyo título ya no alude a los doce apóstoles porque en total se representan trece: todos los que aparecían en la serie de Raimondi, más el Santiago el Menor que incluía Jean Baron.

Vicente Mariani y Todolí (Valencia, c. 1765-Madrid, 1819) fue un grabador calcográfico español, nacido en el seno de una familia de artistas italianos afincados en España. Se formó como grabador en París a finales del siglo XVIII como discípulo de Juan Pillement. Trabajó como Conserje de la Real Galería de Pintura del Museo del Prado entre 1818 y 1819.

Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

“En el número 2 de la revista El ojo clínico dibujó una historieta con guión de Felipe Hernández Cava, titulada Fumée. La primera viñeta dice: «Hace tiempo leí que el humo era la imagen de las relaciones entre la tierra y el cielo...» Me gusta pensar que la aspiración del humo es convertirse en nube”. Cuenta Ferrer en el catálogo de la exposición en referencia a este cartel, en el cual muestra esas relaciones entre la tierra y el cielo por medio de esa mano de humo que asciende desde la chimenea hasta lo más alto.

Zaragoza desaparecida es una obra que representa una vista histórica y fantasmal de todos los edificios y elementos arquitectónicos desaparecidos de la ciudad a lo largo del tiempo, e incluso, muestra otros basados en hipótesis y leyendas. Con ello, y con los tonos que usa para la creación de esta obra, refuerza la idea de confusión entre lo real y la ficción. Los inmuebles sobresalen del fondo oscuro y plano como entes fantasmales en tonos blanquecinos.

El ángulo de esta vista, se realiza desde una de las ventanas del edificio Paraninfo ­­­­-­zona limítrofe de la ciudad medieval-­, mirando hacia el Norte, epicentro de la ciudad histórica.

Esta obra pertenece a la exposición ‘Mapa’, en la que el artista muestra los lugares y los hechos que forman parte de su viaje y de sus distintas etapas vitales. Un mapa en el que Fernando Martín Godoy nos acerca a su yo más personal aprendiendo a mirar el trasfondo de sus obras.

Composición abstracta articulada en tres zonas diferenciadas. La inferior, resuelta a partir de una masa rectangular que combina gruesas pinceladas irregulares y goteados, en la que aparece el título "LA PAZ", inscrito en un cuadrado. En la central, una línea gruesa, en la superior, tres círculos superpuestos.

Composición abstracta realizada mediante tonos grises, más oscuros en la parte central -que se desarrollan en un movimiento de izquierda a derecha- que en las zonas superior e inferior.

Retrato sedente de una figura masculina que se corresponde con el fundador de la Universidad de Zaragoza, Pedro Cerbuna. El personaje viste hábito episcopal, con muceta y sobrepelliz, con un breviario entreabierto en su mano izquierda, que apoya sobre la rodilla.

Copia del retrato pintado por Nicolás Ruiz de Valdivia en 1862.

Esta obra forma parte de un conjunto rococó. Tiene forma rectangular, con patas bajas torneadas. Sobre el verde de su policromía destaca su decoración a base de ribetes y motivos vegetales realizados con pan de oro.

Fotografía en blanco y negro. Formato horizontal. En un viejo paseo sin asfaltar se dibuja al fondo de la composición la puerta Baja de Daroca y a un lado la fuente de los Veinte Caños. El perfil de la puerta del s. XV se recorta sobre el cielo y a través de su arco podemos ver cómo continúa la calle hacia donde se pierde la fuga de la perspectiva de esta fotografía. Acompañada desde el s. XVII por la fuente de los Veinte Caños.

En esta estampa la escena principal es el asno que aparece en el centro y que lleva a cuestas una urna con un cuerpo momificado en su interior. Lafuente defiende que se tratra de la beata Mariana de Jesús, por la cual siente mucha devoción la población madrileña. El resto de personajes que rodea el animal, agachan la cabeza en señal de respeto. Nigel Glendinning señala que Goya se pudo inspirar en las fábulas de Félix María Samaniego y José Agustín Ibáñez de la Rentería.En la estampa el asno se podría asociar a una figura sagrada al portar la imagen de la beata, pero en realidad, en las fábulas citadas es un animal asociado a la ignorancia y a la torpeza, algo muy común en las representaciones del autor. Roberto Alcalá a pesar de aceptar la teoria de las fábulas, destaca que Goya pudo recurrir a otras fuentes como los emblemas de Andrea Alciato, concretamente el emblema VI que lleva por título Ficta Religio.

Para entender el verdadero significado de esta, hay que recurrir a la siguiente estampa, la número 67 pues son complementarias. Goya hace una crítica hacia la fe del pueblo, y como los mismos son movidos por la fe y adoran a algunos personajes que no se corresponden con la realidad. También critíca los privilegios que tenía la iglesia y las costumbres como las procesiones, impuestas de nuevo con el reinado de Fernando VII. Estas últimas ya habían sido criticadas incluso por personal eclesiastico como fue el padre Benito Jerónimo Feijóo o el padre jesuita José Francisco de Isla.

Más información sobre esta edición aquí.

Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

Isidro Ferrer diseñó esta imagen para anunciar la concentración que se iba a llevar a cabo ante la embajada de EE.UU. por el asesinato del cámara Jose Couso en Irak. Como en el propio cartel señala, se reclama justicia y se condena la impunidad de su asesinato bajo la frase “8 meses sin justicia”.

Ilustración de Luis Grañena temáticamente adscrita al ámbito de la política nacional, concebida para el periódico El País, en la que se representa de manera caricaturizada a Esperanza Aguirre, exagerando sus rasgos físicos. Política española con varios cargos, como el de Ministra de Educación y Cultura entre 1996 y 1999 y el de presidenta del Partido Popular de la Comunidad de Madrid.

Esta ilustración formó parte de la muestra “Nunca olvido una cara…pero con la suya haría una excepción”, organizada por el Vicerrectorado de Cultura y Proyección Social, en la que se expusieron 74 ilustraciones, producidas con motivo de la muestra, y que engloban la presente colección –representativa de la rica y amplia trayectoria del caricaturista Luis Grañena–, y varios ejemplares de revistas y periódicos con los que ha colaborado a lo largo de su carrera. La exposición se dividió en varios ámbitos temáticos, en los que se dieron cita destacados personajes del siglo XX y XXI, referentes de la política nacional e internacional, el cine, el deporte, la música o la literatura.

Licenciado en Historia del Arte, Luis Grañena se inició en infografía en el Heraldo de Aragón. Pronto dio el salto al dibujo y fue trabajando un estilo personal y característico con el que dar vida a personajes a través de sus ilustraciones. A las espaldas de Grañena se pueden contar más de 3000 caricaturas, muchas de ellas han ilustrado las páginas de periódicos locales como Heraldo de Aragón –durante casi una década–, y ha colaborado también de manera habitual en prestigiosas editoriales del ámbito nacional e internacional, como The New Yorker (USA), The Independent (UK), Liberation (Francia), La Tercera (Chile), Sábado (Portugal), El País, Vanity Fair o La Vanguardia (España).

Copia original de época en blanco y negro. Formato Vertical. Ocupando el eje central de la imagen se sitúa la escultura de Ramón Pignatelli, de3 metros de altura realizada por Antonio Palao Marco, en bronce con pedestal de piedra. Esculpido en el frente de la base del pedestal la fecha: MDCCCLVIII y en la parte superior del plinto: PIGNATELLI. Está protegida por una de rejería de hierro y al fondo se observa arbolado y edificios.

Fotografía de un tapiz perteneciente a las colecciones de la Catedral del Salvador de Zaragoza. Se trata de un tapiz historiado "Débora recibe a Barac" (Jueces 4, 6-9), en el que se recrea el momento en que Débora, que gobernaba en Israel, ordena a Barac marchar con 10 000 hombres hacia el arroyo de Sisón para derrotar a Sísara, capitán del ejército de Jabín, que luchaban por Jabín, el rey de Canáan.

La escena se divide en dos planos. En primer plano, centrando la composición, aparecen Barac a la izquierda y Débora a la derecha, los dos acompañados por otros personajes. Tras la escena principal, en segundo plano, se desarrolla un paisaje natural con animales, arquitecturas, personajes charlando y caminando. La cenefa se compone de motivos vegetales y florales.

La edición de esta lámina estuvo a cargo de Ediciones García Garrabella.

Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

Con varios materiales, Ferrer hace una composición en la que se muestra un personaje de extraño rostro que no sabemos si es su cara o una máscara. De este cartel, el diseñador señala en el catálogo de la exposición: “La máscara es al teatro como el teatro es a la vida”.

Escultura antropomorfa formada por la unión de varias chapas de hierro recortadas y soldadas.

La escultura alterna acabados pulidos y rugosos, aprovechando los cortes de las chapas de hierro para dar forma a la escultura.

Anteriormente esta escultura tuvo otro título "Puente festivo (Inmaculada Concepción)".

Vista general de la Plaza Aragón, con el monumento al Justicia Juan de Lanuza, el edificio de Capitanía General, y en último término, la antigua Facultad de Medicina y Ciencias, actual Edificio Paraninfo.

Composición formada a partir de manchas de color en tonos fríos: azules, rojos, morados, y algún cálido como el amarillo; creando perspectiva y profundidad para sugerir un corredor en penumbra con una puerta al fondo, en blanco, por donde penetra la luz.

Retrato de busto de una figura masculina, que se corresponde con Enrique Coris Gruart, que viste traje de chaqueta y corbata.

Fotografía en blanco y negro en la que aparecen cinco hombres del ejército republicano agazapados en el interior de una trinchera cubriéndose del fuego enemigo. Esta escena tuvo lugar en una trinchera del frente de Aragón.

Más información sobre la Colección Agustí Centelles i Ossó aquí.

Se trata de uno de los grabados reproducidos a partir de las estampas de los Disparates o Proverbios de Francisco de Goya.

En la imagen asistimos a un despliegue de figuras femeninas que, inmersas en la penumbra, parecen mantear dos figuras que presentan la complexión de dos muñecos de trapo. Sobre la lona descansa un asno dormido y una figura humana.

Su significado, como el mensaje global de esta serie de los Disparates, es hermético y difícil de desentrañar.

Se conoce sin embargo que una de las pruebas de estado viene acompañada de un letrero manuscrito: “Con los burros se juega a los pepeles”, lo que parece una auténtica declaración de intenciones. Un intento de poner en evidencia el carácter débil de aquellos que se rinden fácilmente a los encantos femeninos.

Harris lo acompañó en su momento de la inscripción o proverbio que reza: “Pesar más que un burro muerto”, naturalmente se desvela difícil relacionar la estampa con este proverbio y por lo tanto no nos vale para su interpretación.

Los Disparates constituyen una serie realizada en un contexto de desilusión personal para el artista al asistir al auge del absolutismo y el declive de aquello en lo que había empezado a creer, una ideología progresista que amenaza con extinguirse junto con las luces de la razón.

Esta serie de grabados no se reprodujo en el momento en que Goya grabó las planchas, sino tiempo después, habría que esperar hasta 1848 para contemplar las primeras reproducciones de la misma, cuyas láminas se guardaron en un olvidado cajón de la Quinta del Sordo con la partida del artista al exilio. Goya nunca vería reproducidos estos grabados.

Estrechamente relacionadas con las pinturas negras, advertimos en estas estampas un marcado interés por las luces y las sombras, a la vez que una gran seguridad en la definición del dibujo de la plancha. De hecho en este grabado en concreto vemos que destaca en blanco las figuras femeninas, y deja en penumbra el resto de figuras. Esto es así porque las figuras femeninas son la clave de la interpretación, y será un mecanismo que repita en muchas de las estampas de la serie.

Desborda la libertad imaginativa que convierte a Goya en claro representante de la modernidad. Las luces y las sombras son también parte de su imaginación. Los posibles temas carnavalescos o alegorías de su contexto histórico y su vida personal nos legan connotaciones y mensajes que nunca serán descifrados. Tal vez, según Valeriano Bozal, sea precisamente el hermetismo de un mensaje que se pierde en las entrañas del tiempo lo que nos invita a adentrarnos en un lugar en donde el sentimiento participa antes que la razón, atrayéndonos irremediablemente hacia un paraíso de interrogantes. Exactamente allí, donde se perfila la sombra de los sublime, lo grotesco, o lo terrible. Aquellos conceptos que tanto atrajeron al hombre a inicios del s. XVIII e incluso con posterioridad, y que todavía forman parte de nosotros.

Más información sobre esta edición aquí.

Fotografía de Menéndez Pelayo, copia de la original realizada por el fotógrafo Kaulak. Era un personaje dedicado a la escritura, filólogo, crítico literario e historiador de las ideas. Destacó por la interpretación crítica y la historiografía de la estética, la literatura española e iberoamericana y la filología hispánica en general. Por otra parte, fue político, dedicado a la poesía, la traducción y la filosofía.  Nominado a ser Premio Nobel de Literatura.

Se le representa de una avanzada edad, en posición de tres cuartos, y mirando fijamente al espectador. Ataviado con traje compuesto de chaqueta y chaleco, dejando ver el cuello de la camisa. Pelo y barba canoso. Bajo la imagen aparece su firma. 

Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

“El flamenco es el pájaro exótico de las riberas del Garonne a su paso por Toulouse” por lo que haciendo uso de este animal característico de la zona, Isidro Ferrer entremezcla música y la fauna autóctona componiendo una imagen que aúna la temática musical del festival y algo propio que identifica el lugar en el que se celebra.

Ilustraciones de Luis Grañena temáticamente adscritas al ámbito de la música, concebidas para la Agencia Illozoo y el periódico Liberation (Francia), en las que se representa de manera caricaturizada a Lou Reed, Nick Cave y David Bowie, tres cantantes y compositores dentro del género rock, y con despegue de su carrera en los años 70. Llama la atención en ellos la influencia por el arte y el diseño, haciéndose un hueco en la cultura popular.

Esta ilustración formó parte de la muestra “Nunca olvido una cara…pero con la suya haría una excepción”, organizada por el Vicerrectorado de Cultura y Proyección Social, en la que se expusieron 74 ilustraciones, producidas con motivo de la muestra, y que engloban la presente colección –representativa de la rica y amplia trayectoria del caricaturista Luis Grañena–, y varios ejemplares de revistas y periódicos con los que ha colaborado a lo largo de su carrera. La exposición se dividió en varios ámbitos temáticos, en los que se dieron cita destacados personajes del siglo XX y XXI, referentes de la política nacional e internacional, el cine, el deporte, la música o la literatura.

Licenciado en Historia del Arte, Luis Grañena se inició en infografía en el Heraldo de Aragón. Pronto dio el salto al dibujo y fue trabajando un estilo personal y característico con el que dar vida a personajes a través de sus ilustraciones. A las espaldas de Grañena se pueden contar más de 3000 caricaturas, muchas de ellas han ilustrado las páginas de periódicos locales como Heraldo de Aragón –durante casi una década–, y ha colaborado también de manera habitual en prestigiosas editoriales del ámbito nacional e internacional, como The New Yorker (USA), The Independent (UK), Liberation (Francia), La Tercera (Chile), Sábado (Portugal), El País, Vanity Fair o La Vanguardia (España).

Retrato sedente de medio cuerpo de una figura masculina que se corresponde con el fraile Francisco María Casini, que viste hábito de capuchino y está representado en actitud de escribir. En el ángulo superior derecho aparecen las armas del retratado. 

Composición de gran formato con elementos figurativos y abstractos de carácter orgánico y geométrico. Sobre un fondo naranja con una mancha gris y blanca en el ángulo inferior derecho, el artista ha representado una vaca de estilo clásico. En el ángulo superior un pequeño conjunto de formas rectangulares y cuadradas negras y azules, nos remiten a la pintura neoplasticista holandesa.

Retrato sedente en posición tres cuartos de una figura masculina, que se corresponde con el decano Gregorio de Pereda y Ugarte. El personaje viste toga negra, con bocamangas de encaje rosadas, pajarita blanca, y muceta roja sobre la que descansa una medalla dorada. El retratado aparece sentado sobre un frailero, mientras que con la man0 derecha sostiene un libro.

Composición abstracta de formas orgánicas, dividida en tres partes y con algún elemento figurativo como el sombrero que ocupa la parte central de la escena, las cruces y el insecto de la parte superior. Predominan los colores marrones, verdes y ocres.

Fotografía en blanco y negro, formato horizontal. En el exterior de un descampado a la luz del día en primer plano una vista frontal del Gregoire de Luis Gandú. Montados en el coche uno hombre y él, además una segunda figura masculina en pie apoyada en el vehículo. Los tres individuos posan para la cámara en éste abierto descampado.

Un grupo de personas es sorprendida por una explosión producida durante la guerra. El conjunto principal está compuesto por varias figuras entre las que destacan dos mujeres, todo ello lo situa en el centro del grabado. Vemos un gran dominio de la luz, el cual se manifiesta en la explosión o los vestidos femeninos. Con todo ello lo que demuestra Goya es que tiene un gran dominio de la tecnica, consiguiendo fantasticos contrastes y degradados. Hay presentes también diversos personajes en un plano secundario que huyen despavoridos de la explosión. Esta obra se puede poner en relacion con el grabado número 30 de esta misma serie Estragos de la guerra que captaba los bombardeos de la guerra en el interior de un hogar.

Más información sobre esta edición aquí.

Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

Según cuenta Ferrer en el catálogo de la exposición “La fotografía de Jacinto Esteban me permite incorporar por primera vez el volumen sobre la superficie plana del papel”. De este modo, vemos como con una figura humana, hecha de recortes, genera un espacio gracias al uso dirigido de la luz, con la cual se proyecta sombra sobre la pared, lo que da lugar a una mayor profundidad en la imagen. 

Fotografía en blanco y negro de un puente colgante sobre el río Gállego, en Zaragoza. A la izquierda, en la ribera, vegetación y arbolado. 

Fotografía en blanco y negro desde el interior de una jaula del zoo de Barcelona habitada por dos cervatillos que ocupan en centro de la composición, mirando hacia el exterior donde los contemplan los visitantes del zoo, entre los que abundan niños. Forma parte de los positivos que se expusieron en la muestra "La caja de galletas. El autor y su obra" que se llevó a cabo en la Casa Molino de Ángel Ganivet de la Diputación de Granada en 2010. La serie de fotografías fueron halladas por los hijos del fotógrafo en una caja de galletas en su estudio, que albergaba 800 negativos de imágenes que fueron tomadas en su época como fotoperiodista y, también, a la vuelta de su exilio en Francia. 

En esta escena se muestra a San Juan Evangelista, un hombre joven, de cabello largo y rizado, imberbe. Aparece de pie, con la pierna derecha ligeramente flexionada hacia adelante. Viste largos ropajes que cubren toda su figura. A sus pies aparece un águila, su símbolo en el tetramorfos.

En la mano derecha sostiene el libro del Evangelio. Con la mano izquierda alza una copa de la que asoma una pequeña serpiente. Esta iconografía remite a una leyenda apócrifa por la que un sacerdote del templo de Diana, en Éfeso, ofreció a San Juan Evangelista una copa de vino envenenado. Antes de beber, el apóstol la bendijo, y en ese momento el veneno tomó la forma de una pequeña serpiente que salió de la copa. A continuación, San Juan bebió el vino sin efectos mortales.

Forma parte de la obra Apostolado de Rafael, una serie de grabados compuesta por catorce láminas, publicada entre 1788 y 1819 (BNE). El grabador de la serie es Vicente Mariani y Todolí, que reproduce dibujos realizados originalmente por Rafael Sanzio (1483-1520), y que ya habían sido convertidos en series de grabados en ocasiones anteriores, tanto en el siglo XVI como en el XVII. La colección de la Universidad de Zaragoza cuenta con diez de las catorce láminas, cuyas fichas pueden consultarse en los siguientes enlaces: El Salvador del Mundo, San Pedro, San Mateo, Santiago el Mayor, Santiago el Menor, San Andrés, San Felipe, San Bartolomé, San Simón.

Las láminas que faltan son las correspondientes a San Matías, Santo Tomás, San Pablo y San Judas Tadeo.

En cuanto a sus características formales, todas las representaciones siguen un esquema fijo. En el centro se dispone la imagen del personaje principal, con sus atributos característicos. Bajo la imagen, se identifica del personaje con su nombre en letras mayúsculas. Por último, se incluyen unas líneas del Credo, diferentes en cada caso. La única lámina que no tiene referencias al Credo es la del Salvador del Mundo.

El primer grabador que realizó las reproducciones de estos dibujos de Rafael fue Marcantonio Raimondi (1480- h. 1534), grabador italiano de la escuela boloñesa, en la serie El Salvador y los doce apóstoles. La serie de Raimondi incluía las siguientes imágenes: El Salvador del Mundo, San Pedro, San Pablo, San Mateo, San Juan Evangelista, San Judas Tadeo, Santiago el Mayor, San Andrés, San Felipe, San Bartolomé, San Simón, San Matías y Santo Tomás.

Con el mismo título, la serie de Raimondi fue reinterpretada en el siglo XVII por el grabador francés Jean Baron (1631-1650), con la diferencia de que se intercambió la figura de San Pedro por la de Santiago el Menor. Puede que Todolí conociese las dos series y las combinase para crear el Apostolado de Rafael, cuyo título ya no alude a los doce apóstoles porque en total se representan trece: todos los que aparecían en la serie de Raimondi, más el Santiago el Menor que incluía Jean Baron.

Vicente Mariani y Todolí (Valencia, c. 1765-Madrid, 1819) fue un grabador calcográfico español, nacido en el seno de una familia de artistas italianos afincados en España. Se formó como grabador en París a finales del siglo XVIII como discípulo de Juan Pillement. Trabajó como Conserje de la Real Galería de Pintura del Museo del Prado entre 1818 y 1819.

Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

En el catálogo de la exposición, Ferrer señala que “Los comercios Todo a cien rebosan de posibilidades, son un proveedor de material insólito”. De este modo, muchos de los personajes que construye se conforman con materiales y objetos de dichos comercios, conformando así pues, figuras como este ratón, cuya cabeza hace con una taza.

Políptico de cuatro piezas obra de los años 90 expuesta en la muestra ‘Rastros’. De esta época destaca la metáfora del vuelo de nuevo en sus obras, pero bajo otros significados. “Las alas del políptico extirpadas y aumentadas como si las contempláramos a través de un microscopio”. También en esta época, la artista entendía sus obras como metalenguaje de conocimiento y comunicación.

Rastros es el título escogido por Alicia Vela (Villalengua, 1950) para reunir en una exposición un conjunto de pinturas, grabados y dibujos que la artista realizó entre 1982 y 2007. Para contarse en el presente, Alicia Vela ha tenido que buscar, recopilar e interpretar huellas infinitesimales de su trayectoria pasada, en lo artístico y lo vital. En las salas especularmente confrontadas, las pinturas de gran formato dialogan con xilografías, grabados o dibujos de distintas etapas, formatos y series. El discurso diacrónico ha sido sustituido por la lógica interna de un imaginario que se formula y revisita, siempre transformado, ante nuestros ojos.

Representa una naturaleza muerta compuesta por dos objetos o recipientes redondos con tapa.

Composición geométrica dividida en cuatro espacios creados a partir de una semicircunferencia y una línea vertical que divide la representación en dos. La obra se caracteriza por el uso del color rojo intenso.

Vista de la Catedral de Santiago de Compostela desde la Plaza de Quintana, donde se sitúa la Puerta del Perdón o Puerta Santa, al Este de la catedral, en su cabecera.

Silla de color verde pastel ribeteado en pan de oro y con adornos de rocalla también sobredorada. Esta obra forma parte de un conjunto de mobiliario de estilo rococó. 

Fotografía en blanco y negro. Formato horizontal.Una familia posa para la fotografía delante de su casa de campo, una construcción de marcado caracter rural y funcional. A un lado en el fondo podemos ver algunos animales domésticos entre la vegetación y otra serie de dependencias aledañas quedan apuntadas, aunque el protagonismo total es de la vivienda. La familia figura centrada en un primer término y los perfiles de algunos árboles ofrecen el contrapunto vertical a la marcada horizontalidad del edificio y la composición.