Patrimonio Cultural
Universidad de Zaragoza

Una vez más en esta estampa Goya recurre a dos temas de los que ha hecho uso a lo largo de la serie, por un lado el hambre y por otro lado el papel de la mujer siendo protagonista por primera vez en un conflicto bélico,adoptando en ocasiones el papel de heroína como madre o reemplazando en el combate a su marido fallecido, y en otras ocasiones como víctima de abusos y violaciones. En este caso una mujer joven,de espaldas al espectador y con su cabeza inclinada hacia el suelo, pasa junto a un grupo de hombres cuyo estado físico delata el hambre al que están siendo sometidos. Sus rostros están demacrados, con ojos rehundidos y pómulos y mandíbulas muy marcadas, las extremidades del personaje central que porta un gorro dejan ver su estructura ósea, los pliegues de sus vestimentas,pobres e improvisadas, se imponen a sus cuerpos famélicos. Uno de ellos en primer término yace en el suelo, la situación de hambre que no ha podido superar le ha llevado a la muerte. En un segundo plano aparece la figura de un soldado francés con un gorro militar conocido como colback que Goya utiliza como icono en acciones de violencia,  dirige su mirada hacia la mujer que camina hacia  él, la joven toma un papel protagonista en la escena, su falda blanca y su postura llama nuestra atención, algunos estudiosos hablan que tal vez la relación de ambos sea comercial, y la joven ejerza la prostitución como una alternativa para salir adelante y huir de la pobreza. En el título del grabado Goya parece dar respuesta y posicionarse ante la disyuntiva que se plantea, la de vender su cuerpo para sobrevivir o mantener su dignidad para morir de inanición.

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Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

“Aprendo del diseñador gráfico Pep Carrió dónde esconder la carta” cuenta Ferrer en el catálogo de la exposición. De este modo, y aludiendo a lo señalado, coloca el conocido basto de la baraja dentro de un vaso de agua, algo que permite que nazcan de él ramas y hojas.

Es una obra monócroma, en blanco y negro, en la que aparecen varias figuras dibujadas a partir de rotundos volúmenes y líneas muy bien trazadas. Jorge Gay quiso representar al pintor alemán Max Beckamnn recorriendo las calles de Berlín como homenaje a uno de sus artistas más admirados y del que se aprecian constantes influencias en el quehacer artístico del pintor zaragozano. El dibujo forma parte de la serie de obras denominada El pulso de los días.

Fotografía en blanco y negro de formato horizontal. La escena se ha identificado como la despedida de las Brigadas Internacionales. Aparecen el Dr. Negrín y el general don Vicente Rojo en coche, y al fondo, corriendo junto al automóvil, el fotoperiodista Robert Capa. Fotografía inédita, positivos vintage en la colección de doña Carmen Negrín.

La escena trascurre en un interior, que parece tratarse de una sala posiblemente de un bar, pues aparece en una de las paredes una estantería con botellas en las baldas y una gran puerta de acceso. A la izquierda aparece un hombre rompiendo unos pliegos de papel, y con gestos de enfado. Detrás de él aparecen dos hombres, a la derecha dos jóvenes y a la derecha, en segundo plano de la escena dos muchachas cuchichean sobre lo que está sucediendo. Todos miran al primero. Los personajes visten a la moda del siglo XVIII, con casacas, chalecos, vestidos holgados, etc. Al fondo, la puerta deja ver una barandilla que conllevaría una escalera, por lo que estamos en un sótano o piso bajo. 

Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

“Todas las transformaciones tienen algo de profundamente misterioso y de vergonzoso a la vez, puesto que lo equívoco y lo ambiguo se produce en el momento en que algo se modifica lo bastante para ser ya “otra cosa”, pero aún sigue siendo lo que era. Por ello, las metamorfosis tienen que ocultarse; de ahí la máscara. La ocultación tiende a la transfiguración, a facilitar el traspaso de lo que se es a lo que se tiene que ser; éste es su carácter mágico. La máscara equivale a la crisálida” dice Juan Eduardo Cirlot en Diccionario de símbolos y cita Ferrer en el catálogo con respecto a este cartel, compuesto por un montón de hojas y una pinza que las une creando de algún modo un rostro, una máscara.

Matilde Moliner Ruiz (Madrid, 1904 - 1986). Licenciada en Historia en 1925

Matilde Moliner Ruiz, hermana de María Moliner, fue otra de las primeras mujeres en licenciarse en la Universidad de Zaragoza. Matilde comenzó los estudios de Historia en la Universidad de Valencia, pero se trasladó a Zaragoza y los finalizó en 1925.

Posteriormente, Matilde se dedicó a la investigación histórica y a la enseñanza, muy vinculada con el Instituto Cervantes de Madrid, hasta el estallido de la Guerra Civil. Este suceso no le permitió consolidar su plaza como docente en el Instituto Cervantes, la cual retomaría en 1952 cuando fue nombrada catedrática de Geografía e Historia, y donde permanecería hasta su jubilación en 1974.

Todo un ejemplo para la época, una mujer dedicada a la docencia que impulsó el interés por el conocimiento, el saber o la lectura.

El 8 de marzo de 1910, momento en el que a través de una Real Orden se autorizaba por primera vez y por igual la matrícula de alumnos y alumnas, se abrió la puerta de la Universidad a todas aquellas mujeres que habían visto imposible su acceso a estudios superiores.

El proyecto PIONERAS, que inició su andadura en 2019, tiene como objetivo fundamental recuperar la memoria de todas aquellas primeras tituladas de la Universidad de Zaragoza. Como consecuencia surgió PIONERAS ILUSTRADAS, un proyecto de la mano de quince ilustradoras aragonesas o afincadas en Aragón, que ponen rostro a las primeras quince pioneras de la Universidad de Zaragoza, las cuales se incorporaron a las aulas de diferentes ramas del saber, tales como Química, Historia, Derecho, Medicina o Matemáticas y abrieron paso a muchas otras.

Ante la ausencia de imágenes en muchas de sus biografías, queremos imaginarlas en sus laboratorios, rodeadas de libros o por los pasillos de edificios como este Paraninfo, antigua Facultad de Medicina y Ciencias.

Retrato del artista y profesor de dibujo de la Escuela Normal de Huesca, Ramón Acín Aquilué (Huesca 1888-1936). Cabeza en bronce fundido, sobre basa de metacrilato.

Composición naif  de tipo figurativo, que se caracteriza por la utilización de una gran paleta de colores. En la obra aparece una figura antropomorfa de formas estilizadas y grandes extremidades.

En la parte inferior del tapiz, donde se representa el primer plano, aparece un jinete acompañado de un servidor con una traílla de perros de caza. En segundo plano, un camino entre árboles, recorrido por un carruaje.

El tapiz se encuentra muy deteriorado y presenta algunos zurcidos.

Obra en la que aparece una composición cerrada de tres figuras masculinas, una figura femenina ricamente ataviada con tocado negro y vestido, y dos animales. La escena representa el momento en que una vez recogida la vid se transporta en un carro tirado por una mula. En segundo término una pareja a lomos de un caballo blanco.

Retrato femenino de cuerpo entero en posición de tres cuartos. La joven aparece sentada en una silla, con las manos dentro de los bolsillos de una larga chaqueta de motivos geométricos en blanco y negro, zapatos de punta en negro, y el cabello con el corte a lo garçon que deja ver los pendientes que cuelgan junto el cuello; lleva los labios pintados de rojo.

En el centro de la composición aparece la Virgen, vestida con túnica roja y manto verdoso y arrodillada sobre un lecho de nubes en rompiente de Gloria que se halla provisto de cabecitas de ángeles. Con las manos sobre el pecho en actitud de recogimiento, recibe la corona real que sustentan con sus manos el Padre Eterno, a la derecha, vestido de pontifical, y Cristo. En la parte superior, el Espíritu Santo sobre nimbo dorado. Esta obra está inspirada en otra del pintor seiscentista Bartolomé Carducho conservada en una colección particular de Madrid.

Retrato de perfil del rostro de una figura masculina con semblante serio que se corresponde con el científico y premio Nobel, Santiago Ramón y Cajal. 

Por la exquisita técnica que presenta este grabado, es muy probable que Goya lo realizara en los últimos tiempos de los Caprichos. Se demuestra aquí la gran capacidad del artista para reflejar una profunda intensidad dramática a través del exagerado gesto de horror del niño y de los violentos contrastes de luz y sombra. Juega con muy pocos elementos, sabiendo producir gran impacto con ellos. Todo subraya lo nefasto que puede ser abusar intimidando a los niños en los primeros años de su vida, obligándoles a temer aquello que en realidad no existe. La estampa impresionó de tal modo a Delacroix que hizo una copia él mismo en aguatinta, titulada Scène d’interieur.

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Copia original de época en blanco y negro. Formato horizontal. Vista de detalle del patio de la casa de Pardo, según reza en el ángulo inferior izquierdo. Se aprecia la decoración del antepecho con medallones escultóricos y grutescos delante de los vanos del piso superior flanqueados por medias columnas adosadas.

Aparece un cartel de los cursos de verano organizados por la Universidad de Zaragoza, en este caso celebrados en Jaca. Una serie de jovenes disfrutan y toman apuntes dentro de una piscina.

Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

Con respecto a este cartel, Isidro Ferrer hace referencia en el catálogo de la exposición a algunas de las personas que le inspiran: "En mi estudio no hay espejo. A pesar de ello busco el reflejo de los otros, allí encuentro voces reconocidas: Raúl, Pep Carrió, Peret, Chema Madoz".

Esta estampa pertenece a la serie Gran Mujer, compuesta por cinco estampas y datadas en 1995. Esta serie es un trabajo realizado en los primeros años de Katia como grabadora.

Katia Acín tras su jubilación como profesora de Historia, decidió comenzar su carrera artística y marchó a Barcelona para formarse, allí estudió la licenciatura en Bellas Artes con la especialidad de Pintura, pero finalmente se decantó por el grabado como medio de expresión. En sus grabados muestra sus sentimientos dolorosos marcados por la guerra y el fusilamiento de sus padres.

En la serie Gran Mujer usa la técnica directa, como es el grabado sobre linóleo, donde destaca la línea blanca realizada con la gubia sobre el fondo negro. Las estampas de esta serie muestran el cuerpo desnudo de una mujer, su torso en diferentes poses desde el cuello hasta el comienzo de las piernas. Es la imagen de la propia artista que posaba desnuda frente a un espejo para trazar su cuerpo, pero no hay rostro, no hay individualidad. Con estas imágenes rompe los tabúes de la desnudez femenina y también de la edad y el género. Estos retratos muestran la fuerza, la seguridad y la belleza de la mujer.

Gran Mujer III muestra el torso de una mujer desnuda de frente en contraposto. En esta estampa se puede ver la belleza natural de las formas y volúmenes del cuerpo humano femenino a través del paso del tiempo.

Gran mujer I

Gran mujer V

San Francisco de Paula (Paola, Cosenza, 1416-Tours, 1508) procedía de una familia muy humilde de la Italia meridional. Tras ingresar en la orden franciscana, y siendo todavía joven, se retiró a Asís para llevar una vida eremítica, fundando entonces la orden de los mínimos, a la que señaló una regla muy rígida.

Retrato tres cuartos y de frente, sobre un fondo neutro oscurecido con el que se funde su figura, que responde a un tipo humano de edad avanzada, luciendo largas barbas blancas. Viste el hábito pardo de los franciscanos (generalmente se le suele representar con el hábito negro de los mínimos), con el capuchón sobre la cabeza, y dirige la mirada hacia arriba en claro éxtasis místico. Tiene la mano derecha sobre el pecho, en señal de contrición o arrepentimiento, mientras la izquierda sotiene un papel con la inscripción "CHARITAS" que le caracteriza. Entre su brazo se distingue un bastón de mango curvado que indica ancianidad o su condición de fundador.

Esta obra combina una pincelada apurada en el rostro del santo, que evoca en su expresión arrobada modelos de éxito ideados por Guido Reni, con otra mucho más suelta y etérea, de mancha, aplicada a algunos detalles de la figura y sobre todo al celaje del fondo; este ofrece un aspecto denso, plomizo y tormentoso mediante una magnífica cromatrua en tonos azules y grisáceos sobre la que destacan los toques de luz eléctricos del halo de santidad, detalle este resuelto de una manera peculiar que recuerda los estilemas de Juan Carreño de Miranda (Avilés, Asturias, 1614- Madrid, 1685) y de su díscipulo Mateo Cerezo (Burgos, 1637- Madrid, 1666).

Figura masculina sentada y de espaldas abrazada a una guitarra, con el brazo izquierdo rodeándole la cabeza. En el ángulo superior derecho, una estrella.

Caballo ante un dilatado fondo de paisaje al atardecer. A la derecha y tras su grupa, fondo de nubes. Capa torda sin particularidades complementarias reseñables. Ejemplar de cabeza expresiva, perfil subconvexo, con ojos de soñador, orejas pequeñas. Cuello arqueado (de gallo), moderadamente largo y no excesivamente potente. Cruz moderadamente destacada. Tronco largo, de línea superior ligeramente cóncava (ensillada). Grupa larga, potente, redondeada, con nacimiento de la cola a media altura. Extremidades finas, bien aplomadas, con notable longitud de las cañas, cascos finos con talones poco profundos. Crines pobladas aunque de longitud moderada.

Fotografía en blanco y negro que reproduce las ruinas arquirtectónicas de un conjunto edilicio histórico localizado en un paraje rural. Reproduce la idea de la ruina que es fagocitada por la naturaleza.

Retrato caricaturesco de una figura masculina de edad avanzada con el rostro en posición tres cuartos, casi de perfil. El personaje lleva abrigo y le asoma el nudo de la corbata del traje, gafas y un sobrero oscuro.

Cartel que publicitaba el chocolate soluble "Nescao". Caricaturas encargadas por la marca Nestlé, sobre los políticos del primer gobierno de la II República.

En la estampa se habla de la veneración de la virgen en el muro de Zaragoza, pues la aparición de la Virgen tuvo lugar en un lienzo de la muralla, donde se construyó posteriormente el primer oratorio para albergar a todos los devotos. En la imagen, la virgen aparece elevada sobre la muralla de la ciudad zaragozana, acompañada por ángeles, y rayos celestiales. En la parte inferior dos fieles son testigos del acontecimiento.

La estampa posee una inscripción en la cual aclara que los Arzobispos de Zaragoza y de Aux, concedieron 80 días de indulgencia cada para los devotos que rindieran culto a esta Sñra. del Portillo, y otros 40 el Obispo de Sigüenza.

Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

Ferrer describe este diseño como “un cartel que se anuncia a sí mismo”. En el aparece una cabeza de perfil y varias letras alrededor.

Ilustración de Luis Grañena temáticamente adscrita al ámbito de la literatura española, concebida para el periódico Sábado (Portugal), en el que se representa de manera caricaturizada a Carlos Ruiz Zafón, escritor y novelista español de gran renombre y muy galardonado, en especial por su obra La sombra del viento.

Esta ilustración formó parte de la muestra “Nunca olvido una cara…pero con la suya haría una excepción”, organizada por el Vicerrectorado de Cultura y Proyección Social, en la que se expusieron 74 ilustraciones, producidas con motivo de la muestra, y que engloban la presente colección –representativa de la rica y amplia trayectoria del caricaturista Luis Grañena–, y varios ejemplares de revistas y periódicos con los que ha colaborado a lo largo de su carrera. La exposición se dividió en varios ámbitos temáticos, en los que se dieron cita destacados personajes del siglo XX y XXI, referentes de la política nacional e internacional, el cine, el deporte, la música o la literatura.

Licenciado en Historia del Arte, Luis Grañena se inició en infografía en el Heraldo de Aragón. Pronto dio el salto al dibujo y fue trabajando un estilo personal y característico con el que dar vida a personajes a través de sus ilustraciones. A las espaldas de Grañena se pueden contar más de 3000 caricaturas, muchas de ellas han ilustrado las páginas de periódicos locales como Heraldo de Aragón –durante casi una década–, y ha colaborado también de manera habitual en prestigiosas editoriales del ámbito nacional e internacional, como The New Yorker (USA), The Independent (UK), Liberation (Francia), La Tercera (Chile), Sábado (Portugal), El País, Vanity Fair o La Vanguardia (España).

DEPÓSITO TRASLADADO A LA FUNDACIÓN AMANTES DE TERUEL. YA NO FORMA PARTE DE LA COLECCIÓN UNIVERSITARIA

Esta obra narra la conocida historia de amor imposible entre Diego Juan Martínez de Marcilla e Isabel de Segura, utilizada también como argumento de romances populares y de importantes piezas literarias del Romanticismo español, entre las que destaca el drama de Juan Eugenio de Hartzenbusch, estrenado en 1837. Este episodio acaeció a principios del siglo XIII (los historiadores suelen situarlo h. 1212), cuando el empobrecido noble turolense marchó a buscar fortuna, no sin antes obtener la promesa de Isabel de que le esperaría cinco años. Cumplido el plazo acordado, fue a celebrarse el matrimonio de la dama con un noble personaje de mayores recursos, concertado por los padres, cuando el mismo día de la boda regresó don Diego para reclamar la mano de Isabel. Ante la negativa de ésta para cambiar de planes, el amante solicitó un beso, negado por ella, lo que ocasionó la muerte fulminante de don Diego. Al día siguiente, mientras se celebraba el funeral, Isabel se acercó al cadáver para darle el beso negado, quedando muerta junto a él.

No parece, sin embargo, que el cuadro tuviese como inspiración el texto de Hartzenbusch, según comenta Ángel Azpeitia, puesto que el dramaturgo sitúa la muerte de Isabel de Segura en su alcoba, mientras que aquí tiene lugar en el interior de la iglesia de San Pedro, cuyas formas arquitectónicas y los detalles de un altar se advierten en el fondo. En primer plano aparece el cadáver de Diego Juan Martínez de Segura, dispuesto sobre sobre el féretro, que se halla cubierto por un pesado faldón. Junto a él, y arrodillada a la derecha, se encuentra Isabel de Segura, que acaba de caer muerta abrazada a su figura y apoyando la cabeza sobre el hombro de su amante. Tras el catafalco hay tres figuras más, correspondientes a los padres de la dama y a una doncella, todos gesticulantes y afectados por una pose marcadamente teatral. Por el fondo, y en semipenumbra, hay un grupo de acólitos portando velas.
Su notable carácter teatral y su monumentalidad acusada esconden una obra certera de dibujo y muy próxima a los tenebrismos barrocos por sus tonos lumínicos, de corte visiblemente claroscuristas. Una versión muy diferente a ésta, y más conocida, fue realizada en 1884 por Antonio Muñoz Degrain; actualmente se exhibe en el Casón del Buen Retiro madrileño. Clasificable en el género histórico de la decimonona centuria.

Fue premiado en la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1857 con una medalla de segunda clase, tras lo cual paso a formar parte de la colección del Museo de la Trinidad en Madrid (la sigla T 29, que todavía conserva, correspondía a su número de inventario en dicho museo). Más tarde, por Real Orden de 17 de diciembre de 1884, fue cedido en depósito a la Universidad de Zaragoza. Figura en los catálogos del Museo del Prado con el nº 5583.

Ha participado en las siguientes exposiciones: "Exposición del Patrimonio Artístico de la Universidad de Zaragoza" (Zaragoza, Antigua Facultad de Medicina y Ciencias, 1983) y "Libertad e Independencia. Aragón en la Pintura de Historia" (Zaragoza, Palacio de Sástago, 1989).

Composición abstracta de tipo gestual formada por finos trazos de negros,  manchas en tonos grises y rosas muy difuminados, y una gran mancha negra que recorre la zona central como si tuviera movimiento.

Escultura de bulto redondo. Retrato de cuerpo entero de una figura masculina. Se trata de un niño vestido con túnica corta y con los brazos en alto, los cuales sujetarían en origen una superficie de cristal.

Retrato sedente y de cuerpo entero, realizado en medio relieve, de una figura masculina desnuda y de complexión robusta y musculosa. Se trata de una representación clásica en la que el joven sentado sobre un pedestal, apoya la cabeza de cabello ensortijado sobre un cojín.

Fotografía en blanco y negro de lo que parece ser el interior de una fábrica siderúrgica, posiblemente la fundición Averly de Zaragoza. En primer término a la izquierda, se sitúa un rail con una vagoneta cargada de carbón. En el centro al fondo, el destello de luz del fuego descubre un horno a pleno rendimiento y a su lado un trabajador mira directamente a la cámara.

Retrato tres cuartos de una figura masculina en pie que se corresponde con Vicente Pinilla Monclús, director de la Escuela Universitaria de Estudios Empresariales de Zaragoza. El personaje viste toga negra, muceta y bocamangas azules, corbata oscura y medalla dorada. Apoya el antebrazo derecho en el respaldo de un sillón tapizado rojo y lleva en esa mano un folio enrollado.

Retrato sedente y de medio cuerpo de una figura masculina en posición de tres cuartos que se corresponde con San Alberto Magno. El personaje viste el hábito blanco y negro habitual de la orden dominica, con birrete negro sobre la cabeza. Con la mano izquierda sostiene un libro abierto que apoya sobre el regazo. El fondo lo compone un interior austero, como si fuese un convento, de muros blancos y vigas y puertas de madera oscura.

San Alberto Magno, filósofo y teólogo dominico (Lauingen, Suabia, h. 1200 - Colonia, 1280), hijo del conde de Bollstädt. Estudió en París y en Padua, ciudad en la que tomó los hábitos de la orden, dedicándose más tarde a la enseñanza en diferentes universidades alemanas, especialmente en Colonia, donde tuvo como discípulo a Santo Tomás de Aquino, y en Paris, ciudad en la que se doctoró (1245). Nombrado obispo de Ratisbona (1259 ó 1260), más tarde renunció a esta dignidad y se retiró a un convento hasta su muerte. Fue beatificado en 1622 y canonizado en 1931, ostentando los títulos de doctor de la Iglesia y protector de las Ciencias.
 

Fotografía en blanco y negro en la que aparece un grupo de esperantistas, o personas que hablan esperanto, tal y como se adivina por la bandera que corona la composición. Situada tras el grupo, se advierte la estrella del ángulo superior que la identifica como la bandera del esperanto (de color verde, representativo del idioma). La segunda figura de la derecha podría identificarse con Emilio Gastón, fundador de la asociación esperantista aragonesa Frateco, creada en 1908.

Retrato en posición tres cuartos del catedrático de metafísica y rector de la Universidad de Zaragoza, Antonio Hernández Fajarnés. Es característica de su fisonomía la barba negra recortada en dos extensas puntas. Viste toga y muceta negras, con banda sobre los hombros, tres condecoraciones y los lentes colgados de un cordón. El fondo es verde grisáceo.

La consola forma parte de un conjunto compuesto por otra mesita baja, ocho sillas y dos sillones. Concebida para adosar al muro, su forma continúa las líneas marcadas por el rococó. Policromada en verde, va decorada a base de filetes y temas vegetales sobredorados con algunas aplicaciones de rocalla, también en madera sobredorada.

Composición dominada por el perfil de una figura de color rojo y tinta plana, dispuesta en posición horizontal y con perfil ondulante, como si se deslizara por un medio acuoso.

En esta divertida estampa Goya hace alusión a la capacidad de algunas personas para embaucar fácilmente a otras con su pico de oro. Para hacer explícita esta idea, el artista ha situado en el púlpito de orador no a un ser humano sino a un loro parlanchín que levanta la pata para enfatizar determinadas cuestiones. Los rostros del público reunido no pueden ser más elocuentes, puesto que parecen escuchar la sarta de tonterías con auténtica veneración, sólo por cómo las dice. Los comentarios de la época señalan que bien podría tratarse del discurso embaucador de un médico que es capaz de desarrollar todo su ingenio de palabra, pero a la hora de la verdad no es capaz de sanar a nadie. Otros comentarios son más generalistas, diciendo: "oradores plagiarios con auditorio de necios". 

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Grabado vertical compuesto por retrato rectangular enmarcado y  filacteria barroca en la parte inferior, conteniendo un breve epítome biográfico del personaje representado. En esta ocasión se trata del naturalista, militar y escritor Antonio de Ulloa, retratado de pie, medio cuerpo, en posición de tres cuartos hacia la derecha y mirando fijamente al espectador. A su lado hay una mesa con un globo terráqueo donde posa su mano izquierda, mientras la derecha parece que tiende a señalar algún punto en dicho mapa terráqueo. A su espalda asoma otra mesa, cubierta en este caso por mapas (se lee "mar del norte") y libros cerrados apilados (se lee "Ulloa" en el lomo de uno de ellos). Viste conjunto de casaca (chaqueta), chupa (chaleco) y calzón (pantalones) que empezó a llevarse en la España de finales del siglo XVII por influencia francesa y se impuso totalmente con la llegada de la nueva dinastía de los Borbones tras la Guerra de Sucesión. La casaca está ricamente decorada con bordados en las bocamangas y los delanteros, donde también lleva prendida una condecoración ovalada con la cruz de la Orden de San Juan. El mismo bordado decora la chupa, abotonada por delante. La camisa asoma por las mangas vueltas de la casaca, dejando ver sus puntillas, así como en el cuello, decorado con la chorrera o guirindola de encaje y la corbata. Como era costumbre, luce peluca blanca rizada recogida en coleta por un lazo que asoma parcialmente. El fondo de la escena es una pintura enmarcada con escena naval.

Esta obra forma parte de una serie titulada Retratos de los españoles ilustres proyectada en 1788 por la Secretaría de Estado. Fue realizada en la Real Calcografía (hoy Calcografía Nacional), una institución creada en este momento para acometer importantes proyectos de grabado surgidos en el marco de la política ilustrada. La serie se publicó periódicamente desde el año 1791 hasta 1819 llegando a estampar/emitir un total de 114 retratos, cada uno con su correspondiente epítome biográfico. El objetivo de esta edición era doble: difundir la vida de los grandes hombres de nuestra historia con la clara intención política de reflejarse/posicionarse como gran potencia, así como impulsar el desarrollo de las artes gráficas y perfeccionar la técnica de los grabadores del momento.

Retrato de una figura masculina de pie apoyada en un escritorio y que corresponde con el decano Miguel Ángel Ruiz Carnicer. Viste una toga negra con cuello y pajarita blancos, puñetas de encaje y muceta azul sobre la que destaca el collar con la insignia rectoral. El fondo escenográfico es de color neutro. Las manos de la figura descansan, la derecha sobre un birrete azul y la izquierda sobre un libro abierto, ambos objetos dispuestos en el escritorio junto a otras publicaciones y un folio con la siguiente inscripción: “Decano de la Facultad de Filosofía y Letras. Junio de 2004 a mayo de 2008”.

Fotografía en blanco y negro del patio interior del edificio Paraninfo. Los elementos en construcción se encuentran sustentados por estructuras de madera, a la izquierda se observa el exterior de la caja de escaleras imperial, mientras que a la derecha se sitúa una de las exedras correspondientes a la Facultad de Medicina, todavía en construcción.

Esta fotografía pertenece al conjunto de 87 clichés de temática heterogénea que conforman la colección Carlos Marquina Arrieta. 53 de estas imágenes suponen un testimonio visual de primer orden sobre la historia arquitectónica y urbanística de la ciudad de Zaragoza.

Este “reportaje arquitectónico” debe su autoría a los hermanos Hilarión y Enrique Villuendas Torres, quienes estuvieron estrechamente ligados a la Universidad de Zaragoza por formación y desempeño profesional. Aunque no fueron reconocidos como fotógrafos profesionales, mostraron gran interés por documentar la llegada del progreso y la modernidad a la ciudad a finales del siglo XIX, algo que queda reafirmado con el proyecto de creación del Gabinete Fotográfico de Medicina y Ciencias.

Por ello, la construcción del nuevo edificio proyectado por Ricardo Magdalena para las Facultades de Medicina y Ciencias no pasó desapercibida para estos hermanos que, a través de su cámara, documentaron este hito arquitectónico. Tanto es así que, con motivo de la inauguración del edificio en 1893 y en dedicatoria a la infanta Isabel de Borbón, se publicó un álbum fotográfico que contaba con 24 imágenes tomadas por el objetivo de los Villuendas. Los positivos, acompañados por una reproducción fotográfica del plano del edificio Paraninfo, nos permiten visualizar la evolución constructiva del inmueble y de los pabellones anejos poco antes de su apertura, el 18 de octubre de 1893.

Con motivo del aniversario del edificio Paraninfo, se procedió a la investigación, restauración y digitalización del reportaje fotográfico completo, del cual se seleccionaron 33 imágenes para la exposición El Paraninfo de Zaragoza, 125 años. Las fotografías de los hermanos Villuendas Torres. Esta muestra tuvo lugar entre el 18 de octubre de 2018, coincidiendo con la fecha de la inauguración del edificio en 1893, y el 2 de febrero de 2019.

Fotografía en blanco y negro. Formato horizontal. El toro, con varios estoques clavados, ha saltado la valla y se ha colado en el callejón, de donde intentan sacarlo los toreros dirigiéndole con sus capotes.Gandú hace la foto desde el mismo callejón y la angulación es neutra con respecto al animal. El empaque vertical que dan a la composición las vallas y el graderío contrasta con el formato horizontal de la fotografía.

En el centro de la estampa aparece un retrato de D.Antonio Rafael Mengs, pintor y tratadista alemán, e hijo de Ismael Mengs pintor de la corte sajona. Pasó su vida entre Roma y Dresde, en la primera tuvo la oportunidad de estudiar la antigüedad clásica, así como las obras de Miguel Ángel o Rafael entre otros. Esto va a repercutir en sus obras, pues es fiel defensor de “la belleza ideal”. Desde 1761 y hasta su muerte estuvo en España al servicio de Carlos III. Fue seguido por numerosos artistas contemporáneos a él. El personaje aparece retratado en actitud de tres cuartos, con cabellos sueltos y descolocados,ataviado con una destacada chaqueta y un pañuelo que le conceden majestuosidad. Su rostro se muestra serio mirando al espectador. La figura del personaje aparece destacada sobre un fondo negro y enmarcada por un marco simétrico con motivos ornamentales. A los pies de la figura aparecen los utensilios de pintura que caracterizan la profesión del pintor: paleta, pinceles,tiento, libros...

El autor Manuel Salvador Carmona es un grabador y pintor español formado en la Academia de San Fernando. Es uno de los primeros becados para estudiar en París, será allí donde se formará con Nicolas Gabriel Dupuis en buril. Ya en 1759 presentó varios grabados a la Real Academia de Pintura y Escultura de París llegando a ser admitido por unanimidad, y consiguiendo el puesto de grabador del rey. El periodo de la Guerra de Independencia lo pasa en Madrid sirviendo a Fernando VII y trabajando para él.  Es uno de los ejemplos más representativos del grabado ilustrado. En sus obras destacamos la serie de retratos, entre los que se encuentran ilustres y parnaso español.

Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

En este cartel, Ferrer hace uso de objetos cotidianos para la composición, en este caso, un cinturón que coloca de tal forma que se asemeja a un globo o bocadillo de novela gráfica.

Ilustración de Luis Grañena temáticamente adscrita al ámbito del cine internacional, concebida para el periódico Contexto, en la que se representa de manera caricaturizada al cantante y actor Frank Sinatra y a la actriz Ava Gardner, los cuales fueron marido y mujer en los años 50, sus años dorados en el mundo cinematográfico.

Esta ilustración formó parte de la muestra “Nunca olvido una cara…pero con la suya haría una excepción”, organizada por el Vicerrectorado de Cultura y Proyección Social, en la que se expusieron 74 ilustraciones, producidas con motivo de la muestra, y que engloban la presente colección –representativa de la rica y amplia trayectoria del caricaturista Luis Grañena–, y varios ejemplares de revistas y periódicos con los que ha colaborado a lo largo de su carrera. La exposición se dividió en varios ámbitos temáticos, en los que se dieron cita destacados personajes del siglo XX y XXI, referentes de la política nacional e internacional, el cine, el deporte, la música o la literatura.

Licenciado en Historia del Arte, Luis Grañena se inició en infografía en el Heraldo de Aragón. Pronto dio el salto al dibujo y fue trabajando un estilo personal y característico con el que dar vida a personajes a través de sus ilustraciones. A las espaldas de Grañena se pueden contar más de 3000 caricaturas, muchas de ellas han ilustrado las páginas de periódicos locales como Heraldo de Aragón –durante casi una década–, y ha colaborado también de manera habitual en prestigiosas editoriales del ámbito nacional e internacional, como The New Yorker (USA), The Independent (UK), Liberation (Francia), La Tercera (Chile), Sábado (Portugal), El País, Vanity Fair o La Vanguardia (España).

Ante el paisaje del fondo, aparece en primer término una carroza tirada por caballos blancos, y conducida por palafraneros vestidos de azul, que se ayudan del látigo para controlar a los animales. En el interior del carruaje, San Bernardo conversa animadamente con otro monje cisterciense, mientras en el exterior una rueda del vehículo arrastra la figura del diablo. En la parte superior hay cabezas de ángeles entre nubes.

Escribanía compuesta por cinco artículos como son: tres tinteros, una salvadera y un timbre o campana en la zona central; cuya decoración floral recorre los extremos en forma de sutil soga. Todas las piezas descansan sobre una bandeja con apoyos en forma de bolita, su perímetro se encuentra recorrido por una cenefa con decoración floral y animal. 

Retrato sedente en posición tres cuartos de una figura masculina que se corresponde con el decano, Mariano Gil y Alcayde. El personaje viste toga, pajarita y bierrete negro, bocamangas de encaje de color blanco. Sobre el pecho lleva un banda azul y blanca y penden dos medallas doradas y varias condecoraciones. El retratado aparece sentado en un sillón, mientras apoya su brazo derecho sobre una mesita de faldones rojos, en la que se disponen algunos libros y una escribanía. El fondo es neutro.