Patrimonio Cultural
Universidad de Zaragoza

Soldados de las tropas del ejército del Este superan una alambrada de espino.

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En concordancia con la tónica habitual de la serie de los Disparates, nos encontramos ante una estampa de hermético significado, que carece de interpretaciones de la época puesto que la serie se difundió con posterioridad al momento en que Goya grabó las estampas, y además no dejó inscripción ni orientación alguna sobre su interpretación, puesto que no fue una serie realizada para su venta, sino por puro deleite y necesidad de expresión del artista, en la que subyace ya el germen de la obra de arte moderna.

Las interpretaciones oscilan mucho en lo referente a esta estampa. En cualquier caso, la imagen nos presenta una serie de figuras que danzan con apariencia y tono jocoso-carnavalesco en el término central.

Tal vez una de las pocas estampas en que la atmósfera no es nocturna, y sin embargo no pierde el halo de misterio que la envuelve. Las dos figuras enfrentadas en el centro de la composición, según interpretaciones como la de Glendinning podrían aludir al enfrentamiento del estamento religioso con el militar por motivo del carnaval. O bien podría implicar nuevamente una crítica hacia el engaño social, la hipocresía, ya atacada en obras anteriores como la serie de los Caprichos.

Los personajes enmascarados ocultan sus verdaderos rostros, sus actitudes son ambiguas, no se sabe si discuten o bailan, desordenadamente distribuidos, generan una atmósfera en la que reina la confusión, y la figura encapuchada que al fondo se perfila sea tal vez lo que imprime en la estampa, una vez más, el sello del misterio.

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Esta figura masculina se corresponde con Enrique Pestalozzi, un conocido y prestigioso pedagogo, educador, reformador suizo y propulsor del romanticismo en su tiempo. Pestalozzi creía que la solución a los desacuerdos y la pobreza que sufría la sociedad del momento se debía buscar en una buena educación proporcionada a los niños desde bien pequeños. Defendía que en las clases no se debían transmitir conocimientos ya construidos, sino que se les debía dar a los niños la oportunidad de aprender y desarrollar la capacidad intelectual por sí mismos. Su lema fue "El aprendizaje por la cabeza, la mano y el corazón". Gracias a Pestalozzi, hacia 1830, el analfabetismo suizo del siglo XVIII fue superado casi por completo.

En este caso se representa como un retrato que abarca poco más que el cuello. De reducidas dimensiones. Deja ver la chaqueta, el cuello de la camisa. Una actitud seria, mirando hacia el espectador, con el cabello bien peinado. Resalta la figura sobre un fondo oscuro. Toda esta imagen enmarcada en un óvalo, con una inscripción bajo este que identifica al personaje. 

Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

“Agotado el recurso de la silueta, en un intento de mantener la coherencia semántica, busco la colaboración de Sean Mackaoui para dar continuidad al discurso gráfico del CDN a través del uso del collage fotográfico”. Cuenta Ferrer en el catálogo de la exposición acerca de este y otros carteles para el Centro Dramático Nacional.

Ilustración de Luis Grañena temáticamente adscrita al ámbito de la literatura española, concebida para la revista estadounidense The New Yorker, en la que se representa de manera caricaturizada a Enrique Vila-Matas, escritor español de más de 30 obras entre las que destacan novelas, ensayos y otros géneros.

Esta ilustración formó parte de la muestra “Nunca olvido una cara…pero con la suya haría una excepción”, organizada por el Vicerrectorado de Cultura y Proyección Social, en la que se expusieron 74 ilustraciones, producidas con motivo de la muestra, y que engloban la presente colección –representativa de la rica y amplia trayectoria del caricaturista Luis Grañena–, y varios ejemplares de revistas y periódicos con los que ha colaborado a lo largo de su carrera. La exposición se dividió en varios ámbitos temáticos, en los que se dieron cita destacados personajes del siglo XX y XXI, referentes de la política nacional e internacional, el cine, el deporte, la música o la literatura.

Licenciado en Historia del Arte, Luis Grañena se inició en infografía en el Heraldo de Aragón. Pronto dio el salto al dibujo y fue trabajando un estilo personal y característico con el que dar vida a personajes a través de sus ilustraciones. A las espaldas de Grañena se pueden contar más de 3000 caricaturas, muchas de ellas han ilustrado las páginas de periódicos locales como Heraldo de Aragón –durante casi una década–, y ha colaborado también de manera habitual en prestigiosas editoriales del ámbito nacional e internacional, como The New Yorker (USA), The Independent (UK), Liberation (Francia), La Tercera (Chile), Sábado (Portugal), El País, Vanity Fair o La Vanguardia (España).

Figura de cuerpo entero, colocada de pie y en posición de tres cuartos, que viste el alba y la casulla de los sacerdotes, esta última decorada con bordados de la época consistentes en temas vegetales. Lleva un libro en su mano izquierda, apoyado sobre una mesa, en la que también hay un crucifijo, y dirige la mirada hacia el ángulo superior derecho, donde se adivina un resplandor que probablemente contenía el anagrama de la Compañía de Jesús. 

Lámpara de prisma de cristal de roca.

Retrato tres cuartos de una figura masculina que se corresponde con el catedrático de derecho político y decano de la Facultad de Derecho, Manuel Ramírez Jiménez. El personaje viste toga negra con puñetas de encaje rosadas y muceta roja sobre la que destaca una medalla dorada. Con las manos sostiene un libro entreabierto.

Alto-medio relieve de gran tamaño, copia en escayola de la parte frontal de un sarcófago de época paleocristiana en el que aparecen representados numerosos personajes masculinos y femeninos togados al estilo romano.

Fotografía en blanco y negro, formato horizontal. Exterior. Tres figuras campesinas emergen entre los altos tallos del maíz a cuya recolección encomiendan sus labores. La foto formó parte del reportaje "Los Riegos de Sobrarbe-Somontano-Monegros", publicado en la Crónica Agrícola, el 28 de noviembre de 1912, p.1.

Grabado muy similar al anterior de la misma serie, número 42 Todo va revuelto. Aquí continua con esa temática clerical, reflejandonos en primer plano una pareja de cleros que parece que huyen, en la cual uno agarra a otro manifestando un gesto agresivo. Tiene una mayor importancia el paisaje que en otras impresiones de la serie, se muestra un determinado espacio en el que el autor se esfuerza en reflejar elementos de la naturaleza como son el árbol y la montaña, es decir, nos lo intenta localizar geográficamente. El grabado no presenta tanta oscuridad como otras obras. El autor ha cargado menos las tintas que en otras ocasiones dando con ello mayor luminosidad a la escena y haciendo con ello que centremos la mayor parte de nuestra atención en las figuras.

Más información sobre esta edición aquí.

Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

“Gatos, muchos gatos, siempre gatos. Y algún ratón” dice Ferrer en el catálogo de la exposición. La técnica de recortes de papel es recurrente en la producción del diseñador, con ella hace numerosos animales que protagonizan sus carteles, como vemos aquí, donde el gato de papel sobre fondo rojo se convierte en la figura clave.

Estampa monócroma, en blanco y negro, protagonizada por dos figuras, una situada de frente y otra sentada de perfil, además de un gato, en lo que parece un interior doméstico. Al fondo se distingue una especie de ventana o cuadro junto a una pequeña mesa. Es una composición simplificada que se centra en la representación de las figuras.

Fotografía en blanco y negro de formato vertical que retrata a un miliciano de la unidad del Partido Obrero de Unificación Marxista tocando la trompeta en plano contrapicado y en composición de medio cuerpo, con impactante y artístico resultado. El soldado, ataviado con una cazadora y gorra, sostiene la trompeta en su mano derecha. Esta imagen fue publicada en la revista Crónica en 1936, y en el periódico Última Hora de Barcelona.

Fotografía en blanco y negro que muestra el velatorio de Joaquín Costa, en el que aparece el féretro custodiado por la policía municipal de uniforme, mientras numerosos hombres circulan en torno al ataúd de Costa, en señal de despedida.

Tras la muerte de Joaquín Costa en Graus (Huesca) el 8 de febrero de 1911, se organizó el traslado de sus restos con destino al Panteón de Hombres Ilustres de Madrid. Sin embargo, el pueblo zaragozano impidió dicho traslado, deteniendo la comitiva fúnebre en la Estación del Norte y traslando sus restos al Ayuntamiento de Zaragoza, donde quedo instalada la capilla ardiente, por la que pasaron cerca de treinta mil personas.

Mediorrelieve de un busto en posición tres cuartos de una figura masculina que viste toga, muceta, corbata anudada y la insignia rectoral. El retrato pertenece a Andrés Giménez Soler (1869-1938) fue un historiador y arabista español, archivero de la Corona de Aragón y miembro de la Real Academia de la Historia.

Paisaje con un río y colinas al fondo.

Aquí vemos un monstruo volador con las alas desplegadas cabalgando sobre una horrible montura, que sopla sobre unas figuras en la parte baja de la composición entre las que destaca un monje en primer término, destacado por la iluminación, que se lleva las manos a las orejas para tapárselas. A su izquierda, más en penumbra, se aprecian dos culos emitiendo ventosidades hacia el centro de la escena. Detrás del monje hay otra figura más ensombrecida, un viejo que también se tapa los oídos, y más al extremo aparecen las cabezas de dos animales salvajes con sus fauces abiertas, otorgando agresividad a la imagen. La interpretación no queda muy clara, algunos comentarios de la época aluden a la confesión oral, "...que llena los oídos de los frailes de suciedades..." y otros a la práctica de la pederastia, en relación al Capricho 69.

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Grabado vertical compuesto por retrato rectangular enmarcado y  filacteria barroca en la parte inferior, conteniendo un breve epítome biográfico del personaje representado. En esta ocasión se trata del erudito y bibliógrafo Nicolás Antonio, de pie aunque retratado de medio cuerpo en posición de tres cuartos hacia la izquierda, con la mirada fija en el espectador. Su mano derecha descansa en un libro cerrado y vertical sobre una mesa con mantel de rayas horizontales donde también vemos un tintero con pluma. Viste el hábito de caballero de la Orden de Santiago, que recibió en 1645 de manos de Felipe IV, y sobre él una amplia capa decorada con la cruz de la Orden, cuyos pliegues recoge con su mano izquierda. Al cuello lleva un cordón con medallón ovalado decorado también con la cruz de Santiago. Luce melena corta ondulada y perilla. En fondo de la composición es neutro.

Esta obra forma parte de una serie titulada Retratos de los españoles ilustres proyectada en 1788 por la Secretaría de Estado. Fue realizada en la Real Calcografía (hoy Calcografía Nacional), una institución creada en este momento para acometer importantes proyectos de grabado surgidos en el marco de la política ilustrada. La serie se publicó periódicamente desde el año 1791 hasta 1819 llegando a estampar/emitir un total de 114 retratos, cada uno con su correspondiente epítome biográfico. El objetivo de esta edición era doble: difundir la vida de los grandes hombres de nuestra historia con la clara intención política de reflejarse/posicionarse como gran potencia, así como impulsar el desarrollo de las artes gráficas y perfeccionar la técnica de los grabadores del momento.

Cuadro que contiene el diploma de Título de Socio honorario de la Academia Jurídico-Literaria Aragonesa a favor del Dr. Gregorio García Arista, en Zaragoza el 2 de abril de 1904.

Fotografía en blanco y negro tomada desde el puente de Santa Engracia sobre el río Huerva que muestra una vista general del edificio Paraninfo, con una estructura de andamios todavía presente en el conjunto de su fachada.

Esta fotografía pertenece al conjunto de 87 clichés de temática heterogénea que conforman la colección Carlos Marquina Arrieta. 53 de estas imágenes suponen un testimonio visual de primer orden sobre la historia arquitectónica y urbanística de la ciudad de Zaragoza.

Este “reportaje arquitectónico” debe su autoría a los hermanos Hilarión y Enrique Villuendas Torres, quienes estuvieron estrechamente ligados a la Universidad de Zaragoza por formación y desempeño profesional. Aunque no fueron reconocidos como fotógrafos profesionales, mostraron gran interés por documentar la llegada del progreso y la modernidad a la ciudad a finales del siglo XIX, algo que queda reafirmado con el proyecto de creación del Gabinete Fotográfico de Medicina y Ciencias.

Por ello, la construcción del nuevo edificio proyectado por Ricardo Magdalena para las Facultades de Medicina y Ciencias no pasó desapercibida para estos hermanos que, a través de su cámara, documentaron este hito arquitectónico. Tanto es así que, con motivo de la inauguración del edificio en 1893 y en dedicatoria a la infanta Isabel de Borbón, se publicó un álbum fotográfico que contaba con 24 imágenes tomadas por el objetivo de los Villuendas. Los positivos, acompañados por una reproducción fotográfica del plano del edificio Paraninfo, nos permiten visualizar la evolución constructiva del inmueble y de los pabellones anejos poco antes de su apertura, el 18 de octubre de 1893.

Con motivo del aniversario del edificio Paraninfo, se procedió a la investigación, restauración y digitalización del reportaje fotográfico completo, del cual se seleccionaron 33 imágenes para la exposición El Paraninfo de Zaragoza, 125 años. Las fotografías de los hermanos Villuendas Torres. Esta muestra tuvo lugar entre el 18 de octubre de 2018, coincidiendo con la fecha de la inauguración del edificio en 1893, y el 2 de febrero de 2019.

Otras fotografías de la Catedral del Salvador (La Seo) en esta colección: A-942, A-943, A-944.

Santiago Ramón y Cajal (Petilla de Aragón, 1852-Madrid, 1934) fue un importante médico y neurocientífico español. Ganó el premio Nobel de Fisiología o Medicina en 1906 por sus contribuciones al conocimiento de los tejidos nerviosos, concretamente la constatación de la independencia de las células neuronales y los procesos que permiten la comunicación entre ellas. Estudió la carrera de Medicina en la Universidad de Zaragoza, y ocupó las cátedras de Histología en la Universidad de Barcelona, y de Histología e Histoquímica Normal y Anatomía Patológica en la Universidad Central de Madrid. Fue el primer director de la Junta de Ampliación de Estudios (JAE), predecesora del Consejo Superior de Investigaciones Científicas.

Escena formada por dos personajes una figura masculina y una femenina con la basílica del Pilar de fondo, en el ángulo superior izquierdo.

Martín Durbán lo reprodujo en el retrato que pintó de su amigo Sanz Lafita en 1926.

San Juan de La Cruz (Juan de Yepes y Alvarez) fue uno de los místicos y poetas más sobresalientes del Primer Siglo de Oro español. Nacido en Fontíveros (Ávila) en 1542, de humilde cuna, ingresó en la orden del Carmen en Medina del Campo, estudiando luego en Salamanca. Años después, colaboró con Santa Teresa en la reforma de la orden del Carmelo, participando en la lucha entablada entre calzados y descalzos, como consecuencia fue procesado y encarcelado en Toledo. Fugado de la cárcel de la Inquisición, murió tiempo después en Úbeda (Jaén), en el año 1591.

Su figura, conforme a la iconografía habitual, describe a un hombre de mediana edad, enjuto y con amplia tonsura monacal, vestido con el hábito pardo de la orden y extensa capa blanca que cubre parcialmente su cuerpo. Se encuentra arrodillado sobre una alfombra de vistosas referencias orientales y ante una mesa de altar, muy probablemente en la escena en que se le aparece el Crucificado (el lienzo parece recortado en su parte izquierda). Como fondo, una balaustrada en perspectiva caballera. En esta obra destacan los recursos estilísticos del barroco naturalista, con referencias precisas a la iluminación claroscurista tan propia de la época, aunque están resueltos con evidente desigualdad.

Retrato de una figura masculina barbada, en posición tres cuartos, que se corresponde con el catedrático de histología y patología general de la Universidad de Zaragoza, Féliz Cerrada Martín. El personaje viste  toga negra sobre la  que destaca una medalla dorada. Las bocamangas son de seda amarilla y puntilla blanca. El retratado apoya la mano izquierda sobre una mesa, junto a unos libros, mientras con la mano derecha sujeta unos documentos enrollados. El fondo es neutro en tonos grises.

Félix Cerrada Martín (Hernani, Guipúzcoa, 1857-Zaragoza, 1928) se formó en la Universidad de Zaragoza, donde fue catedrático de Histología y más tarde de Patología General. Fue secretario y decano de la Facultad de Medicina (1926), vicerrector, presidente del Colegio de Médicos, alcalde de Zaragoza y senador. Retrato de tres cuartos y dos tercios. Viste toga negra. Su mano izquierda descansa en una mesa, donde se encuentran apilados varios libros, mientras que en la derecha lleva un papel enrollado. El fondo es neutro.

Fotografía en blanco y negro, de formato vertical, de la Srta. Palma, actriz de la obra de teatro Petit Café. La comedia en tres actos de Tristan Bernard, adaptada por José Juan cadenas, se representó en el Teatro Principal de Zaragoza del martes 29 de octubre al domingo 3 de noviembre de 1912. Foto publicada en La Crónica, 1 de noviembre de 19152, p. 1.

Copia original de época en blanco y negro. Formato horizontal. Vista del Patio de la casa del Conde de Argello, según reza en el ángulo inferior izquierdo. Se aprecian dos galerías del patio. La primera con cinco vanos. El situado a la derecha aparece cortado en la imagen en su práctica totalidad. Dos de ellos están cegados. Los dos que quedan permitirían su apertura por medio de hojas de madera. La segunda galería tiene tres vanos, dos cegados (uno cortado en su práctica totalidad en la fotografía) y un tercero, central, totalmente abierto sin hojas de madera. Por encima se dispone un alero de madera dividido por pequeñas cariátides en varias secciones con motivos simbólicos en relieve. En la parte superior izquierda de la imagen, por encima del frontal de las tejas del edificio, se aprecia el volumen de otro edificio con un tejado a dos vertientes.

Aparece un cartel de la Universidad de Zaragoza, con el escudo de la misma institución acompañado en la parte superior por caligrafía en la que se distingue: UNIVERSIDAD DE ZARAGOZA

Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

“Detenerse ante el asombro que se despliega en el gesto de la rosa o en la maravillada tertulia que entablan los colores y los pájaros sobre la franja insegura del atardecer, equivale a asombrarse del asombro. Aparece entonces una nueva inocencia, más esencial que la primera. Sólo en ella germina el asombro definitivo: el reconocimiento a través de las máscaras” dice Roberto Juarroz en La salvación por el asombro, y cita Isidro Ferrer en el catálogo de la exposición en relación con este cartel, en el que vemos un hueso con unas clavijas de afinación a los lados.

Esta estampa pertenece a la serie Gran Mujer, compuesta por cinco estampas y datadas en 1995. Esta serie es un trabajo realizado en los primeros años de Katia como grabadora.

Katia Acín tras su jubilación como profesora de Historia, decidió comenzar su carrera artística y marchó a Barcelona para formarse, allí estudió la licenciatura en Bellas Artes con la especialidad de Pintura, pero finalmente se decantó por el grabado como medio de expresión. En sus grabados muestra sus sentimientos dolorosos marcados por la guerra y el fusilamiento de sus padres.

En la serie Gran Mujer usa la técnica directa, como es el grabado sobre linóleo, donde destaca la línea blanca realizada con la gubia sobre el fondo negro. Las estampas de esta serie muestran el cuerpo desnudo de una mujer, su torso en diferentes poses desde el cuello hasta el comienzo de las piernas. Es la imagen de la propia artista que posaba desnuda frente a un espejo para trazar su cuerpo, pero no hay rostro, no hay individualidad. Con estas imágenes rompe los tabúes de la desnudez femenina y también de la edad y el género. Estos retratos muestran la fuerza, la seguridad y la belleza de la mujer.

Gran mujer I muestra a una mujer desnuda girada en tres cuartos hacia la derecha y con el brazo izquierdo levantado se tapa el rostro. Se puede ver la belleza natural de las formas y volúmenes del cuerpo humano femenino a través del paso del tiempo.

Gran mujer III

Gran mujer V

Retrato masculino de cuerpo entero que representa a Cristo en la cruz con tres clavos. La cruz apoya sobre una peana rectangular.

Composición abstracta, de carácter geométrico formada por bandas cromáticas en diagonal en tonalidades rojas, amarillas y verdes que contrastan sobre el verde del fondo. 

Se le representa al trote dentro de un espacio cercado por arbustos, con un portón adintelado, cerrado por una rústica baranda a la derecha. Capa alazán tostado, con lucero central, de forma romboide, en la línea de los ojos. Ejemplar de cabeza proporcionada y de perfil recto o subconvexo, con ojos redondeados y relativamente grandes y saltones, orejas de tamaño medio y bien insertadas y hocico un tanto acuminado. Cuello ligeramente arqueado, bien unido al tronco. Cruz moderadamente destacada. Tronco largo y fino. Grupa ligeramente redondeada y con nacimiento de la cola moderadamente alto. Extremidades largas y finas, con cascos moderadamente largos, en actitud de trote. Crines medianamente pobladas y largas.

Retrato tres cuartos en posición frontal, de una figura masculina que se corresponde con el catedrático de derecho administrativo y decano de la Facultad de Derecho, José María Gimeno Feliú. El personaje viste toga negra con puñetas de encaje blanco y rojas, muceta roja sobre la que destaca una medalla dorada y pajarita blanca. Muestra semblante sereno, y las manos entrelazadas por delante en actitud de pose formal.

Paradójicamente encriptado en la línea del resto de los Disparates, pese al título que le acompaña. Las diferencias entre la estampa final y el preparatorio se vuelven sustanciales, y el resultado genera una masa de volúmenes enmarañados, perfiles de personas que se dibujan en la penumbra sobre un fondo claro, tendiendo lo que parece una gran tela sobre sus cabezas, que impide el paso a la luz del sol –y tal vez, simbólicamente, a las luces de la razón ilustrada-. Como bajo palio, dos figuras religiosas centran la composición. Ataviadas con antiguas vestiduras eclesiásticas, una de ellas reposa sentada observando con atención, mientras la agitada figura del otro eclesiástico que es colocado a su lado, señala con agitación hacia una tercera figura que se distingue de la masa.

En primer término, ésta tercera figura, miembro del estamento militar, cae. Se precipita al vacío de cabeza. Esta figura es quizás la que complica la interpretación, que sería más coherente sin ella puesto que podría haber simbolizado la amenaza de la iglesia ante el vacío al final de los tiempos. Sin embargo, con la aparición de esta figura extraer cualquier significado más allá del previamente descrito se complica someramente.

Por último cabe destacar también el palpable aspecto teatral que se imprime a la atmósfera a través de la composición, en la que incluso encontramos ese cubrimiento de los focos de luz por medio de telas que sumen la escena en una fingida, o tal vez simbólica, oscuridad, que nos brinda una vez más el halo de misterio que tanto caracteriza a estas estampas, poniéndolas en relación directa con la tan específica atmósfera inquietante de las Pintura Negras.

Más información sobre esta edición aquí.

El personaje aparece representado en actitud de tres cuartos, mirando hacia el espectador con gesto humilde y algo disuadido. Porta la sotana de la compañía a la que pertenecía, junto con el gorro eclesiástico en la cabeza. Destaca su figura sobre un fondo oscuro neutral. Toda esta imagen queda enmarcada por un óvalo con motivos vegetales y algunas que otras imitaciones a rocallas. Bajo el personaje, un pedestal recoge una inscripción en latín identificando al personaje: “Vera Effigies LUDOVICIA ANTONII MURATORII Bibliothecarii Estensis.”

Ludovico fue considerado el padre de la historiografía italiana, siendo una de las primeras figuras del intelecto de 1970.  Desde pequeño demostró interés por ampliar sus conocimientos. Ingresó a los 49 años en la Compañía de Jesús, y allí estudió gramática, letras, filosofía y derecho. Como vocación, se apasionó por el estudio de la literatura, la historia y las artes, centrándose en el mundo clásico y grecorromano.

Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

“Agotado el recurso de la silueta, en un intento de mantener la coherencia semántica, busco la colaboración de Sean Mackaoui para dar continuidad al discurso gráfico del CDN a través del uso del collage fotográfico”. Cuenta Ferrer en el catálogo de la exposición acerca de este y otros carteles para el Centro Dramático Nacional.

Ilustración de Luis Grañena temáticamente adscrita al ámbito de la literatura británica, en la que se representa de manera caricaturizada a Howard Jacobson, novelista y ensayista de ascendencia judía que ha escrito sobre la cultura e identidad de esta colectividad.

Esta ilustración formó parte de la muestra “Nunca olvido una cara…pero con la suya haría una excepción”, organizada por el Vicerrectorado de Cultura y Proyección Social, en la que se expusieron 74 ilustraciones, producidas con motivo de la muestra, y que engloban la presente colección –representativa de la rica y amplia trayectoria del caricaturista Luis Grañena–, y varios ejemplares de revistas y periódicos con los que ha colaborado a lo largo de su carrera. La exposición se dividió en varios ámbitos temáticos, en los que se dieron cita destacados personajes del siglo XX y XXI, referentes de la política nacional e internacional, el cine, el deporte, la música o la literatura.

Licenciado en Historia del Arte, Luis Grañena se inició en infografía en el Heraldo de Aragón. Pronto dio el salto al dibujo y fue trabajando un estilo personal y característico con el que dar vida a personajes a través de sus ilustraciones. A las espaldas de Grañena se pueden contar más de 3000 caricaturas, muchas de ellas han ilustrado las páginas de periódicos locales como Heraldo de Aragón –durante casi una década–, y ha colaborado también de manera habitual en prestigiosas editoriales del ámbito nacional e internacional, como The New Yorker (USA), The Independent (UK), Liberation (Francia), La Tercera (Chile), Sábado (Portugal), El País, Vanity Fair o La Vanguardia (España).

En este obra se representan las figuras de los dos santos jesuitas, San Luis Gonzaga y San Estanislao de Kostka,  a izquierda y derecha respectivamente, ambos con sus atributos característicos y postrados ante la Virgen, que surge de la parte superior mostrando al Niño entre sus brazos.

Lámpara de prisma de cristal de roca.

Mueble tallado en madera de pino melis, que se corresponde con un aparador. El copete o parte superior está tallado con la figura de un mascarón y, debajo de él, en un marco tallado con guirnaldas, lleva adherido un recibo. 

Medio relieve de estilo renacentista que retrata a un conjunto de figuras femeninas de cuerpo entero, ricamente ataviadas con largos vestidos y el cabello recogido. El grupo de jóvenes mujeres aparecen representadas en actitud festiva, cantando y tocando instrumentos de cuerda. A los pies, dos ángeles niños señalan con el dedo índice la escena que está presenciando el espectador.

Fotografía en blanco y negro, formato horizontal. Exterior. Tres figuras campesinas sentadas en el campo limpian la remolacha que han recogido de la tierra. Un niño contempla las labores del grupo más cercano a la cámara, mientras, otros grupos, casi dispuestos en una perspectiva en fuga, quedan desenfocados conduciéndonos hacia un gran bosque que se recorta bajo el cielo a lo lejos. La foto formó parte del reportaje "Faenas Agrícolas", publicado en La Crónica Agrícola, el 14 de noviembre de 1912, p.1.

Goya sitúa la escena en un exterior, un paisaje situado ambientado a las afueras de una ciudad que coloca encima de una colina en el fondo del grabado. A tráves de los individuos que se encuentran reflejados en el grabado el autor dispone tres grupos compositivos, el primero, a la derecha, consta de una mujer que carga a un niño y agarra a otro de la mano, el segundo, a la izquierda, presenta a dos hombres uno de ellos esta impresionado con lo que sucede y por último, y al fondo, el artista coloca una muchedumbre que parece enfurecida. Puede ser que esta obra sea reflejo de una práctica que se realizaba en conflictos bélicos, la cual trata de abandonar los pueblos para así evadir ataques. Este grabado va en la línea de los anteriores de la serie: el número 41 Escapan entre las llamas, el número 42 Todo va revuelto y el número 43 También esto. En los que pone de manifiesto la huida poblacional por diferentes motivos. Por supuesto también va a tener una relación muy directa con la estampa siguiente de la serie número 45 Y esto también.

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Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

En este cartel, continuando con la técnica de recortes recurrente en su producción, Ferrer compone una figura humana formada con distintas etiquetas y trozos de papel.

Estampa monócroma, en blanco y negro, protagonizada por cinco figuras que se sitúan de frente. La segunda por la izquierda viste una camisa blanca y la primera por la derecha un vestido también de color blanco, destacando sobre el negro de las siluetas. En el fondo se observan dos edificaciones de diferente altura y una palmera a su izquierda. Es una composición simplificada que se centra en la representación de las figuras.

Fotografía en blanco y negro de formato horizontal, en la que se distinguen varios edificios de Alcañiz, viandantes y vehículos. Tomada en el invierno de 1937.

La escena trascurre en un interior, en una sala oscura que parece tener iluminación solo por el velón que aparece encima de la mesa. A la izquierda aparece un joven con una mano en el pecho y la otra extendida como si estuviera contando algo. A la derecha una pareja de ancianos parecen escucharles con atención. La mujer de la pareja tiene las manos juntas, mientras el hombre se apoya en su propio bastón. Todos estos personajes visten a la moda del siglo XVIII, con casacas, chalecos, calzones, vestidos holgados, etc. Al fondo, la sala queda decorada con varias sillas, un cuadro, una puerta con molduras sobre dintel...

Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

“Todas las transformaciones tienen algo de profundamente misterioso y de vergonzoso a la vez, puesto que lo equívoco y lo ambiguo se produce en el momento en que algo se modifica lo bastante para ser ya “otra cosa”, pero aún sigue siendo lo que era. Por ello, las metamorfosis tienen que ocultarse; de ahí la máscara. La ocultación tiende a la transfiguración, a facilitar el traspaso de lo que se es a lo que se tiene que ser; éste es su carácter mágico. La máscara equivale a la crisálida” dice Juan Eduardo Cirlot en Diccionario de símbolos y cita Ferrer en el catálogo con respecto a este cartel, compuesto por un montón de hojas y una pinza que las une creando de algún modo un rostro, una máscara.