Patrimonio Cultural
Universidad de Zaragoza

Composición abstracta en manchas violáceas sobre fondo rojizo, que contrasta con las texturas de dos listones de madera colocados en los límites lateral derecho e inferior izquierdo.

Original: A-87

Otro ejemplo de la tirada: A-883

Paisaje nocturno con luna en color ocre dorado sobre cielo negro y la tierra en blanco. Utilización de gran cantidad de masa pictórica.

Podemos ver un ejemplo de la tirada: A-882

Composición abstracta sometida a una leve estructuración zonal y cromática, sugiriendo un paisaje de arquitecturas imaginadas.

Caballo ante un fondo de paisaje con horizonte bajo de línea de montañas y un cielo con grandes nubes y efectos de atardecer. Capa castaña muy oscura, calzado hasta el tercio inferior de la caña, bastante regular, en la extremidad posterior izquierda. Ejemplar con cabeza relativamente pequeña y de perfil recto, con ojos expresivos, de mirada fiera y de forma redondeado, hocico amplio con tendencia cuadrangular, orejas pequeñas. Cuello erguido, ligeramente arqueado a nivel dorsal, ampliamente insertado en el tronco. Cruz destacada. Tronco de longitud moderada, fuerte, bien constituido, con pecho prominente. Grupa ligeramente redondeada, con nacimiento de la cola de altura media. Extremidades con nalgas redondeadas, bien constituidas, ligeramente plantadas de detrás. Cascos pequeños con talones bajos. Crines pobladas y cortas.

Cuatro sellos franceses estampados en tinta roja, cuya imagen central en la fotografía de Agustín Centelles tomada a mediados de octubre de 1936 en la que aparece un soldado republicano empuñando un fusil. De estos sellos se realizaron series en varios colores: verde, rojo y naranja. 

Más información sobre la Colección Agustí Centelles i Ossó aquí.

Grabado parte de la serie de los disparates o proverbios de Francisco de Goya. La imagen revela la figura de un animal con cuerpo de caballo, alas y cabeza de pájaro, que lejos de asemejarse a un grifo parece una bestia, volando, adentrándose en la oscuridad nocturna de las pesadillas, una vez más.

Dos figuras cabalgan sobre su lomo, un hombre de espaldas sostiene la figura de una mujer, que, con los brazos alzados se resigna a su rapto.

Excepcional desde el punto de vista técnico, la seguridad del dibujo y el empleo de la punta seca para perfilar el profuso detalle, el plumaje, los pliegues, rezuma una calidad extraordinaria revelando la valiosa faceta de Goya como Grabador y sumándose a la temática que revela algo tal vez igual de valioso, la calidad de la imaginación del artista, que de nuevo surca los confines de su subjetividad en busca de su propia visión del mundo. Una vez más no importa trasmitir el mensaje sino plasmar lo que él entiende del mundo, su propia interpretación. No graba para nadie. Graba para él. Y por eso la cadena de comunicación nuevamente se rompe ante el hermetismo que despiertan todas estas obras, tan estrechamente relacionadas con las Pinturas Negras, con el concepto de lo sublime, lo terrorífico, o lo grotesco de una sociedad que reprime en este momento todo lo que este artista en su vejez había valorado.

Múltiples son las interpretaciones que se le ofrecen ante la ambigüedad que genera toda ruptura en la comunicación. Algunos autores han señalado que tal vez, al igual que en tantas ocasiones Goya se destacó por realizar sátiras sobre los matrimonios de conveniencia, es posible que con esta obra quisiera representar a una pareja de infieles que huye de su compromiso matrimonial para vivir libremente su amor.

Sin embargo llama la atención que el título que le dio a este grabado Harris no fue otro que: Reniego al amigo que cubre con las alas y muerde con el pico. Lo cual implica que ha suscitado interpretaciones diametralmente opuestas. Es en esto precisamente es en lo que radica su mayor riqueza comunicativa.

Más información sobre esta edición aquí.

Este grabado representa a los Reyes Católicos en la toma del reino nazarí de Granada. El autor de la imagen es Federico de Madrazo.

Los Reyes aparecen a la derecha de la imagen, a lomos de caballos, junto a su ejército. Los estandartes con símbolos de crucifijos ensalzan la "victoria" religiosa del cristianismo sobre los musulmanes. Los nazaríes, a la izquierda, les hacen entrega de las llaves de la ciudad de Granada. Algunos se arrodillan en el suelo y hacen reverencias. Al fondo la ciudad amurallada de Granada. 

Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

Fueron varios los carteles teatrales que hizo Isidro Ferrer. Para él, la cartelería de este ámbito era muy importante y de ella decía que: “El cartel de teatro es el prólogo de la obra. Nos aproxima desde la imagen al contenido de la pieza dramática, pero el cartel también es el epílogo, lo que se fija a la memoria tras la representación. A la función le antecede el cartel, tras la función, queda el cartel”. De este modo, las imágenes que se presentaban, eran de alguna forma el reflejo de la historia que se iba a representar, y posteriormente, una vez el espectador ya la había visto, un recuerdo. En el caso de este cartel, un hombre baja por los dientes de una sierra, los cuales actúan como escalera.

Ilustración de Luis Grañena temáticamente adscrita al ámbito de la música, concebida para el periódico Contexto, en el que se representa de manera caricaturizada a Édith Piaf, conocida por ser una de las cantantes francesas más características del silgo XX, con canciones famosas mundialmente. Además, fue actriz en cine y teatro realizando un gran número de obras.

Esta ilustración formó parte de la muestra “Nunca olvido una cara…pero con la suya haría una excepción”, organizada por el Vicerrectorado de Cultura y Proyección Social, en la que se expusieron 74 ilustraciones, producidas con motivo de la muestra, y que engloban la presente colección –representativa de la rica y amplia trayectoria del caricaturista Luis Grañena–, y varios ejemplares de revistas y periódicos con los que ha colaborado a lo largo de su carrera. La exposición se dividió en varios ámbitos temáticos, en los que se dieron cita destacados personajes del siglo XX y XXI, referentes de la política nacional e internacional, el cine, el deporte, la música o la literatura.

Licenciado en Historia del Arte, Luis Grañena se inició en infografía en el Heraldo de Aragón. Pronto dio el salto al dibujo y fue trabajando un estilo personal y característico con el que dar vida a personajes a través de sus ilustraciones. A las espaldas de Grañena se pueden contar más de 3000 caricaturas, muchas de ellas han ilustrado las páginas de periódicos locales como Heraldo de Aragón –durante casi una década–, y ha colaborado también de manera habitual en prestigiosas editoriales del ámbito nacional e internacional, como The New Yorker (USA), The Independent (UK), Liberation (Francia), La Tercera (Chile), Sábado (Portugal), El País, Vanity Fair o La Vanguardia (España).

Retrato de medio cuerpo, en posición tres cuartos, que se corresponde con Don Martín de Bargas, uno de los abades del Monasterio de Piedra de Zaragoza.

Retrato de una  figura masculina  de edad madura, en posición tres cuartos y de pie, que se corresponde con el catedrático de química industrial, economía y proyectos y rector Federico López Mateos. El personaje viste el clásico conjunto de toga con puñetas de encaje rosadas, acompañado de la muceta del mismo color; sobre la que destacan, una condecoración, el collar con la insignia rectoral,  y una banda blanca y roja. Su mano derecha apoya sobre el bastón de mando, mientras que con la mano izquierda porta los guantes blancos. En el ángulo superior derecho, la artista ha representadode el pasquín de 1588 anunciando los estudios de la Universidad de Zaragoza. El fondo muy iluminado por los tonos blancos desde el ángulo superior izquierdo, mientras el resto del fondo de la escena son manchas de color ocres, beiges y blancas.

Retrato sedente de una figura masculina en posición casi frontal que se corresponde con el Decano y Catedrático de Derecho Marcantil, Antonio de la Figuera y Lezcano. El personaje viste toga y corbata negra, con bocamangas de encaje rojo y blanco, muceta y birrete rojo. Sobre la muceta destaca una medalla dorada. Aparece sentado en un sillón frailero sobre el que descansan los brazos, mientras el birrete apoya sobre la pierna izquierda. El fondo es neutro en tonos ocres.

Vista de una plaza con fuente y árboles frente a la fachada de una iglesia, flanqueada por dos edificios. La obra presenta una cierta abstracción y simplificación de las formas, así como un cierto carácter fauvista en el uso de los colores. Predominan los tonos azules, naranjas y grises.

Esta fotografía del castillo de Loarre muestra una vista general del monumento hacia el año 1883. En Recuerdos de mi vida, donde se publicó esta fotografía, Cajal se refiere a ella en segundo lugar en este pie de imagen:

“Dos vistas fotográficas del Castillo de Loarre, objetivo de mis correrías y curioseos arqueológicos durante mi adolescencia. La primera muestra la fortaleza-palacio de Sancho Ramírez, vista desde el Este. La segunda enfoca el mismo tema, pero desde más lejos, y fué tomada por mí allá por los años de 1883”. Recuerdos de mi vida, 1917. 2.ª edición.

Otras fotografías del castillo de Loarre en esta colección: A-903, A-905

Santiago Ramón y Cajal (Petilla de Aragón, 1852-Madrid, 1934) fue un importante médico y neurocientífico español. Ganó el premio Nobel de Fisiología o Medicina en 1906 por sus contribuciones al conocimiento de los tejidos nerviosos, concretamente la constatación de la independencia de las células neuronales y los procesos que permiten la comunicación entre ellas. Estudió la carrera de Medicina en la Universidad de Zaragoza, y ocupó las cátedras de Histología en la Universidad de Barcelona, y de Histología e Histoquímica Normal y Anatomía Patológica en la Universidad Central de Madrid. Fue el primer director de la Junta de Ampliación de Estudios (JAE), predecesora del Consejo Superior de Investigaciones Científicas.

En la obra aparece representado un espacio interior sin ventanas ocupado por una serie de objetos, entre los que se distinguen: un butacón, una silla, una caja, una torre de ordenador, una bicicleta, una garrafa y tres marcos. Todo está pintado de blanco. En el lateral derecho, apoyado sobre la pared, un joven cabizbajo con estética raper porta en la mano derecha un spray. Un grafitti rojizo recorre una parte de la habitación, la butaca, la botella y el suelo.

Retrato sedente, en posición tres cuartos, de una figura masculina que se corresponde con el director de la Escuela de Empresariales Antonio Muñoz Casayús. El personaje viste toga negra con bocamangas y muceta roja, sobre la que destaca una condecoración dorada. Porta muceta roja con epitoga sobre el hombro izquierdo, de doctor honoris causa por la Universidad de Burdeos. Aparece representado en un sillón de respaldo alto con tapizado marrón y granate.

Retrato de cuerpo entero de un bebé acompañado de un ángel. Esta obra fue encargada al pintor Giovanni María delle Piane, "Molinaretto" por el futuro rey Carlos III de España, siendo rey de Nápoles, para enviárselo a sus abuelos, Felipe V e Isabel de Farnesio; para que conocieran a la infanta María Isabel Antonia. La niña había nacido en palacio el 6 de septiembre de 1740 y muy pronto fue proclamada heredera al trono napolitano. Su composición recuerda las formas artificiosas del rococó francés, como se aprecia en el grandioso cortinaje que, recogido a la izquierda, da paso a una escena donde se contempla a un ángel niño en el momento de poner la corona sobre la cabeza de la infanta, a la que señala con su mano izquierda. La niña está fajada y luce una curiosa cofia de encaje sobre la cabeza. Se halla recostada en una cuna de vistoso y elegante diseño, y una manta de terciopelo la cubre hasta la cintura. Destaca principalmente por la rica y cálida policromía de tono carmesí, pero no exhibe la variada gama de matices propia de la escuela napolitana a que se atribuye últimamente.

Considerado anteriormente como anónimo napolitano, El Retrato de una infanta niña ha sido atribuido recientemente por Nicola Spinosa a Giovanni Maria delle Piane, alias Molinaretto (Génova, 1660- Monticelli d´Ougina, Piacenza, 1745. Este artista, que recibió el apodo en recuerdo de su abuelo, viajó en 1676 a Roma, donde fui discípulo de Giovani Battista Gaulli il Baciccia. Practicó la pintura, sin demasiado éxito, y se especializó en el género del retrato, que cultivó sobre todo tras su regreso a Génova en 1684, con un estilo suntuoso, pomposo y exhuberante muy influido por los retratistas franceses Hyacinthe Rigaud o Nicolas de Largilliere, aunque en sus obras no encontramos ni la calidad de sus maestros ni las sutilezas y matices de otros grandes artistas del rococó europeo. En 1695 fue llamado por los duques de Parma y se convirtió en pintor de corte de la familia, retratando en varias ocasiones a la entonces joven Isabel de Farnesio  

Procede de las colecciones reales y figura en los últimos catálogos del Museo del Prado con el nº 5394 como anónimo napolitano de mediados del siglo XVIII. Fue cedido, en calidad de depósito, a la Universidad de Zaragoza por Real Orden de 26 de junio de 1893. Ha participado en las siguientes exposiciones: "Exposición del Patrimonio Artístico de la Universidad de Zaragoza", conmemorativa del IV centenario de su fundación (antigua Facultad de Medicina y Ciencias, 1983); "El niño en el Museo del Prado" (1983-1984) y "Renacimiento y Barroco en las Colecciones de la Universidad de Zaragoza", celebrada en el edificio Paraninfo en 2012.

Imagen estereoscópica en blanco y negro de la hija del fotógrafo Luis Gandú Mercadal, María Luisa, en la plaza Basilio Paraíso de la ciudad de Zaragoza. La niña posa delante de la estatuta de piedra Mujer dormida, del escultor zaragozano José Bueno, realizada en 1920 y colocada en 1924.

Dos cabezas escultóricas, una en pie y otra tumbada, en el alféizar de una ventana abierta, ante un paisaje con un jarrón. Composición y motivos clasicistas,  con claras referencias a la obra del italiano Giorgio de Chirico.

Se puede ver otro ejemplo de la tirada en A-235, A-470

Se puede ver el original en A-71

Retrato de una  figura masculina, en posición tres cuartos, que se corresponde con el ilustrado aragonés Ramón de Pignatelli (1734-1793). El personaje viste traje azulgrisáceo con levita, sobre la que destaca una condecoración. El fondo oscuro en tonos marrones.

Esta serie de tondos se realizó en 1876 con motivo de la renovación de la sala Paraninfo de la antigua sede universitaria en la Magdalena, así lo relatan M. Jimenéz Latalán y J. Sinués y Urbiola en su Historia de la Real y Pontificia Universidad de Zaragoza (1923): "1876 (1° octubre).—Se inaugura el nuevo Paraninfo de la Universidad. El antiguo, destruído por las minas francesas, así como una gran parte del edificio, había sido habilitado después del año 1809 para que en él pudieran celebrarse los actos académicos, haciéndose en él las reparaciones más precisas a dicho objeto encaminadas. [...] Se hicieron, pues, en él ese año importantes reformas, no solo de construcción—encaminadas éstas a darle más luz, pues el anterior era muy lóbrego—, sino de adorno, embelleciéndolo todo lo posible. En él se colocaron, a más de los retratos de Juan II, Carlos V y Cerbuna, los de los Papas Sixto IV y Julio III, más los de D. Juan Marco y Pignatelli, Rectores; Bartolomé Argensola y Jerónimo Blancas, como insignes alumnos, y los de Jerónimo Xavierre, Juan Costa, Juan Sobrarías y José Suñol, como distinguidos representantes de las cuatro facultades".

Rincón pintoresco de Albarracín con una calle en cuesta.

El título de la estampa "Asta su Abuelo" hace referencia irónica al burro protagonista indicando que procede de familia de nobles por lo menos hasta su abuelo. El asno, vestido, aparece dispuesto sentado y mirando al espectador. Sus patas delanteras reposan sobre una mesa con un libro abierto del que podemos ver las dos páginas, llenas de figuras de pequeños asnos, como si de verdad se tratara de una genealogía familiar. Así también lo apreciamos en el escudo con un burro en su campo, que decora el frontal de la mesa. La caracterización humana del burro hace que se le pueda indentificar con algún personaje conocido como Godoy, blanco por excelencia de las críticas de Goya.

Más información sobre esta edición aquí.

Grabado vertical compuesto por retrato rectangular enmarcado y  filacteria barroca en la parte inferior, conteniendo un breve epítome biográfico del personaje representado. En esta ocasión se trata del militar Álvaro Navia Osorio, que participó en la Guerra de Sucesión española (1701-1713), realizó labores diplomáticas y pasó a la historia por su tratado Reflexiones Militares, que siguieron y admiraron grandes estrategas de todo el mundo. En el grabado se le retrata de medio cuerpo, en posición de tres cuartos hacia la izquierda, portando un libro con sus dos manos que apoya sobre una repisa arquitectónica. Vestido con amplia casaca barroca y tocado con peluca rizada empolvada. El fondo es neutro y se adivina una pilastra lisa a la izquierda.

Esta obra forma parte de una serie titulada Retratos de los españoles ilustres proyectada en 1788 por la Secretaría de Estado. Fue realizada en la Real Calcografía (hoy Calcografía Nacional), una institución creada en este momento para acometer importantes proyectos de grabado surgidos en el marco de la política ilustrada. La serie se publicó periódicamente desde el año 1791 hasta 1819 llegando a estampar/emitir un total de 114 retratos, cada uno con su correspondiente epítome biográfico. El objetivo de esta edición era doble: difundir la vida de los grandes hombres de nuestra historia con la clara intención política de reflejarse/posicionarse como gran potencia, así como impulsar el desarrollo de las artes gráficas y perfeccionar la técnica de los grabadores del momento.

Fotografía perteneciente a la serie ALBINO, de la fotoperiodista Ana Palacios. Se trata de un proyecto solidario que narra y da visibilidad a la terrible situación que sufren los albinos en Tanzania. Las fotografías que completan la serie, como la presente protagonizada por Zawia, exponen las diferentes facetas del día a día de niños y adultos que sufren esta dolencia, desde una perspectiva vital, y poniendo especial énfasis a los aspectos más lúdicos o cotidianos de sus vidas, así como a la labor del personal sanitario que los atiende. Plásticamente destaca el color y la luminosidad en las composiciones.

Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

En este cartel, Isidro Ferrer juega con la conjunción de dos elementos para crear la figura de un león, de este modo recortes de cartón y un huevo frito dan forma al animal.

Santiago Ramón y Cajal (Petilla de Aragón, 1852-Madrid, 1934) fue un importante médico y neurocientífico español. Ganó el premio Nobel de Fisiología o Medicina en 1906 por sus contribuciones al conocimiento de los tejidos nerviosos, concretamente la constatación de la independencia de las células neuronales y los procesos que permiten la comunicación entre ellas. Estudió la carrera de Medicina en la Universidad de Zaragoza, y ocupó las cátedras de Histología en la Universidad de Barcelona, y de Histología e Histoquímica Normal y Anatomía Patológica en la Universidad Central de Madrid. Fue el primer director de la Junta de Ampliación de Estudios (JAE), predecesora del Consejo Superior de Investigaciones Científicas.

Fotografía en blanco y negro del torero Rafael Gómez "El Gallo", acompañado por su cuadrilla, en el callejón antes de iniciar el paseillo. En la zona superior de la imagen pueden observarse las gradas superiores en las que el público disfruta de la corrida.

Diploma original de pergamino, de forma rectangular, y dispuesto en vertical, con un texto en el que consta el acuerdo del Ayuntamiento jaqués, emitido el 30 de julio de 1976 y aprobado en sesión ordinaria, por el que se conmemora el cincuenta aniversario de los cursos de verano de esta Residencia Universitaria. El texto, comenzado con una enorme letra capital y divido en dos columnas por una franja decorativa en vertical, va adornado con una orla que rodea por los cuatro lados el papel. En el centro de su parte superior aparece el escudo de Jaca, con la cruz de doble brazo y las cuatro cabezas de moros, sobre cuerpo rojo, en medio un registro horizontal con mandolas que inscriben formas flordelisadas, mientras que en el lado derecho se superponen en altura los escudos de Aragón (arriba), la Universidad de Zaragoza (centro), el Ayuntamiento de Zaragoza (inferior) y en la zona derecha aparece la figura de un guerrero medieval con un pendón y un escudo que llevan como símbolo un castillo y que, toda probabilidad, se trata del conde Aznar.

Retrato frontal, de casi cuerpo entero de una figura masculina, con el rostro en posición de tres cuartos, que se corresponde con Nicolás Montells Bohigas. El personaje posa su mano izquierda sobre una mesa en la que se encuentran apilados y en desorden varios libros. Viste toga negra con bocamangas de encaje, luciendo dos medallas sobre el pecho. Fondo neutro.

Médico de origen catalán formado en la Universidad de Zaragozana. Ejerció en Gallur, Mallén y en el Hospital de Nuestra Señora de Gracia de Zaragoza hasta que pasó a dirigir la cátedra de Patología Quirúrgica en la Facultad de Medicina, de la que fue decano varios años. En 1863 fue nombrado miembro de la Real Academia de Medicina, ocupando en ella varios cargos de dirección (presidente desde 1889 hasta su muerte en 1896).

Fotografía en blanco y negro de un grupo de campesinos de Fuentes de Ebro (Zaragoza). El grupo, compuesto por hombres, mujeres y niños, posan mirando diréctamente al espectador, delante de un soportal o callejón, bajo el que se entrevé una figura masculina probablemente a caballo, que luce ropas menos modestas que el grupo de primer plano.

Copia original de época en blanco y negro. Formato vertical. Vista frontal de la Portada del Palacio de la Audiencia, según reza en el ángulo inferior izquierdo. Se aprecian los dos atlantes que flanquean la entrada sobre basamentos de piedra, distinguiéndose la entrada al patio interior. En el ángulo inferior izquierdo aparece una figura masculina vestida con traje, tocada con un bombín y apoyada en un bastón.

Lámina de una serie de grabados que se corresponden con un estudio realizado sobre anatomía, destacando los dibujos de pies, manos o rostros. Se nota el trazo academicista y nos recuerdan a los dibujos de los grandes artistas Rafael de Urbino o Miguel Ángel. Detallismo en los dibujos y expresividad en los movimientos.  En este caso el estudio se centra en los pies. 

Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

“No hay plato malo que no arregle una buena salsa, dice el lugar común. Si ése no es el problema, si la cuestión es qué hacer cuando la salsa es mala. No hay sabor sin saber” escribe Grassa Toro en el catálogo de la exposición en alusión a la gran mosca-salero que ocupa este cartel.

Composición abstracta con referencias paisajísticas,  formada por manchas marrones, trazos grises y azules.

Original: A-94

Composición abstracta con referencias paisajísticas,  formada por manchas marrones, trazos grises y azules.

Podemos ver un ejemplo de la tirada: A-881

Retrato sedente de una figura masculina en posición tres cuartos. El personaje que se corresponde con el decano Andrés de Pablo López (1982-1986), profesor del Departamento de Contabilidad y Finanzas, viste toga negra con bocamangas, birrete y muceta naranja sobre la que destacan una medalla dorada. Aparece sentado en un sillón sobre el que apoya los dos brazos, mientras con las manos sostiene los guantes. El fondo es neutro en tonos verdes y azules, carente de decoración.

Caballo ante una dehesa con caballos vigilados por un caballista al fondo. Capa negra, nevada en la región de la cruz y dorso. Ejemplar de cabeza relativamente larga y de perfil recto o subconvexo, con ojos expresivos, pacíficos y redondeados y hocico acuminado, orejas de tamaño medio pequeño. Cuello moderadamente largo, bien insertado en el tronco. Cruz poco destacada. Tronco largo, muy recto, bien constituido. Grupa moderadamente recta, con nacimiento de la cola alto. Extremidades bien constituidas, aunque un poco finas, cascos amplios y pies ligeramente izquierdos en las extremidades anteriores. Crines pobladas y con buena longitud.

Paisaje metafísico conformado por arquitectura y elementos vegetales, un río y el paisaje de montañas en último término.

Se trata de uno de los grabados más difíciles de explicar de toda la serie de los Proverbios o los Disparates de Francisco de Goya. También uno de los grabados que más varía desde el preparatorio hasta lo que definitivamente será grabado en la plancha para reproducirse.

Con un gran muro en el fondo que enmarca la escena nocturna. En primer plano se perfila una figura inmersa en un acto violento que protagoniza con una pica en la mano –que en el preparatorio era un fusil-, y una figura ya víctima de su ira, se desploma a sus pies todavía agarrándose a una de sus piernas, su rostro grotesco se diluye suavemente en las sombras. La primera figura, con violencia, se dirige hacia una nueva víctima sobre la que desatar su cólera, ésta, le muestra el costado, iluminado de manera irracional –es la simbología del blanco en estos grabados-. Mientras alrededor otras figuras cierran los ojos o simplemente agachan sus cabezas con resignación. Saben que no hay nada que puedan hacer.

Su significado es especialmente difícil de desentrañar, de modo que no podemos saber a ciencia cierta qué representa. Las hipótesis apuntan hacia lo que podría ser una alegoría sobre la mezquindad y violencia de todos los tiempos, o quizás la representación de aquellos ecos de la guerra de la independencia que resonaban todavía recientes en la cabeza del artista, incluso, tal vez una alusión a la depravación moral y sexual. Mientras tanto Valeriano Bozal se inclina a pensar que podría tratarse de una riña callejera.

Técnicamente es especialmente valioso sobretodo en la cuestión de cómo genera la atmósfera. Una atmósfera nocturna opresora que subraya a través del espacio claustrofóbico recreado con el gran muro, el clima de violencia no solo física sino también psicológica que se vive en la época.

Más información sobre esta edición aquí.

La escena principal la compone este enano que aparece con la cabeza de mayores proporciones que el resto de su cuerpo. Se presenta ataviado con bastón, espada y un sombrero de estilo francés. Una casaca y unos calzones acompañados por unas medias que le cubren la parte inferior de las piernas. Todo ello recubierto por bolas de juego como si de una ruleta de la suerte humana se tratara, nos recuerda al azar, a la lotería, a la suerte. Una inscripción aclara que esta imagen del enano pretende invitar a jugar.  Dependiendo de la prenda, cambia la forma de jugar y la disposición de los números. 

Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

Fueron varios los carteles teatrales que hizo Isidro Ferrer. Para él, la cartelería de este ámbito era muy importante y de ella decía que: “El cartel de teatro es el prólogo de la obra. Nos aproxima desde la imagen al contenido de la pieza dramática, pero el cartel también es el epílogo, lo que se fija a la memoria tras la representación. A la función le antecede el cartel, tras la función, queda el cartel”. De este modo, las imágenes que se presentaban, eran de alguna forma el reflejo de la historia que se iba a representar, y posteriormente, una vez el espectador ya la había visto, un recuerdo. En el caso de este cartel, el protagonismo recae sobre una mano esquelética cuyo dedo índice ha sido sustituido por una pieza de ajedrez.

Ilustración de Luis Grañena temáticamente adscrita al ámbito de la música, concebida para el periódico Contexto, en el que se representa de manera caricaturizada a Enrique Morente, cantaor español dentro de la renovación del flamenco. También introdujo en sus cantes letras de autores españoles como Miguel Hernández o Antonio Machado.

Esta ilustración formó parte de la muestra “Nunca olvido una cara…pero con la suya haría una excepción”, organizada por el Vicerrectorado de Cultura y Proyección Social, en la que se expusieron 74 ilustraciones, producidas con motivo de la muestra, y que engloban la presente colección –representativa de la rica y amplia trayectoria del caricaturista Luis Grañena–, y varios ejemplares de revistas y periódicos con los que ha colaborado a lo largo de su carrera. La exposición se dividió en varios ámbitos temáticos, en los que se dieron cita destacados personajes del siglo XX y XXI, referentes de la política nacional e internacional, el cine, el deporte, la música o la literatura.

Licenciado en Historia del Arte, Luis Grañena se inició en infografía en el Heraldo de Aragón. Pronto dio el salto al dibujo y fue trabajando un estilo personal y característico con el que dar vida a personajes a través de sus ilustraciones. A las espaldas de Grañena se pueden contar más de 3000 caricaturas, muchas de ellas han ilustrado las páginas de periódicos locales como Heraldo de Aragón –durante casi una década–, y ha colaborado también de manera habitual en prestigiosas editoriales del ámbito nacional e internacional, como The New Yorker (USA), The Independent (UK), Liberation (Francia), La Tercera (Chile), Sábado (Portugal), El País, Vanity Fair o La Vanguardia (España).

Retrato de medio cuerpo, en posición tres cuartos de una figura masculina, que se corresponde con Don Pedro Garcés de Teruel, uno de los abades del Monasterio de Piedra de Zaragoza, que viste el habito blanco, casulla, báculo y mitra. Delante de él se representa una mesa, sobre la que descansa un libro abierto, que el personaje muestra. Una ventana en el ángulo superior derecho deja ver un paisaje.

Busto de bulto redondo del poeta cubano José Martí, de carácter realista y semblante serio.

El busto fue fundido en Calatayud, a partir del prestado por la Embajada de la República de Cuba en Madrid.

Reloj de pared de línea austera, que posee la caja en forma de lira, conservando en la base y remate restos de marquetería.  Además presenta cilindros de marcha con huella para la cuerda, péndulo de varillas, escape de ancla, esfera esmaltada con calendario de días, peineta con figuras troqueladas que representan un rebaño con su pastor.

Las dos piezas que componen la Historia de Moisés, Moisés niño pisa la corona del faraón y Moisés y las hijas de Jetró, son de origen audenardense. Ambas llevan la marca de la ciudad, formada por un escudo, atravesado por tres barras amarillas, sobre un par de círculos (anteojos). Carlos V obliga en 1544 a colocar en los tapices la marca de esta villa flamenca y del tapicero, como Bruselas había hecho desde 1528. Las marcas servían para facilitar la calidad y el control de los talleres.

La escena bíblica se enmarca dentro de una jugosa orla formada por guirnaldas de flores y frutas. Éstas se trabajaron cuidadosamente de manera naturalista y dando la sensación de poseer volumetría. En la guirnalda aparecen motivos frutales característicos de Audenarde: granadas, uvas, calabazas, membrillos y peras. Estas cenefas son características del segundo cuarto del siglo XVI, a partir de las elaboradas en Bruselas hacia 1530 por Orley, según aparecen en este paño: tronco de palmera cortado a lo largo por los cuatro costados y sobre los cuales se han dispuesto magníficos ramos de flores y racimos de frutos.

La historia de Moisés no se narra en el Antiguo Testamento sino en los Apócrifos. En el campo central del tápiz, Moisés niño juega inocentemente con la corona del faraón, la pisa en presencia de éste y de los cortesanos. Uno de los ministros del faraón aconsejó matarlo, pero otro de sus consejeros propuso someterlo a una ordalía o juicio de Dios, las actitudes de cada uno de los presentes: el enfado del faraón, el diálogo y los movimientos de las manos de los cortesanos ejemplifican el texto escrito. Después de este incidente, Moisés se somete a una prueba en la que le ofrecen dos copas para probar su inocencia, una con frutas y otra con fuego. El estado del tapiz no permite apreciar con claridad esta parte de la historia representada en el fondo de la composición, donde aparecen dos hombres y Moisés. El personaje vestido de azul lleva un cuenco con asas, en el que el niño va a meter su mano izquierda, mientras la otra se la lleva a la boca. No se puede precisar lo que hay en la fuente ni lo que el niño muerde. 

Este tapiz está construido siguiendo los elementos propios de la arquitectura renacentista, como una muestra por el interés que en la época se tenía acerca de la ruinas de la Antigüedad , y el frente del edificio presenta dos medallones con sendos bustos masculino y femenino. Sorprende la amplitud espacial conseguida a base de diversos planos perspectivos por el modo de distribuir los diferentes elementos constructivos en escorzo: escalones, pavimento geométrico de dos colores, columnas, arcos y muros. Además, para aumentar esta simulación, el pie del personaje en primer término a la derecha sobresale del cuadro de la cenefa, un aspecto reiterado en otros tapices de Audenarde. Como suele suceder la indumentaria de los personajes es anacrónica, tanto el soldado vestido a "la romana", como en el tocado y calzado del faraón o en los cortesanos.

Más información sobre la Colección de Tapices de la Universidad de Zaragoza aquí.

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Fotografía en blanco y negro, formato horizontal. Exterior. una hilera de militares se adentra monte abajo ordenadamente siguiendo órdenes, otro grupo permanece en la retaguardia, mientras que al fondo se ven 5 figuras a caballo y el despliegue de los montes que se desdibujan en la lejanía. La foto está tomada desde lo alto con angulación en picado. La foto fue publicada en la Crónica el 19 de noviembre de 1912, p.1.

Esta estampa es la última imagen de la serie donde Goya recrea una escena de violencia extrema. Una vez más, en  medio de la nauraleza y sirvíendose  de ella a través de un árbol, crea una macabra composición donde tres cuerpos desnudos que responden a los ideales de la belleza clásica, están mutilados y cuelgan de él. A la derecha de la imagen aparece un cuerpo boca abajo colgado de una rama a la altura de sus rodillas, le han sido mutilados sus brazos que cuelgan a su lado atados por las muñecas y su cabeza que ha sido insertada en la parte superior del árbol. Junto al tronco, un cuerpo desnudo está atado de pies y manos, su posición está forzada ya que abraza el tronco detrás de su espalda,un tercer cuerpo está colgado por los pies, apoyando sus hombros y cabeza directamente en el suelo. Como hemos tenido oportunidad de ver en otros grabados, las mutilaciones de cadáveres era una práctica habitual durante la guerra, especialmente con los traidores, siendo una forma de acabar con cualquier resto de dignidad del ejecutado.  Se han podido identificar con soldados franceses por el bigote de la cabeza clavada en la rama, pero al encontrarse desprovistos de sus vestimentas no es posible su confirmación, lo que da muestra de la crudeza del horror, venga del lado que venga. El pintor critica con su título la valentía que han tenido de hacerles a estos hombres lo que les han hecho, indefensos y sin posibilidad de defenderse.Es una escena cargada de contrastes, por un lado la belleza clásica de los cuerpos se enfrenta a la brutalidad a la que son sometidos, de igual modo la presencia de la muerte en estos mismos lucha con la esperanza de vida que viene representada con los árboles al fondo de la imagen.

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Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño. 

Este fue un encargo del gremio de ilustradores, en el que vemos como Ferrer, utiliza por primera vez un objeto cotidiano como protagonista –creando la figura de un elefante por medio del uso de la parte superior de una cafetera-. Este recurso se convertirá posteriormente, en algo recurrente en su producción gráfica.