Patrimonio Cultural
Universidad de Zaragoza

Dibujo a pluma que forman portada y contraportada siendo la primera sobre fondo azul y la segunda blanco. En ellas se representa una figura masculina, de frente, ataviado con chaqueta y gorra tras la que hay una estructura (una mesa o barandilla) sobre la que reposa un pequeño barco y una nube. La contraportada muestra una serie de anotaciones referentes a los elementos de la composición que parecen sugerir una preparación previa para el dibujo definitivo, que es la portada. La obra fue portada de la revista Artigrama número 5 (1988)

Composición abstracta que se divide de forma vertical por el uso de manchas de color verde y marrón claro. En la parte inferior aparece una forma triangular en un marrón más oscuro. En el centro se sitúa, por medio de trazos de color azul marino, una forma en aspa. A la derecha aparecen trazos ondulados en color rojo que contrastan con los colores fríos que predominan en esta composición.

Todos los trazos están realizados de forma irregular, sin el uso de líneas rectas.

La obra viene acompañada por otras tres serigrafías, en una carpeta en la que se detalla su contenido, el nombre de los autores y el lugar y fecha de producción de las obras: "4 SERIGRAFÍAS / FIDEL FERRANDO / ENRIQUE TRULLENQUE / ALCAÑIZ DICIEMBRE 1981". En el reverso, aparece una lista con el nombre de las personas e instituciones que se subscribieron a la edición de estas serigrafías.

Se trata de una de las planchas que no aparecen impresas en la edición de la academia de 1864 porque fueron separadas del conjunto, pasando a ser propiedad de Eugenio Lucas y posteriormente flanquearon las fronteras españolas para llegar hasta Francia, donde aparecieron impresas en una publicación.

Resulta especialmente difícil en este caso establecer un significado, puesto que el título mismo, que fue dictado por el artista, condiciona cualquier interpretación pero se revela como tremendamente ambiguo. 

En la imagen se perfilan dos figuras en blanco sobre un fondo oscuro en donde se agolpa una multitud cuyos rasgos tan solo se esbozan, más que personas parecen "un todo" despojado de su identidad. Sobre el fondo se recortan las dos figuras principales en primer plano, un caballo en tensión sobre una cuerda floja, para el que Goya se pudo valer de modelos de Durero, y, en equilibrio sobre el lomo del animal, la figura grácil y etérea de una acróbata en una compleja postura.

No se puede especificar a qué hace alusión el título con exactitud, pero se han ofrecido varias interpretaciones, como el hecho de que fuera una representación de las frecuentes visitas de Goya al circo de Burdeos –lo cual implicaría que la lámina habría sido grabada en Francia, y esto no es seguro, de modo que no se puede afirmar-. Lo que sí está claro es que se trata de un disparate.

Lafuente apunta que la acróbata será pasto de la feroz multitud si cae y falla en su ejercicio. Desde este punto de vista podría también interpretarse como expresión de una situación político-social inestable y de complicada solución.

En este caso sí valdría aplicar a su interpretación el proverbio que Harris asocia al grabado: “Bailando en una cuerda floja”.

En la escena principal aparece Santa Rita de Casia, ataviada con los hábitos de monja, arrodillada con las manos entrelazadas ante el crucifijo en el que aparece Cristo en la cruz. En esta posición se entrega a una vida de roación y penitencia a la Orden del Gran Padre de S. Agustín, la cual la aceptó cuando tenía 36 años. Rita de Casia siempre habia tenido clara su vocación religiosa, pero sus padres la casaron con un hombre y fue madre de dos niños. Tanto el marido como los hijos murieron y, causa de esto, pudo ser admitida en el convento. Del crucifijo brotan rayos celestiales, nubes y querubines contemplando el milagro de la aceptación de la Santa en la vida devota. 

Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

Este cartel está compuesto por un fondo amarillo sobre el que se representa un personaje zoomorfo en colores negro y blanco. De este animal, como si de bocadillos de comic se tratasen, salen una serie de líneas, rematadas en círculos, que señalan lo anunciado.

Ilustración de Luis Grañena temáticamente adscrita al ámbito de la literatura española, concebida para el Heraldo de Aragón, en la que se representa de manera caricaturizada a Arturo Pérez-Reverte, escritor y periodista español, autor de novelas de tema histórico de gran renombre como Las aventuras del capitán Alatriste. Además, es reconocido por ser miembro de la Real Academia Española.

Esta ilustración formó parte de la muestra “Nunca olvido una cara…pero con la suya haría una excepción”, organizada por el Vicerrectorado de Cultura y Proyección Social, en la que se expusieron 74 ilustraciones, producidas con motivo de la muestra, y que engloban la presente colección –representativa de la rica y amplia trayectoria del caricaturista Luis Grañena–, y varios ejemplares de revistas y periódicos con los que ha colaborado a lo largo de su carrera. La exposición se dividió en varios ámbitos temáticos, en los que se dieron cita destacados personajes del siglo XX y XXI, referentes de la política nacional e internacional, el cine, el deporte, la música o la literatura.

Licenciado en Historia del Arte, Luis Grañena se inició en infografía en el Heraldo de Aragón. Pronto dio el salto al dibujo y fue trabajando un estilo personal y característico con el que dar vida a personajes a través de sus ilustraciones. A las espaldas de Grañena se pueden contar más de 3000 caricaturas, muchas de ellas han ilustrado las páginas de periódicos locales como Heraldo de Aragón –durante casi una década–, y ha colaborado también de manera habitual en prestigiosas editoriales del ámbito nacional e internacional, como The New Yorker (USA), The Independent (UK), Liberation (Francia), La Tercera (Chile), Sábado (Portugal), El País, Vanity Fair o La Vanguardia (España).

DEPÓSITO TRASLADADO A LA FUNDACIÓN AMANTES DE TERUEL. YA NO FORMA PARTE DE LA COLECCIÓN UNIVERSITARIA

Esta obra narra la conocida historia de amor imposible entre Diego Juan Martínez de Marcilla e Isabel de Segura, utilizada también como argumento de romances populares y de importantes piezas literarias del Romanticismo español, entre las que destaca el drama de Juan Eugenio de Hartzenbusch, estrenado en 1837. Este episodio acaeció a principios del siglo XIII (los historiadores suelen situarlo h. 1212), cuando el empobrecido noble turolense marchó a buscar fortuna, no sin antes obtener la promesa de Isabel de que le esperaría cinco años. Cumplido el plazo acordado, fue a celebrarse el matrimonio de la dama con un noble personaje de mayores recursos, concertado por los padres, cuando el mismo día de la boda regresó don Diego para reclamar la mano de Isabel. Ante la negativa de ésta para cambiar de planes, el amante solicitó un beso, negado por ella, lo que ocasionó la muerte fulminante de don Diego. Al día siguiente, mientras se celebraba el funeral, Isabel se acercó al cadáver para darle el beso negado, quedando muerta junto a él.

No parece, sin embargo, que el cuadro tuviese como inspiración el texto de Hartzenbusch, según comenta Ángel Azpeitia, puesto que el dramaturgo sitúa la muerte de Isabel de Segura en su alcoba, mientras que aquí tiene lugar en el interior de la iglesia de San Pedro, cuyas formas arquitectónicas y los detalles de un altar se advierten en el fondo. En primer plano aparece el cadáver de Diego Juan Martínez de Segura, dispuesto sobre sobre el féretro, que se halla cubierto por un pesado faldón. Junto a él, y arrodillada a la derecha, se encuentra Isabel de Segura, que acaba de caer muerta abrazada a su figura y apoyando la cabeza sobre el hombro de su amante. Tras el catafalco hay tres figuras más, correspondientes a los padres de la dama y a una doncella, todos gesticulantes y afectados por una pose marcadamente teatral. Por el fondo, y en semipenumbra, hay un grupo de acólitos portando velas.
Su notable carácter teatral y su monumentalidad acusada esconden una obra certera de dibujo y muy próxima a los tenebrismos barrocos por sus tonos lumínicos, de corte visiblemente claroscuristas. Una versión muy diferente a ésta, y más conocida, fue realizada en 1884 por Antonio Muñoz Degrain; actualmente se exhibe en el Casón del Buen Retiro madrileño. Clasificable en el género histórico de la decimonona centuria.

Fue premiado en la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1857 con una medalla de segunda clase, tras lo cual paso a formar parte de la colección del Museo de la Trinidad en Madrid (la sigla T 29, que todavía conserva, correspondía a su número de inventario en dicho museo). Más tarde, por Real Orden de 17 de diciembre de 1884, fue cedido en depósito a la Universidad de Zaragoza. Figura en los catálogos del Museo del Prado con el nº 5583.

Ha participado en las siguientes exposiciones: "Exposición del Patrimonio Artístico de la Universidad de Zaragoza" (Zaragoza, Antigua Facultad de Medicina y Ciencias, 1983) y "Libertad e Independencia. Aragón en la Pintura de Historia" (Zaragoza, Palacio de Sástago, 1989).

Composición abstracta de tipo gestual formada por finos trazos de negros,  manchas en tonos grises y rosas muy difuminados, y una gran mancha negra que recorre la zona central como si tuviera movimiento.

Escultura de bulto redondo. Retrato de cuerpo entero de una figura masculina. Se trata de un niño vestido con túnica corta y con los brazos en alto, los cuales sujetarían en origen una superficie de cristal.

Retrato sedente y de cuerpo entero, realizado en medio relieve, de una figura masculina desnuda y de complexión robusta y musculosa. Se trata de una representación clásica en la que el joven sentado sobre un pedestal, apoya la cabeza de cabello ensortijado sobre un cojín.

Fotografía en blanco y negro. Formato horizontal. Interior de una nave industrial de la empresa de talleres de CAF. un grupo de personas encabezado por la Infanta observan a un trabajador inmerso en su labor, de espaldas a la cámara en un taller de trabajo de la época.

Aquí se muestra uno de los sucesos más repetidos a lo largo de la contienda. El artista aragonés nos muestra con este grabado los constantes expolios que fueron realizados por el ejército francés durante las guerras napoleónicas. Tenemos un fondo prácticamente neutro, cuyos únicos elementos de referencia espacial son el cancel que se muestra entre los protagonistas y un arco de medio punto que podría ser el de una sacristía. Vuelve a amontonar las figuras en el centro de la estampa para que el espectador fije en este punto directamente su atención y no se distraiga con otro tipo de elementos. El grupo se dispone de nuevo en una composición piramidal, pero esta vez invertida. En primer plano tenemos al fraile en una postura agazapada que posiblemente este herido. Tras él se encuentra el grupo de soldados franceses que cargan con todos los tesoros de la iglesia, entre los cuales podemos distinguir una virgen procesional, unos candelabros y un crucifijo. Prácticamente es un reflejo de lo que sucede en la estampa anterior, la número 46 Esto es malo, donde Goya refleja como la iglesia sufrió los ataques de los franceses. El autor tiene un dominio total sobre las tintas cargando algunas zonas más que otras jugando con la intensidad de la luz, donde lo que destaca en gran manera es la laguna blanca de la túnica del fraile.

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Obra de estilo tardobarroco, que representa la figura sedente de Santo Tomás de Aquino en un sillón frailero, sujentando un libro cerrado en su mano izquierda, dispuesto en vertical y apoyado sobre una mesa, donde se sitúa un crucifijo, mientras que en su mano derecha los dedos índice y pulgar sostienen delicadamente una pluma.En la zona superior, rodeando su cabeza, aparecen ángeles o querubines entre nubes y en el ángulo superior dereho la paloma blanca del Espítitu Santo irradia un haz de luz, como inspiración divina, que se dirige a la cabeza del santo, creando compositivamente una diagonal que llega hasta la pluma. En el ángulo izquierdo inferior, sobre el suelo y en primer término, dos libros cerrados se colocan superpuestos, uno encima del otro, presentando en su lomo las inscripciones: "ALBIGENSES" el inferior y "WIALEF" el superior. 

Vista panorámica de Zaragoza desde la margen izquierda del Ebro, con los perfiles de las torres de la Magdalena, San Gil, la Basílica del Pilar y San Pablo.

Fotografía en blanco y negro protagonizada por el propio fotógrafo, Luis Gandú Mercadal, sentado tras la mesa de su despacho, leyendo un curso de aviación.

Retrato de una  figura masculina  de edad madura, en posición tres cuartos, que se corresponde con el rector Jerónimo Borao sedente sobre una cátedra de madera torneada, tapizada en rojo y crestería en la parte alta  con el escudo de  Zaragoza. El personaje viste la clásica toga negra, con puñetas de encaje rosadas, acompañada de la muceta del mismo color; sobre la que destacan una condecoración, el collar con la insignia rectoral,  y una banda azul y blanca.  Su mano derecha sujeta un papel,  mientras la otra descansa apoyada en el brazo del sillón.  En el lateral derecho se adivina una mesa cubierta por unas faldas rojas, sobre la que se encuentran dos libros.

Sobre bandeja calada, con una guirnalda en la parte superior colgada de florones, de tradición británica, se sitúan los tres habituales objetos de escritorio, cincelados en plata.

Composición entre la figuración y la abstracción, cuya parte derecha es ocupada por una gran figura humana de perfil indefinido, que sujeta con su brazo muy alargado y extendido una gran cafetera en la mano derecha, y bajo ella, un camino recto y negro trazado en perspectiva hacia el fondo.

En esta escena de fondo abstracto se sitúan tres personajes de aspecto extraño, cuya relación no queda clara del todo. En primer término, uno de ellos come con cuchara de un plato que le sostiene otro, vestido con túnica y tumbado a su lado. El personaje que come tiene un rostro muy feo y viste extrañas prendas. Tras ellos, más desdibujado, hay un tercer personaje que les mira y aprieta los puños. Puede tratarse de un acto de sodomía, según dicen los comentarios de la época: "los sodomitas suelen tener las vergüenzas como puños". En cuanto al extraño personaje que come, los comentarios dicen: "Este es un hombre que porque le dijeron que tenía la cara indecente se puso los calzones en la cabeza y sólo para comer se descubre...".

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Grabado vertical compuesto por retrato rectangular enmarcado y  filacteria barroca en la parte inferior, conteniendo un breve epítome biográfico del personaje representado. En esta ocasión se trata del escritor y diplomático Diego de Saavedra Fajardo, retratado de pie, de medio cuerpo y en posición de tres cuartos hacia la derecha, con la mirada hacia el lado opuesto. A su lado hay una mesa de madera con papeles manuscritos, tintero con pluma y un libro cerrado -en cuyo lomo se lee "Empresas políticas"- sobre el que apoya su mano izquierda. La derecha está colocada sobre la cintura. Viste jubón oscuro abotonado por delante, con cinturón, Cruz de la Orden de Santiago y valona con golilla en el cuello. Luce cabello largo ondulado y perilla. Al fondo, cierra la composición un cortinaje de aparato.

Esta obra forma parte de una serie titulada Retratos de los españoles ilustres proyectada en 1788 por la Secretaría de Estado. Fue realizada en la Real Calcografía (hoy Calcografía Nacional), una institución creada en este momento para acometer importantes proyectos de grabado surgidos en el marco de la política ilustrada. La serie se publicó periódicamente desde el año 1791 hasta 1819 llegando a estampar/emitir un total de 114 retratos, cada uno con su correspondiente epítome biográfico. El objetivo de esta edición era doble: difundir la vida de los grandes hombres de nuestra historia con la clara intención política de reflejarse/posicionarse como gran potencia, así como impulsar el desarrollo de las artes gráficas y perfeccionar la técnica de los grabadores del momento.

El lienzo representa una escena del Campus de San Francisco de la Universidad de Zaragoza con la Facultad de Filosofía y Letras como fondo. En un primer plano aparece una pareja, formada por un hombre y una mujer, que están sentados en un banco situado en la parte derecha del cuadro. En el banco contiguo aparece un hombre sentado leyendo un libro. Al fondo aparecen dos figuras en las escaleras de la facultad y en un plano intermedio otra figura masculina andando. Completan la escena árboles, bancos y coches aparcados en el campus.

Las pinceladas son sueltas y destacadas, y todo el lienzo se concibe a partir de manchas de color.

Fotografía en blanco y negro de la fachada lateral del edificio principal, desde el camino de los Cubos, actual calle Dr. Félix Cerrada. Junto al andamiaje de madera, los obreros prosiguen con la construcción de la verja que cercará el recinto.

Esta fotografía pertenece al conjunto de 87 clichés de temática heterogénea que conforman la colección Carlos Marquina Arrieta. 53 de estas imágenes suponen un testimonio visual de primer orden sobre la historia arquitectónica y urbanística de la ciudad de Zaragoza.

Este “reportaje arquitectónico” debe su autoría a los hermanos Hilarión y Enrique Villuendas Torres, quienes estuvieron estrechamente ligados a la Universidad de Zaragoza por formación y desempeño profesional. Aunque no fueron reconocidos como fotógrafos profesionales, mostraron gran interés por documentar la llegada del progreso y la modernidad a la ciudad a finales del siglo XIX, algo que queda reafirmado con el proyecto de creación del Gabinete Fotográfico de Medicina y Ciencias.

Por ello, la construcción del nuevo edificio proyectado por Ricardo Magdalena para las Facultades de Medicina y Ciencias no pasó desapercibida para estos hermanos que, a través de su cámara, documentaron este hito arquitectónico. Tanto es así que, con motivo de la inauguración del edificio en 1893 y en dedicatoria a la infanta Isabel de Borbón, se publicó un álbum fotográfico que contaba con 24 imágenes tomadas por el objetivo de los Villuendas. Los positivos, acompañados por una reproducción fotográfica del plano del edificio Paraninfo, nos permiten visualizar la evolución constructiva del inmueble y de los pabellones anejos poco antes de su apertura, el 18 de octubre de 1893.

Con motivo del aniversario del edificio Paraninfo, se procedió a la investigación, restauración y digitalización del reportaje fotográfico completo, del cual se seleccionaron 33 imágenes para la exposición El Paraninfo de Zaragoza, 125 años. Las fotografías de los hermanos Villuendas Torres. Esta muestra tuvo lugar entre el 18 de octubre de 2018, coincidiendo con la fecha de la inauguración del edificio en 1893, y el 2 de febrero de 2019.

Santiago Ramón y Cajal habla de esta fotografía en sus memorias: «Retrato de médico militar hecho al embarcar para Cuba. La fotografía, muy inexperta entonces, deja mucho que desear», Recuerdos de mi vida, 1923 (3.ª edición)

Santiago Ramón y Cajal (Petilla de Aragón, 1852-Madrid, 1934) fue un importante médico y neurocientífico español. Ganó el premio Nobel de Fisiología o Medicina en 1906 por sus contribuciones al conocimiento de los tejidos nerviosos, concretamente la constatación de la independencia de las células neuronales y los procesos que permiten la comunicación entre ellas. Estudió la carrera de Medicina en la Universidad de Zaragoza, y ocupó las cátedras de Histología en la Universidad de Barcelona, y de Histología e Histoquímica Normal y Anatomía Patológica en la Universidad Central de Madrid. Fue el primer director de la Junta de Ampliación de Estudios (JAE), predecesora del Consejo Superior de Investigaciones Científicas.

Retrato sedente de una figura masculina de avanzada edad que se corresponde con el catedrático y rector de la Universidad de Zaragoza, Paulino Savirón Caravantes. El personaje viste toga negra con bocamangas de encaje en tonos rosados y muceta oscura sobre la que destacan tres condecoraciones y el collar con la insignia rectoral. Los codos apoyan sobre los brazos de un sillón frailero, mientras con la mano derecha sujeta un par de guantes blancos. El fondo es neutro de un color oscuro.

Esta obra sigue iconográficamente el Evangelio de San Lucas (2, 6-14), representándose el momento en que la Virgen y San José aparecen arrodillados y en actitud orante ante el lecho de paja en el que descansa el niño. Un buey proporciona calor a la improvisada cuna, y en segundo plano acuden a la escena un ángel niño y un pastorcillo portando una vela levemente encendida. Al fondo se distingue ligeramente el pesebre con techo de cañas y paja, a la vez que en la parte superior un coro angélico entona cánticos de alabanza sustentando una partitura musical y ante un rompiente de gloria. La Virgen viste túnica rosa y manto azulado mientras San José porta rústicos sayales de tonos agrisados y ocres. 

La composición del cuadro, en visibles líneas diagonales, y la estructuración de planos recuerdan las obras del último manierismo, así como las formas del coro de ángeles, en claro rompiente de gloria, y el tono acusadamente prototenebrista que anuncia los prolegómenos del barroco. Estos recuerdos manieristas son especialmente significativos en la figura de la Virgen, elegantemente dispuesta en ritmos sinuosos y visiblemente idealizada. El tono general de la composición sigue muy de cerca la Adoración de los pastores de Jacopo Bassano conservada en el Museo del Prado, obra de la que existen abundantes versiones de artistas españoles, de finales del siglo XVI y principios del siglo XVII.

Paisaje en el que se describe, en primer término, un camino en perspectiva, rodeado de matorrales y arbustos en semipenumbra, que conduce por el fondo a una población cuyos edificios se recortan sobre un cielo tormentoso y crepuscular. El pintor Ramos Artal fue discípulo de Carlos de Haes y siguió sus enseñanzas e interés por el paisaje y los efectos atmosféricos, pero con tonos y efectos de semipenumbra mucho más acusados y personales, como se advierte en este paisaje. Fruto de esa disposición del autor es este cuadro, en el que ha tratado de captar la sensación atmosférica producida por la masa de nubes. Utilizó para ello una gama de tonos fríos pero adecuados al ambiente, y aunque no parece acercarse a los secretos de los impresionistas (recuérdese que el cuadro lleva por título "Impresión de lluvia"), sus procedimientos resultan verdaderamente innovadores al utilizar en la parte inferior del lienzo la técnica de mancha, con amplios y generosos empastes aplicados parcialmente a espátula, lo que provoca un efecto de gran abstracción.

Esta obra perteneció al antiguo Museo de La Trinidad en Madrid, según la signatura T. 848 que conserva en el ángulo inferior derecho. Actualmente, y tras ser cedida en depósito a la Universidad de Zaragoza por Real Orden de 26 de junio de 1892, figura en los catálogos del Museo del Prado con el nº 7075. Participó en la "Exposición del Patrimonio Artístico de la Universidad de Zaragoza", conmemorativa del IV centenario de su fundación (antigua Facultad de Medicina y Ciencias, 1983).

Una de las más interesantes estampas de la serie, tanto técnica como temáticamente. La manera de distribuir las luces y sombras  es completamente aleatoria, sin planteamiento realista y dando un resultado peculiar. En el centro de la composición aparece una maja con gesto altanero, relacionándose con un personaje masculino con aspecto de petímetre andaluz. A la izquierda se encuentran dos viejas cuchicheando sobre la escena de los jóvenes. Probablemente los personajes sean la reina María Luisa y su favorito Godoy, citándose gracias a las alcahuetas.

Más información sobre esta edición aquí.

Copia original de época en blanco y negro. Formato horizontal. Vista de un ángulo del patio de la casa de Zaporta ó de la Infanta, según reza en el ángulo inferior izquierdo, donde se distinguen 4 columnas del piso inferior decoradas con estípites. En la pared de la izquierda se aprecia un carro y un rótulo: "ALMACEN DE PAPELES PINTADOS, MUEBLES DE TAPICERÍA HIPÓLITO LOSCOS", y en la de la derecha, arco con la escalera de acceso al piso superior con antepecho de medallones con bustos, galería de arcos de medio punto con columnillas abalaustradas y un gran alero tallado.

El Atlas Histórico de Anatomía de la Facultad de Medicina, conocido comúnmente como el Atlas anatómico de Cajal, en alusión a su principal auto, es una pieza de extraordinario valor histórico, científico y artístico. De grandes dimensiones –cerca del metro y medio de longitud– para cumplir con solvencia su función didáctica en ausencia de proyectores, el Atlas está compuesto por 34 hojas que contienen un total de 49 dibujos realizados con tizas de colores o pasteles y pequeños toques de carboncillo, la mayoría sobre papel azul a excepción de las cinco últimas, en tela de color crudo. Temáticamente se distinguen tres grupos: una primera serie de Anatomía topográfica, seguida por varias ilustraciones neurológicas, y finalmente un conjunto de temática y estilo plástico más variado.

La cronología de esta obra no es fácil de determinar, pero parece seguro que se inicia con la realización por parte de Santiago Ramón y Cajal de las primeras ilustraciones, a las que se fueron incorporando posteriormente las realizadas por otros docentes e investigadores. Existen dos momentos en los que podría situarse el origen de esta obra: 1877, fecha en que Cajal es nombrado auxiliar interino, o entre 1879 y 1883, intervalo en que Cajal ostenta el cargo de director del Museo Anatómico de la Universidad de Zaragoza.

De los cuarenta y nueve dibujos conservados, los doce primeros han sido tradicionalmente atribuidos a Santiago Ramón y Cajal. Algunos de ellos están firmados por el autor como “S. Ramón” o “SRC”. Estos primeros dibujos, de Anatomía topográfica y magnífica factura, podrían no ser los únicos realizados por Cajal, ya que los de asunto neurológico que los siguen, aunque no presentan firma, son innegablemente cajalianos y pueden reconocerse entre los publicados en sus escritos como complemento fundamental a sus teorías. Finalmente, entre los dibujos pertenecientes al último grupo hallamos algunas firmas, anagramas y fechas, que situarían las últimas incorporaciones en la primera década del siglo XX y que cierran una de las piezas más sobresalientes del patrimonio cultural de la Universidad de Zaragoza.

Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

“Después de pasar dos temporadas en barbecho, Ernesto Caballero, nuevo director del CDN, me ofrece la posibilidad de retomar el proyecto de cartelería. Pone una condición: no recurrir a ninguno de los registros utilizados en temporadas anteriores. Descartada la ilustración, la silueta, el icono, el collage fotográfico, la máscara, y el objeto, solo cuento con letras y palabras como aliados” de este modo, y tal y como cuenta Isidro Ferrer en el catálogo de la exposición, sus nuevos carteles para el Centro Dramático Nacional pasan a ser protagonizados por letras y palabras como vemos en este, y otros casos.

Niño con corderos es un grabado perteneciente a una edición póstuma de la colección de grabados que María Cruz Sarvisé donó al ayuntamiento de Fuendetodos. La edición consta de 130 ejemplares, 120 numerados y firmados, y 10 P.A. ? QUE ES ESO. Este ejemplar es el número 110 y está firmado por la autora.

La imagen consiste en un niño con un grupo de siete corderos. Los corderos ocupan el lado izquierdo del grabado.  En el centro de la imagen, el niño, que viste jersey oscuro, pantalones claros y zapatos, interactúa con uno de los animales. Tras él, se extiende hacia la derecha un monte, que cuenta con tres grandes árboles.

En cuanto a la forma y estilo, destaca la línea limpia y precisa, y la perspectiva caballera, sin profundidad, que apila los objetos unos encima de otros. Es el caso por ejemplo de los corderos, que se disponen unos encima de otros, erguidos o sentados. La pigmentación abarca una gama de marrones, que se concentran especialmente en la parte inferior de la pieza.

La estampación se realizó en el Taller de Grabado Fuendetodos por Natalia Royo Parache, del taller de obra gráfica Tintaentera. 

María Cruz Sarvisé Laiglesia (Zaragoza, 1923 - Huesca, 2023) se cría entre Huesca y Zaragoza. Realizó los estudios de Bellas Artes en la Llotja, y más tarde se forma especialmente en la técnica del grabado durante viajes a Italia, Holanda, Francia y Alemania. Ejerció como profesora de dibujo en Sabiñánigo durante más de veinticinco años, y posteriormente en la ciudad de Huesca. Se la ha considerado la más importante pintora altoaragonesa del siglo XX. En mayo de 2023 se le hizo entrega de la Medalla de Oro de la Real Academia.

Ventana cuadrada con una cruz griega formada por dos neones, uno de color azul (vertical) , y otro amarillo (horizontal).

Composición abstracta formada por dieciséis cuadrados regulares separados por gruesas líneas en blanco, que combinan entre sí formas geométricas a modo de pirámides invertidas en tonos azules, grises y blancos.

Retrato de busto de una figura masculina que se corresponde Eduardo Respaldiza Ugarte, decano de la Facultad de Veterinaria de la Universidad de Zaragoza.

Eduardo Respaldiza Ugarte, nació en Álava en 1892 y estudió en la Escuela Superior de Veterinaria de Madrid. Desempeñó la Cátedra de Anatomía Descriptiva, Embriología y Teratología de la Escuela de Veterinaria de Santiago de Compostela, y en 1921 la de Enfermedades Parasitararias e Infectocontagiosas de la Escuela de Zaragoza. Fue el primer decano de la facultad e impulsó la construcción del nuevo edificio.

Escena costumbrista en blanco y negro de estilo dieciochesco, en la que se reproduce el momento de celebración de un matrimonio entre lo que parece un grupo de nobles.

Retrato caricaturesco de una figura masculina con el rostro en posición tres cuartos. El personaje es un hombre moreno con gafas que viste traje de chaqueta y tiene las manos cogidas delante del cuerpo.
Cartel que publicitaba el chocolate soluble "Nescao". Caricaturas encargadas por la marca Nestlé, sobre los políticos del primer gobierno de la II República.

Retrato sedente de una figura masculina en posición tres cuartos. El personaje viste toga negra con bocamangas de encaje y muceta azul, sobre la que destaca una condecoración. Porta el collar con la insignia rectoral y una banda blanca y oro.  Su mano derecha apoya sobre  una mesa con tapete rojo de damasco, sobre la que se observan varios libros y un birrete azul.

Composición abstracta a partir de motivos circulares y ovales en diferentes texturas. Juego de tonalidades, desde el blanco al amarillo dorado, y de texturas al superponer un papel traslúcido, en el centro, de carácter orgánico, pegado a una cartulina blanca a modo de paspartú. Forma parte de la colección "Entre paredes".

Este cartel forma parte de la exposición "Papeles de culto" que tuvo lugar en el Centro Cultural Cinematográfico Fresa y Chocolate (La Habana) entre diciembre de 2013 y enero de 2014. Se trata de la sala de exposiciones del ICAIC (Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos), institución fundada en 1959 cuyo objetivo es promover el cine a través de una amplia gama de actividades, como la producción de cine y televisión o la presentación anual por toda Cuba de numerosas películas de producción local e internacional. Para cada una de ellas se crea un cartel único, diseñado por un artista gráfico cubano. El ICAIC imprime la mayoría de sus carteles de cine diseñados originalmente como serigrafías en formato de 76 x 50 cm. y se distribuyen por todo el país destacando el importante papel que el cine y las artes visuales desempeñan en la actualidad cubana. Los carteles se hacen totalmente a mano y durante el proceso de serigrafía se corta un plano individual para cada color, que se aplica individualmente y necesita 24 horas para secarse antes de poder aplicar el siguiente color.

Esta colección de 15 carteles fue donada en 2014 por la Universidad de La Habana a la Universidad de Zaragoza, unidas a través de la Cátedra José Martí.

Copia original de época en blanco y negro. Formato horizontal. Puerta de Nuestra Señora del Carmen, según reza en el ángulo inferior izquierdo. Vista frontal de la puerta, con un vano central de mayor tamaño y otros dos laterales más pequeños. A la derecha del vano central se encuentra una figura masculina sedente, con gorra y portando algo en las manos. A través del vano central, podemos apreciar una arboleda y un carro tirado por un caballo que se dirige hacia la puerta. Por la parte superior de la puerta, sobresalen las copas de los árboles. A la derecha, se aprecia el medianil y parte del frontal con un vano de un edificio de viviendas, además de parte de la cubierta.

Cuadro formado por tres lienzos, donde se puede observar una rana dentro de un espacio interior, en el fondo parece verse el perfil de una ventana. Realizado en tonos azules.

Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

“Algunas mañanas abordo el día siendo A. Erguido, altivo, con las piernas abiertas bien plantadas sobre el firme. Otras mañanas lo hago siendo O, dispuesto a rodar en el primer tropiezo. Desde el principio, incluso antes de que Fernando Lasheras me descubriera la edición de Typoésie de Jérôme Peignot, o de que La cantatrice chauve interpretada por Massin llegara a mis manos, el uso gráfico de la tipografía ha despertado todo mi interés por hacer de puente entre lo visible y lo legible. Quizás tenga que ver con que mi abuelo Juan fuera tipógrafo” cuenta Isidro Ferrer en el catálogo de la exposición con respecto a este cartel, en el que unas cerillas prendidas dibujan la letra K.

Esta imagen muestra a Pabla Ramón y Cajal paseando en el bosque de San Juan de la Peña, en el tiempo en el que estuvo cuidando de su hermano Santiago mientras estaba convaleciente en el monasterio tras su paso por Cuba. Cajal recuerda este tiempo de recuperación en sus memorias con este pie de fotografía: «Bosque de pinos situado en la cima del Monte Pano, en donde convalecí de la tuberculosis». Recuerdos de mi vida, 1917

Otras fotografías de San Juan de la Peña en esta colección: A-920, A-921, A-922, A-923, A-924, A-925, A-926.

Santiago Ramón y Cajal (Petilla de Aragón, 1852-Madrid, 1934) fue un importante médico y neurocientífico español. Ganó el premio Nobel de Fisiología o Medicina en 1906 por sus contribuciones al conocimiento de los tejidos nerviosos, concretamente la constatación de la independencia de las células neuronales y los procesos que permiten la comunicación entre ellas. Estudió la carrera de Medicina en la Universidad de Zaragoza, y ocupó las cátedras de Histología en la Universidad de Barcelona, y de Histología e Histoquímica Normal y Anatomía Patológica en la Universidad Central de Madrid. Fue el primer director de la Junta de Ampliación de Estudios (JAE), predecesora del Consejo Superior de Investigaciones Científicas.

Retrato sedente en posición tres cuartos de una figura masculina que se corresponde con el catedrático de electricidad y magnetismo y rector de la Universidad de Zaragoza, Juan Cabrera Infante. El personaje viste toga y muceta negras con una banda de color granate sobre los hombros de la que pende una medalla. Fondo compartimentado, de inspiración neocubista, en amarillo, verde y azul.

Aquí se plasma como una mujer está ofreciendo un plato de comida a un grupo de indigentes que están asolados por la hambruna y mellados por la contienda, Goya aquí refleja la escasez de medios que había durante el conflicto bélico y como la caridad de algunas personas ayudó a mantener ciertos reductos y grupos poblacionales. Por otra parte plasma también la insolidaridad de las clases más acomodadas y la ayuda desinteresada que ofrecían algunos que no tenían recursos en exceso. Vemos de nuevo como nos sitúa en un exterior el cual, en este caso, nos coloca una ventana y un muro como referencias arquitectónicas. Se constata de nuevo el dominio de las tintas que tiene cargando en algunas zonas el grabado mientras que en otras apenas lo hace, dejando grandes lagunas blancas.

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Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

Con respecto a este cartel, Isidro Ferrer señala en el catálogo de la exposición “En diseño se concede un alto valor al razonamiento lógico y apenas ninguno a lo que los griegos denominaban metis y que es lo más parecido a un razonamiento útil, una mezcla entre intuición y olfato”. De este modo, a través del extrañamiento de la figura, en la que se ve como la nariz ha sido sustituida por un pie, el diseñador crea una imagen que juega e ilustra de alguna forma la idea explicada anteriormente.

Esta obra forma parte de la serie Valle de Tena, que la constituyen cuatro dibujos a carboncillo del polifacético artista Mariano Anós.

El autor relaciona sus poemas con su obra pictórica. En este caso, dentro del libro Del natural (2014), en el cuaderno de poemas Monte, incluye dos fragmentos sobre el Valle de Tena, en los que hace referencia a su serie de dibujos dedicados a este valle pirenaico. Con ello pretende representar la interdependencia entre ambas disciplinas artísticas en su obra.

Tanto en sus poemas como en sus dibujos hace referencia a los mismos elementos de la naturaleza: a la nube, al rio, al monte, al árbol y al caballo. En esta obra se muestra a uno de los caballos a los que hace referencia.

La serie Valle de Tena formó parte de la exposición ‘Iluminaciones’, muestra que indagó en la producción plástica de tres poetas aragoneses: Luis García-Abrines, Emilio Gastón y Mariano Anós, los cuales plasman, por medio de esta disciplina, lo que no puede ser expresado por medio de la palabra.

 Más de 60 obras, entre poemas, libros, esculturas, pinturas, dibujos, collages, fotografías, procedentes de colecciones públicas y privadas, crearon el hilo conductor de Iluminaciones.

Fotografía en blanco y negro de formato horizontal. En ella se aprecia al fondo la plaza de toros de Teruel y en primer término los carros de combate y algunos miliciano que caminan de espaldas al espectador. Publicada en La Vanguardia y Última Hora

En la escena principal una figura masculina a la derecha, aparece iluminando a la virgen que aparece en la parte de la izquierda. Bajo la figura masculina, que podría tratarse de San Pedro, aparecen dos angelotes celebrando la situación. Parece que la virgen asciende al cielo dejando atrás el infierno, representado por el dragón en la parte inferior de la escena.