Patrimonio Cultural
Universidad de Zaragoza

Composición abstracta de líneas ondulantes y orgánicas en tonos blancos y verdes de marcada luminosidad, sobre fondo oscuro que otorga volumetría y movimiento a las mismas.

Un anciano aparece sentado en primer término con los pies sobre una esfera,en sus piernas apoya un libro abierto sobre el que está escribiendo, sus orejas han sido sustituidas por alas de murciélago y la estructura de sus manos y  pies así como las largas uñas les da una apariencia de garra animal, más que de extremidades humanas. Al fondo de la escena unos personajes por sus gestos, con los brazos levantados o la cabeza agachada apoyada entre sus brazos, dan muestras de desesperación.Forma parte de los llamados Caprichos enfáticos, haciendo alusión a la vuelta del periodo absolutista con Fernando VII, en los que Goya a través de un lenguaje alegórico realiza una dura crítica a las políticas y medidas que se tomaban, el lenguaje que utiliza hace complicada su interpretación.En este caso se puede hacer referencia a la figura de un legislador como reza el título del grabado legislando  "contra el bien general",  como consecuencia de sus acciones el hombre pierde su condición humana, sufriendo un proceso de animalización. La fuente de este lenguaje alegórico está en el libro de Giambattista Casti "Los animales parlantes", donde a través de la fábula se critica el poder corrupto y la pérdida de la libertad.

Más información sobre esta edición aquí.

Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

Este cartel es fruto, según cuenta Isidro Ferrer en el catálogo de la exposición, de “una invitación de Peret para participar junto a Raúl, Marc Taeger y Flavio Morais en la exposición Vivamus de la galería Anatome de París”. En este caso el diseñador vuelve al igual que en otras composiciones previas, a hacer uso de objetos, como el zapato de madera que aquí vemos, el cual se ha transformado en una barca al contar ahora con dos remos en los extremos.

Ilustración de Luis Grañena temáticamente adscrita al ámbito de la política internacional, concebida para el periódico La Tercera (Chile), en la que se representa una caricatura de Kim Jong Un, Líder supremo de Corea del Norte desde 2011. Aparece con gesto severo y su pecho se muestra como germen de una bomba nuclear, haciendo un guiño a las tensiones políticas del país.

Esta ilustración formó parte de la muestra “Nunca olvido una cara…pero con la suya haría una excepción”, organizada por el Vicerrectorado de Cultura y Proyección Social, en la que se expusieron 74 ilustraciones, producidas con motivo de la muestra, y que engloban la presente colección –representativa de la rica y amplia trayectoria del caricaturista Luis Grañena–, y varios ejemplares de revistas y periódicos con los que ha colaborado a lo largo de su carrera. La exposición se dividió en varios ámbitos temáticos, en los que se dieron cita destacados personajes del siglo XX y XXI, referentes de la política nacional e internacional, el cine, el deporte, la música o la literatura.

Licenciado en Historia del Arte, Luis Grañena se inició en infografía en el Heraldo de Aragón. Pronto dio el salto al dibujo y fue trabajando un estilo personal y característico con el que dar vida a personajes a través de sus ilustraciones. A las espaldas de Grañena se pueden contar más de 3000 caricaturas, muchas de ellas han ilustrado las páginas de periódicos locales como Heraldo de Aragón –durante casi una década–, y ha colaborado también de manera habitual en prestigiosas editoriales del ámbito nacional e internacional, como The New Yorker (USA), The Independent (UK), Liberation (Francia), La Tercera (Chile), Sábado (Portugal), El País, Vanity Fair o La Vanguardia (España).

Fotografía en blanco y negro de original composición donde se observa el manillar de una motocicleta en primer plano, desde el punto de vista del conductor, y detrás varios niños y niñas observando curiosos el vehículo en la calle. El retrovisor ocupa el centro de la imagen y se distingue el reflejo en un señor, posiblemente el conductor. Forma parte de los positivos que se expusieron en la muestra "La caja de galletas. El autor y su obra" que se llevó a cabo en la Casa Molino de Ángel Ganivet de la Diputación de Granada en 2010. La serie de fotografías fueron halladas por los hijos del fotógrafo en una caja de galletas en su estudio, que albergaba 800 negativos de imágenes que fueron tomadas en su época como fotoperiodista y, también, a la vuelta de su exilio en Francia. 

En el centro de la escena la Virgen parece ascender hacia el cielo, rodeada de querubines por todos sus costados que forman una nube de humo celestial. Los ropajes se elevan con la figura femenina. 

Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

Con respecto a este cartel, Isidro Ferrer cuenta en el catálogo, “El ciervo con astas de lápiz, realizado a partir de un masajeador de madera, nace como una propuesta para la campaña de navidad de Nature et Découvertes, pero encuentra su definitivo uso a 9000 km de distancia” De este modo el reno de madera ocupa el cartel con sus grandes astas terminadas en puntas de lapiceros y da rostro a un catálogo iberoamericano de publicaciones infantiles y juveniles.

María del Pilar Amparo Poch y Gascón (Zaragoza, 1902 - Toulouse, Francia, 1968). Licenciada en Medicina en 1929

Amparo Poch se matriculó en Medicina en 1922, en contra de la voluntad de su padre que no le había permitido matricularse anteriormente. Fue una de las primeras alumnas de la facultad de Medicina en licenciarse, en 1929, consiguiendo el Premio Extraordinario y matrícula de honor en todas las asignaturas.

En cuanto a su labor profesional, instaló en Zaragoza su «Clínica Médica para mu­jeres y niños, con horario especial para obreras», posteriormente se trasladó a Madrid donde creó otra clínica similar. Fue pionera en medicina preventiva y en métodos sobre el control de natalidad, publicando artículos científicos muy importantes al respecto. Fue una auténtica defensora del papel de la mujer en su labor profesional durante toda su vida y destacó también por su compromiso social. Así, durante la Guerra Civil, se incorporó como doctora miliciana y asumió la labor de formación en Primeros Auxilios para las Brigadas de Salvamento.

Por su implicación política y, a favor de la república, tuvo que exiliarse a Francia donde se le prohibió hasta 1944 ejercer su profesión. Tras este capítulo de su vida trabajó para ayudar a los refugiados españoles y para la Cruz Roja Republicana Española.

El 8 de marzo de 1910, momento en el que a través de una Real Orden se autorizaba por primera vez y por igual la matrícula de alumnos y alumnas, se abrió la puerta de la Universidad a todas aquellas mujeres que habían visto imposible su acceso a estudios superiores.

El proyecto PIONERAS, que inició su andadura en 2019, tiene como objetivo fundamental recuperar la memoria de todas aquellas primeras tituladas de la Universidad de Zaragoza. Como consecuencia surgió PIONERAS ILUSTRADAS, un proyecto de la mano de quince ilustradoras aragonesas o afincadas en Aragón, que ponen rostro a las primeras quince pioneras de la Universidad de Zaragoza, las cuales se incorporaron a las aulas de diferentes ramas del saber, tales como Química, Historia, Derecho, Medicina o Matemáticas y abrieron paso a muchas otras.

Ante la ausencia de imágenes en muchas de sus biografías, queremos imaginarlas en sus laboratorios, rodeadas de libros o por los pasillos de edificios como este Paraninfo, antigua Facultad de Medicina y Ciencias.

Composición abstracta compuesta por formas irregulares en color negro, dos cruces, una roja y otra azul, sobre manchas de color rojas, amarillas y marrones.

Se puede ver otro ejemplo de la tirada en A-288, A-468, A-469

El original se puede ver en A-98

Llanura con campos de cultivo, separados con una hilera de árboles en el centro.

Retrato de busto de una figura masculina que se corrsponde con Antonio Bobadilla Brieba. Formado en la Escuela de Veterinaria de Madrid, formando parte de la primera promoción bajo la dirección de Segismundo Malats.Posteriormente fue catedrático en Anatomia.

Fotografía en blanco y negro en la que aparecen tanques rusos y tropas del ejército repubicano en la avenida Segorbe frente a la plaza de toros de Teruel.

Más información sobre la Colección Agustí Centelles i Ossó aquí.

Fotografía en blanco y negro. Formato horizontal. Tomada desde el ruedo, la fotografía muestra a un toro moribundo desplomándose sobre la valla del perímetro, observado por los toreros y por el resto del público en el graderío. "Herrerín", atento, contempla el culmen de su faena esperando a que el animal, ya con la espada clavada, finalmente muera.

Este retrato de Miguel de Oquendo y Segura, pertenece a la serie Varones Ilustres de la Marina Española, actualmente colección del Museo Naval de Madrid. Aparece retratado en posición de tres cuartos, personalizado con su bigote y perilla canosa. Ataviado con armadura en los hombros y la banda de la escuadra de Guipuzcoa. Bajo esta última se observa parte de una venera con la cruz de la Órden de Santiago, que representa el hábito que le fue concedido al participar en la batalla naval de San Miguel (Azores) y que le dotó de notoriedad. 

Miguel de Oquendo en sus primero años de trabajo siguió el oficio de su padre como cordelero, y también como comercial marítimo en Sevilla. Fue al casarse con María de Zandategui, cuando adquirió un verdadero reconocimiento. Para esta empresa organizó la Escuadra de Guipúzcoa, recurriendo a tropas de minería, y consiguiendo un motín de la gente de mar de la zona de San Sebastían, y en general de toda la población guipuzcoana. 

Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

“Invitado por Gerardo Vera, me hago cargo de la comunicación gráfica del Centro Dramático Nacional de España (CDN). En las dos primeras temporadas formo equipo con Nicolás Sánchez. La síntesis icónica y el uso de la paradoja visual son la seña de identidad de mi regreso al teatro desde el otro lado del papel” cuenta Isidro Ferrer en el catálogo de la exposición con respecto a este cartel, en el que la antena del móvil se convierte en la cola de un escorpión

Ilustración de Luis Grañena temáticamente adscrita al ámbito del deporte, concebida para el periódico Contexto, en la que se muestra de manera caricaturizada a Cristiano Ronaldo, futbolista portugués, uno de los jugadores más goleadores de la historia y de su tiempo. Se le representa en su época como jugador del Real Madrid y haciendo un guiño a su carácter vanidoso.

Esta ilustración formó parte de la muestra “Nunca olvido una cara…pero con la suya haría una excepción”, organizada por el Vicerrectorado de Cultura y Proyección Social, en la que se expusieron 74 ilustraciones, producidas con motivo de la muestra, y que engloban la presente colección –representativa de la rica y amplia trayectoria del caricaturista Luis Grañena–, y varios ejemplares de revistas y periódicos con los que ha colaborado a lo largo de su carrera. La exposición se dividió en varios ámbitos temáticos, en los que se dieron cita destacados personajes del siglo XX y XXI, referentes de la política nacional e internacional, el cine, el deporte, la música o la literatura.

Licenciado en Historia del Arte, Luis Grañena se inició en infografía en el Heraldo de Aragón. Pronto dio el salto al dibujo y fue trabajando un estilo personal y característico con el que dar vida a personajes a través de sus ilustraciones. A las espaldas de Grañena se pueden contar más de 3000 caricaturas, muchas de ellas han ilustrado las páginas de periódicos locales como Heraldo de Aragón –durante casi una década–, y ha colaborado también de manera habitual en prestigiosas editoriales del ámbito nacional e internacional, como The New Yorker (USA), The Independent (UK), Liberation (Francia), La Tercera (Chile), Sábado (Portugal), El País, Vanity Fair o La Vanguardia (España).

Retrato de una figura masculina de casi cuerpo entero y en posición de tres cuartos, representado con armadura militar y el hábito de la orden capuchina bajo ella, exhibiendo sobre el pecho una cruz de Malta y llevando en la mano derecha un pergamino. Al pie del cuadro se distinguen una corona y algunas banderas. Tiene el blasón heráldico en la parte superior izquierda. 

La recolección de la mies corresponde en las series zodiacales al mes de agosto, bajo la tutela de la diosa Ceres, de acuerdo a como se representaba ya en los calendarios medievales. De forma tradicional, este tapiz es conocido como Las espigadoras, en alusión a la recolección del grano representada en el campo central del paño. La escena ocurre al aire libre y el paisaje es protagonista importante. Como era habitual, el tapiz formaría parte de una serie denominada de los "Meses"  o también llamada del "Zodíaco" y de las "Doce edades del hombre", series frecuentes en las tapicerías del siglo XVI. 

Sorprenden los detalles de vida cotidiana que se tejieron en el campo del tapiz, con información sobre tareas agrícolas y los instrumentos propios de esta actividad humana. En primer plano están recolectando la mies las mujeres y un hombre, y otro está de pie llevando una gavillera. En el fondo aparece un hombre con un rastrillo segando la hierba, mientras otros están cargando las gavillas del trigo recogido en una carreta para almacenar el grano en el granero, construcción de arquitectura popular del mundo rural nórdico. El realismo tan propio del arte flamenco, se advierte en estas escenas secundarias referentes al trabajo agrícola, en contraste con la belleza de las muchachas de tono rafaelesco. 

Por otra parte, la semántica del tapiz es más compleja por el carruaje triunfal que hay a la izquierda, donde está sentado bajo dosel, un rey con corona y cetro. Va escoltado por hombres con armadura "a la romana" y picas, mientras el carro es tirado por dos caballos ricamente enjaezados. En el arte del Renacimiento resurge el tema de los carros triunfales, teniendo como fuente literaria principal los Trionfi del Canzionere de Petrarca (1470). 

La orla es muy rica de motivos, con la característica de los talleres bruselenses desde mediados del siglo XVI. Primero hay una cenefa más estrecha de elementos geométricos entrelazados y después viene la otra más ancha, con temas vegetales, florales, mitológicos, escenas de caza, juegos y alegorías, aves y otros animales.

El autor del cartón dispuso en las borduras de caída, una composición simétrica y en la cenefa de corrida, tanto la de arriba como la de abajo, se repite también la iconografía. En éstas últimas, de izquierda a derecha, se tejieron los siguientes motivos: alegoría de la música (golpea el triángulo con una varilla y tiene colocados en la base unos anillos metálicos, que daban una sonoridad especial), sátiro que se recuesta en un sencillo carro (lleva una espiga de trigo en una mano y en la otra un pájaro), aves (se reconoce un papagayo), frutos, putto subido a un extraño artilugio que parece un arado con rueda en la parte delantera, joven haciendo rodar un arco delante de una jugosa vegetación, arco sostenido por atlantes que deja ver un paisaje campestre donde hay casa y una escena de caza: un lobo lleva en sus fauces una oveja y el montero lo alancea, mientras un jinete se acerca acompañado del perro situado detrás del caballo. Esta representación arquitectónica y paisajística figura en el centro de la orla y al otro lado continúan desplegándose flores y frutos a modo de sucesivas  guirnaldas, además de aparecer un ave rapaz, un camafeo , pájaro, caracol, y niño vestido junto a una fuente; termina con un camello tirando de un conjunto de flores y frutos donde se balancea un niño haciendo sonar un instrumento de viento.

En las cenefas de caída, varía la iconografía y están divididas en compartimentos. La del lado izquierdo comienza con una imagen de la diosa Venus bajo dosel, que acompañada por Eros que lleva el arco para lanzar las flechas del amor. Finaliza con Marte dios de la guerra, vestido con atuendo militar, sujetando escudo y lanza, mientras las otras armas están a sus pies o detrás; se encuentra cobijado por guirnaldas vegetales y en los extremos aparecen estípites. El centro de la orla lo marca un arco de arquitectura (imita la pérgola de los jardines), casi tapado por racimos de uva, que se abre a un paisaje donde hay una escena de caza. Arriba aparecen dos grullas y abajo un arco apoyado en sendos pilares con adornos de máscaras (recuerdan modelos de teatro clásico y surgen en otras partes de esta cenefa de caída), cobija a un jarrón repleto de flores y junto a la base se encuentran niños con sendos escudos; uno sujeta una antorcha y el otro un estandarte. El recipiente apoya en un medallón donde hay un búho.

La cenefa lateral derecha se inicia con la personificación de la virtud de la Esperanza bajo dosel. Tiene las manos junta, al modo que la había representado Rafael en las logias del Vaticano y luego pasará al mundo de la tapicería, como sucede en la cenefa de caída del paño Cámara nupcial de Herse (h. 1570), de la serie "Los amores de Mercurio". Termina esta cenefa con la alegoría de la Prudencia, reconocible por sujetar a una serpiente.  "Sed, pues, prudentes como serpientes", dice el evangelista Mateo (Mt. 10, 16). El resto de la composición reitera la estructura y elementos de la cenefa del lado izquierdo, sólo varía algo la escena de caza: un jinete alancea a un ¿jabalí? y dos perros se lanzan hacia la presa. 

La orla que ensalza disfrutar de la naturaleza y de la caza, completa la actividad agrícola del campo tapiz, además sirve para matizar el efecto de perspectiva. Probablemente en las cenefas del resto de los paños de la serie, no identificados o perdidos, se tejieron personificaciones de otras virtuddes y alegorías. Algunos motivos de esta orla los encontramos en grabados de maestros flamencos.

Más información sobre la Colección de Tapices de la Universidad de Zaragoza aquí.

Paisaje con campos de labor y una casa en primer término, con un horizonte muy bajo y el cielo ocupado por grandes nubes en forma de cúmulos.

Composición formada por tres figuras de busto, de jóvenes con rostros adustos, pelo rapado, gafas idénticas de gruesa montura y tres cruces en sus frentes. Bajo las figuras, sobre mancha roja, aparece la leyenda: «UVE UVE OSCA». 

Con motivo del montaje urbano UVE UVE OSCA celebrado en Huesca el día 23 de Abril de 1985, se estamparon 40 serigrafías en papel ALMUDENA. Fueron firmados y numerados a mano por su autor ENRIQUE TORRIJOS del 1 al 40 y del I al X como prueba de autor. Se acabó de estampar en Huesca en los talleres de MARGEN el 21 de Abril de 1985. Serigrafía n.º 26

Fotografía en blanco y negro, formato horizontal. Un grupo de jóvenes disputa un partido en un descampado cercano a la Azucarera (cuya torre podemos ver al fondo recortando el cielo). Una multitud de espectadores se agolpa en el perímetro del descampado para seguir atentamente lo que sucede en el juego. Como telón de fondo los edificios y la torre ya descrita.

Lo que representa Goya en el grabado son los efectos que ha tenido un bombardeo en el interior de una casa.  Se muestra aquí, una vez más, los resultados desastrosos y consecuencias que tiene la guerra. Las tintas en el fondo están recargadas generando una luz limitada en gran parte a los cuerpos yacentes, creando así de esta manera una atmósfera tenebrosa. Las posturas de los cuerpos contribuyen a esa sensación de inestabilidad y angústia. Esta pieza se debe de relacionar con la número 41 de la misma serie Escapan entre llamas. Se dice que en gran parte aquí Goya confronta lo que es la catástrofe con lo sublime, impidiendo así operar a nuestra razón.

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Composición abstracta por elementos geométricos cuya gama cromática se centra en el rojo, negro y gris rojizo contrastado con el fondo blanco. La obra fue portada de la revista Artigrama  número 16 (2001)

Díptico en el que ambos lienzos muestran grandes planos de color geométricos, que presentan cierto degradao o claroscuro, recortados, en tonos verdes y azules, atravesados por un plano diagonal púrpura. 

La obra viene acompañada por 16 fotografías que muestran el proceso de realización, en las que se aprecia perfectamente la técnica utilizada por el artista: superposición de papeles de periódicos y cinta de carrocero con el fin de tapar zonas concretas del lienzo sobre las que se aplica, o no, el pigmento, creando de esta forma diferentes planos cromáticos de perfil recortado.

Fotografía en blanco y negro que muestra el interior de una trinchera hecha con sacos en donde unos pocos soldados apuntan con sus fusiles y lanzan granadas hacia el exterior. Forma parte de los positivos que se expusieron en la muestra "La caja de galletas. El autor y su obra" que se llevó a cabo en la Casa Molino de Ángel Ganivet de la Diputación de Granada en 2010. La serie de fotografías fueron halladas por los hijos del fotógrafo en una caja de galletas en su estudio, que albergaba 800 negativos de imágenes que fueron tomadas en su época como fotoperiodista y, también, a la vuelta de su exilio en Francia.

La imagen muestra a la Virgen del Pilar ataviada con uno de los trajes de su colección, coronada por los rayos celestiales, dejando ver parte del pilar bajo el manto. Se encuentra tal y como se veneraba en su ángelica capilla de la básilica en Zaragoza. Destaca la figura de la virgen, y su manto, sobre un fondo estrellado, dentro de la hornacina central. Queda enmarcada esta figura bajo una estructuar a modo de baldaquino de madera, y custodiada por cuatro angeles delante de la misma que portan cirios. 

Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

“A pesar de que Sean Mackaoui se traslada a vivir a Brasil, mantenemos nuestra colaboración en la gráfica del CDN, integrando un cambio en el plano formal; el collage fotográfico deriva a la técnica de la trasferencia eliminando el color y recuperando la esencia dramática del monocromo. Don Carlos es el último cartel compuesto con Quark X Press. Drácula es el primero resuelto a trompicones con el programa In Design”. Cuenta Ferrer en el catálogo de la exposición a cerca de este cartel –y otros del CDN- , en el cual se denota cierta tensión al representar una gran roca en suspensión, sobre lo que parece ser la silueta de una casa.

Ilustración de Luis Grañena temáticamente adscrita al ámbito de la literatura, concebida para el periódico Sábado (Portugal), en el que se representa de manera caricaturizada a Tomas Tranströmer. Fue un poeta y traductor sueco, además estudió y ejerció de psicólogo, trasladando la influencia a sus escritos. Recibió el Premio Nobel de Literatura en 2011.

Esta ilustración formó parte de la muestra “Nunca olvido una cara…pero con la suya haría una excepción”, organizada por el Vicerrectorado de Cultura y Proyección Social, en la que se expusieron 74 ilustraciones, producidas con motivo de la muestra, y que engloban la presente colección –representativa de la rica y amplia trayectoria del caricaturista Luis Grañena–, y varios ejemplares de revistas y periódicos con los que ha colaborado a lo largo de su carrera. La exposición se dividió en varios ámbitos temáticos, en los que se dieron cita destacados personajes del siglo XX y XXI, referentes de la política nacional e internacional, el cine, el deporte, la música o la literatura.

Licenciado en Historia del Arte, Luis Grañena se inició en infografía en el Heraldo de Aragón. Pronto dio el salto al dibujo y fue trabajando un estilo personal y característico con el que dar vida a personajes a través de sus ilustraciones. A las espaldas de Grañena se pueden contar más de 3000 caricaturas, muchas de ellas han ilustrado las páginas de periódicos locales como Heraldo de Aragón –durante casi una década–, y ha colaborado también de manera habitual en prestigiosas editoriales del ámbito nacional e internacional, como The New Yorker (USA), The Independent (UK), Liberation (Francia), La Tercera (Chile), Sábado (Portugal), El País, Vanity Fair o La Vanguardia (España).

Paisaje muy desnaturalizado, con un horizonte lejano y cielo tormentoso. Predomina la paleta en amarillos, verdes y algún toque de azul.

Retrato frontal del rostro de una figura masculina de carácter fauvista en el uso del color: la frente y zona superior de la obra en color azul eléctrico muy intenso, mientras que la mitad inferior es en tonos rojos y violáceos.

Retrato de una figura femenina de edad avanzada ataviada con tocado de flores, pendientes y pulseras, la cual en su mano izquierda lleva un abanico abierto.

Obra de temática religiosa en la que aparece Cristo Cricificado de tres clavos.

Fotografía en blanco y negro. Formato horizontal. Exterior. En el pantano de la Peña la fotografía nos muestra el cauce por el que discurre el agua entre las formas rocosas y un antiguo puente con las montañas de fondo.

En la obra aparece representado en segundo plano un numeroso grupo de personas que observan varios cuadros de lo que parece ser una exposición de pintura. En primer término, la figura de un joven con el rostro y el cuerpo muy velados - aquí el artista utiliza el color blanco- que sostiene con la mano derecha lo que se intuye como una copa de vino.

Composición abstracta con un fondo aguado sobre el aparece representada una letra "X" amarilla, una trama de líneas azules y algunas manchas grises. 

Retrato de carácter naif de una figura antropomorfa. El personaje creado a partir de formas orgánicas está coloreado en tonos violeta, rojos y blancos.

Fotografía en blanco y negro de en un paisaje nevado, realizada desde un tren en marcha, lo que genera una composición en la que se distinguen dos planos muy marcados en los que contrasta la oscuridad del plano derecho, perteneciente al lateral de tren, y la luminosidad del plano derecho correspondiente al lateral de la vía nevado.

Se representa al monarca de pie y de frente en el centro de una estancia regia, adornada con un pequeño armario neogótico. Viste armadura y capa real. Lleva en su mano derecha el cetro y apoya la izquierda sobre una gran espada, decorada la funda con el escudo del reino de Castilla.

Pedro I sucedió a su padre Alfonso XI en el trono de Castilla en 1350. Aspiraba a defender la autoridad real por encima de todo, lo que, debido a su carácter de psicópata, significaba la eliminación de las instituciones y de las fuerzas nobiliarias del Reino. Su personalismo y su alianza con Inglaterra produjo una rebelión nobiliar entre 1354 y 1356 que fue sofocada; e inmediatamente después declaró la guerra al Reino de Aragón, comenzando así la famosa guerra de los dos Pedros que se prolongó hasta 1366. Una vez hubo finalizado, estallaron los enfrentamientos por el trono entre el rey y su hermano bastardo Enrique de Trastamara, al que apoyaban Francia y el Pontificado. Acabaron con la muerte de Pedro I en 1369, lo que posibilitó la instalación de Enrique II en el trono y el final de la guerra civil castellana.
En el lienzo, el monarca permanece estático, de pie y de frente, en el centro de una regia estancia que se adorna con un pequeño armario neogótico.
Su carácter belicoso queda patente por su atuendo: armadura metálica y capa real, en tonos cálidos. Lleva el cetro en su mano derecha, mientras que la izquierda apoya sobre una gran espada envainada y decorada con el escudo del Reino de Castilla.

Existen cuatro tapices de paisaje boscoso, que recibían el nombre de Verduras. Pertencen a la misma serie aunque son de diferente tamaño y se pueden  fechar en la primera mitad del siglo XVIII .

El campo central de este tapiz presenta un paisaje de amplios efectos de perspectiva en profundidad, compuesto en zigzag. Paisaje arbolado en el tono azul-verdoso característico de la región de Alost, formado por una serie de plantas de largas hojas, que deja paso al paisaje arbolado, en un segundo término ,y al fondo, profundos horizontes orlas enmarcadas por dos cenefas, la interior de franjas de color y la exterior similar pero con una decoración trifoliada dispuesta entre las franjas, cada uno de los cuatro ángulos se decora con jarrones estilizados y en el centro cartelas en cuyo interior se representa un paisaje miniaturizado. 

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Composición abstracta a través de la representación de un tintero en el centro. En segundo plano y en negro muy diluido, una figura que recuerda a una ficha de dominó. Desde la zona superior y en paralelo al margen derecho, una mancha alargada en negro.

La mayor parte de los comentarios de época señalan que la mujer representada aquí es Teresa Cayetana de Alba, a quien había dibujado y pintado con anterioridad durante la estancia de tres meses en 1797 que el artista pasó en el palacio de Sanlúcar de Barrameda, perteneciente a la duquesa. Ésta habñia enviudado hacía poco y decidió refugiarse en su palacio. De esta época es una de las pinturas más emblemáticas de Goya, La duquesa de Alba con mantilla que se encuentra en la Hispanic Society of America de Nueva York. Las inscripciones -una en el anillo de la duquesa y otra en la arena a sus pies- parecen indicar que entre el artista y ella hubo una relación amorosa. En esta estampa vemos a la figura femenina volando por los cielos con los brazos abiertos y sujetando los extremos de su mantilla, que hace las veces de vela. De su cabeza salen unas alas de mariposa y su rostro tiene un gesto melancólico. Sus pies apoyan en un grupo de tres personajes extraños, identificados con brujas. Todos estos elementos resultan difíciles de descifrar y quizás tengan que ver con el distanciamiento entre Goya y la duquesa, dos años después de su estancia en Sanlúcar, que es cuando se realizó esta obra. El título Volaverunt significa "voló para siempre".

Más información sobre esta edición aquí.

Dibujo arquitectónico en formato vertical que incluye tres estudios de la Universidad Literaria de Zaragoza: dos secciones transversales por diferentes líneas y por último la planta del edificio, cada una con su correspondiente título manuscrito.

Escribanía de barco, hecha de madera con apliques de latón en los cantos y la tapa; sobre la misma hay un aplique del mismo metal en el centro.

Fotografía en blanco y negro del Departamento anatómico con las fábricas de hielo y sombreros, situadas en la parte trasera.

Esta fotografía pertenece al conjunto de 87 clichés de temática heterogénea que conforman la colección Carlos Marquina Arrieta. 53 de estas imágenes suponen un testimonio visual de primer orden sobre la historia arquitectónica y urbanística de la ciudad de Zaragoza.

Este “reportaje arquitectónico” debe su autoría a los hermanos Hilarión y Enrique Villuendas Torres, quienes estuvieron estrechamente ligados a la Universidad de Zaragoza por formación y desempeño profesional. Aunque no fueron reconocidos como fotógrafos profesionales, mostraron gran interés por documentar la llegada del progreso y la modernidad a la ciudad a finales del siglo XIX, algo que queda reafirmado con el proyecto de creación del Gabinete Fotográfico de Medicina y Ciencias.

Por ello, la construcción del nuevo edificio proyectado por Ricardo Magdalena para las Facultades de Medicina y Ciencias no pasó desapercibida para estos hermanos que, a través de su cámara, documentaron este hito arquitectónico. Tanto es así que, con motivo de la inauguración del edificio en 1893 y en dedicatoria a la infanta Isabel de Borbón, se publicó un álbum fotográfico que contaba con 24 imágenes tomadas por el objetivo de los Villuendas. Los positivos, acompañados por una reproducción fotográfica del plano del edificio Paraninfo, nos permiten visualizar la evolución constructiva del inmueble y de los pabellones anejos poco antes de su apertura, el 18 de octubre de 1893.

Con motivo del aniversario del edificio Paraninfo, se procedió a la investigación, restauración y digitalización del reportaje fotográfico completo, del cual se seleccionaron 33 imágenes para la exposición El Paraninfo de Zaragoza, 125 años. Las fotografías de los hermanos Villuendas Torres. Esta muestra tuvo lugar entre el 18 de octubre de 2018, coincidiendo con la fecha de la inauguración del edificio en 1893, y el 2 de febrero de 2019.

Santiago Ramón y Cajal (Petilla de Aragón, 1852-Madrid, 1934) fue un importante médico y neurocientífico español. Ganó el premio Nobel de Fisiología o Medicina en 1906 por sus contribuciones al conocimiento de los tejidos nerviosos, concretamente la constatación de la independencia de las células neuronales y los procesos que permiten la comunicación entre ellas. Estudió la carrera de Medicina en la Universidad de Zaragoza, y ocupó las cátedras de Histología en la Universidad de Barcelona, y de Histología e Histoquímica Normal y Anatomía Patológica en la Universidad Central de Madrid. Fue el primer director de la Junta de Ampliación de Estudios (JAE), predecesora del Consejo Superior de Investigaciones Científicas.

Retrato de una mujer joven con el rostro en posición de tres cuartos. Pelo semirecogido, labios pronunciados y un lunar negro sobre la mejilla derecha.

Don Hernando de Aragón (Zaragoza, 1498-1575) era hijo de Alonso de Aragón y Ana de Gurrea. Educado para la milicia en la corte de su abuelo, Fernando el Católico, a los veinticuatro años se hizo monje cisterciense en el Monasterio de Piedra. Carlos V le nombró abad de Veruela y, más tarde, fue visitador general de la orden. En 1539 accedió a la sede arzobispal de Zaragoza, acometiendo entonces importantes reformas en la archidiócesis. También desempeñó algunos cargos políticos, Carlos V le nombró diputado y Felipe II virrey de Aragón en 1566. Destacó además como historiador y escritor y fue un importante mecenas artístico.

Retrato sedente, en posición tres cuartos, en el que el personaje luce el hábito de los cistercienses, portando mitra y báculo de doble travesaño. Ante él hay una mesa con diferentes objetos de escritorio y un libro. Al fondo y a la derecha, se contempla un lejano paisaje desde la ventana, que se utiliza para dar profundidad al Cuadro. En la parte superior izquierda campean las armas del prelado aragonés.

Probablemente es copia de un retrato anterior (en el monasterio de Cambrón, junto a la localidad de Sádaba, todavía se conserva una colección retratística de abades del monasterio de Veruela, realizada en el siglo XVI, entre los que figura el de D. Hernando de Aragón). Seguramente fue utilizado como modelo para todos los retratos de la serie, pues presentan idénticos rasgos fisionómicos y varían tan sólo en la posición de la ventana del fondo y en la del propio retratado, unas veces a la izquierda y otras a la derecha. 

Se representa al fundador de la Universidad de Zaragoza vestido con hábitos episcopales, con muceta y sobrepelliz, sentado en un sillón, con un breviario entreabierto en su mano izquierda, que apoya sobre la rodilla.

Copia del retrato del siglo XVIII existente en el palacio episcopal de Tarazona. 

Es éste uno de los Caprichos de temática más espeluznante, haciendo referencia a las supersticiones populares relacionadas con utilizar los dientes de un ahorcado para fabricar hechizos. Existe un dibujo preparatorio a sanguina en el que la mujer tiene un rostro muy diferente, desviando la mirada por completo para no ver la acción que va a llevar a cabo, mientras que en el grabado final sus ojos miran con temor al ahorcado a la vez que se tapa parcialmente la cara con un pañuelo. El rostro del ahorcado, perfectamente visible al espectador, no puede ser más angustioso, transmitiendo esa sensación a toda la escena. La estampa es resultado del rechazo que los ilustrados sentían frente a cualquier forma de temática oscura que tuviera que ver con las supersticiones populares.

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