Patrimonio Cultural
Universidad de Zaragoza

Sara Maynar Escanilla (Zaragoza, 1906 - Burbáguena, Teruel, 1986). Licenciada en Derecho en 1929, primera en la Universidad de Zaragoza. Primera abogada de Aragón.

Se licenció en 1929, siguiendo los pasos de su padre, el cual era un abogado con renombre.
Continuó su andadura en Madrid, donde realizó el doctorado y se integró con el ambiente cultural de la generación del 27. En 1930 juró como abogada en la Audiencia de Zaragoza pero, a pesar de ello, no ejerció de abogada, prefirió dedicarse a la docencia convirtiéndose en la primera profesora en una facultad de derecho en España.
Su trayectoria la completó con los estudios de Filosofía y Letras, dentro de la sección de Historia.
 

El 8 de marzo de 1910, momento en el que a través de una Real Orden se autorizaba por primera vez y por igual la matrícula de alumnos y alumnas, se abrió la puerta de la Universidad a todas aquellas mujeres que habían visto imposible su acceso a estudios superiores.

El proyecto PIONERAS, que inició su andadura en 2019, tiene como objetivo fundamental recuperar la memoria de todas aquellas primeras tituladas de la Universidad de Zaragoza. Como consecuencia surgió PIONERAS ILUSTRADAS, un proyecto de la mano de quince ilustradoras aragonesas o afincadas en Aragón, que ponen rostro a las primeras quince pioneras de la Universidad de Zaragoza, las cuales se incorporaron a las aulas de diferentes ramas del saber, tales como Química, Historia, Derecho, Medicina o Matemáticas y abrieron paso a muchas otras.

Ante la ausencia de imágenes en muchas de sus biografías, queremos imaginarlas en sus laboratorios, rodeadas de libros o por los pasillos de edificios como este Paraninfo, antigua Facultad de Medicina y Ciencias.

Fotografía en blanco y negro de un dibujo o grabado original, donde aparece la Virgen del Pilar en la parte superior, acompañada de ángeles, escudos y figuras alegóricas que representan las disciplinas del saber. En la parte central de la imagen se despliega un paño donde aparece escrito "ESTATUTOS DE LA UNIVERSIDAD DE ZARAGOZA".

Composición abstracta formada por amplias masas de color trabajadas con veladuras en tonalidades rosas, amarillas y verdes ordenadas a lo largo de la superficie de la tabla.

Caballo ante una llanura. Capa torda rodada o torda rodada vinosa, con amplia mancha de carne entre hollares. Cabeza de tamaño medio y de perfil recto o subconvexo, armónica y bien proporcionada, con ojos expresivos y redondeados, hollares medianos, orejas de tamaño medio, insertadas algo posteriormente. Cuello muy bien constituido, arqueado dorsalmente, potente y bien insertado en el tronco. Cruz moderadamente destacada. Tronco largo, fuerte, bien constituido. Grupa ligeramente redondeada con nacimiento de la cola alto. Extremidades finas con cañas posteriores largas, al igual que las cuartillas, cascos medianamente amplios y ligeramente pandos. Crines pobladas.

Reproducción litográfica utilizada como cartilla de racionamiento, obtenida a partir de una acuarela que representa la fotografía tomada en el 1937 por Agustí Centelles a un grupo de refugiados que huyen de la guerra hacia la zona republicana.

Más información sobre la Colección Agustí Centelles i Ossó aquí.

Retrato de una mujer joven con el rostro de perfil con el cabello rizado.

San Rafael es uno de los arcángeles de la Biblia. Según el relato bíblico, acompañó al joven Tobías al país de los Medos y curó la ceguera de su padre Tobit con la hiel del pez (Tobías, VI y XI). 

Representado de pie y en posición de tres cuartos, con potentes alas, viste sayas blancas y un blusón ajustado a la cintura sobre el que voltea un manto movido por el viento. En su mano izquierda lleva la hiel del pez y en la derecha una jarra de plata alusiva probablemente a su condición de abogado de los enfermos. Su figura se halla representada sobre un paisaje dispuesto en un punto de vista muy bajo, en el que se contempla, a la derecha, una segunda escena correspondiente a su iconografía: el arcángel ofreciendo la hiel del pez a Tobit para curar su ceguera. 

Composición abstracta en diagonal, con formas geométricas de trazos negros y blancos sobre tonos suaves.

En esta escena se advierte cómo una mujer-pájaro, planteada de manera similar a la tradicional esfinge, caracterizada por sus aviesas intenciones y sin dudar en mostrar sus encantos  del modo más provocador que sabe, sirve como señuelo (y así lo indica su iluminación, más destacada) para que caigan en la trampa todo tipo de aduladores y hambrientos seres. Goya representa como si fueran aves de mal agüero a hombres pertenecientes a todos los estamentos, desde un fraile encapuchado hasta un oficial con su sable o u joven arrobado, que bien pudiera ser el retrato del propio autor. Tales seres pululan como avechuchos en torno a la prostituta, subida en la rama central. La alegoría se desarrolla en dos zonas: la superior, en la que se encuentran esos seres en torno a la mujer-pájaro, y la inferior, donde se hallan otras dos rameras que, con rostros sonrientes, están ya desplumando a una de sus víctimas. Junto a ellas con cara viciosa puede distinguirse a una vieja alcahueta que se frota las manos en señal de avaricia pensando en la cantidad de clientes que caerán en sus redes. La manera en que el artista ha resuelto la escena tiene una indiscutible gracia, convirtiendo a los personajes en pájaros que merodean en torno al señuelo de la joven y guapa prostituta. Sin embargo la parte inferior de la estampa tiene un tono mucho más impactante y desagradable, donde las otras dos jóvenes están desplumando y empalando al pájaro sin ningún reparo.

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Copia original de época en blanco y negro. Formato vertical. Vista de la Torre de la calle de Antonio Pérez, según reza en el ángulo inferior izquierdo. La vista de la torre ocupa la práctica totalidad de la imagen. Alrededor de la torre, en el tercio inferior de la imagen, aparecen varias cubiertas de otros edificios de viviendas anexos. En la parte inferior derecha, chimenea prismática que remata en dos pares de ladrillos dispuestos de forma piramidal. La torre se divide en cuatro pisos (cada uno con un vano) de los que se muestran dos fachadas. En la fachada de la izquierda: vano del primer piso cerrado con hojas de madera; vano del segundo piso cegado con ladrillo; vano del tercer piso cegado en su mitad inferior con ladrillo al nivel de la fachada, y en su mitad superior con hoja de madera; vano del cuarto piso cegado con ladrillo en su tercio inferior, y con dos hojas de madera en el resto, permaneciendo abierta una de ellas. En la fachada de la derecha: vano del primer piso cerrado con hojas de madera (la de la derecha cubierta por un toldo); vano del segundo piso abierto; vano del tercer piso cegado con ladrillos; sin vano en el cuarto piso. En la fachada de la izquierda se distingue una grieta que recorre el primer piso y la mitad inferior del segundo.

Ampliación de una fotografía en blanco y negro, en formato vertical. En esta imagen se observa en primer plano a  dos ancianos sentados y en segundo plano aparecen unos niños que parecen posar para la fotografía. Al fondo, protagonizando la escena, se encuentra el Monumento a Agustina de Aragón y a las Heroínas de los Sitios.

Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

Una línea, una figura hecha con papel y un lapicero, componen la imagen de este cartel que anuncia el Congreso internacional de ilustración de Colombia.

Obra perteneciente a la serie "Hay un camino antiguo" compuesta por paisajes que evocan una experiencia directa del autor en la naturaleza. El recorrido de un camino y los cambios del paisaje completan la narrativa de esta serie en la que lo abrupto del paisaje se suaviza a través del ténue cromatismo y la luz que emite el propio soporte de la obra, la plancha de latón, que el autor utiliza como recurso plástico y lumnínico, a través de los vacíos que hacen visible el material, el rayado y el bruñido del mismo.

Composición rectangular y plastificada, dividida en dos partes desiguales, siendo más grande la de la izquierda, de color crema y con estampado floral. La parte de la derecha posee un fondo oscuro decorado con puntos blancos. Sobre la superficie plastificada la artista ha realizado una serie de dibujos figurativos en color rojo entre los que distinguen varios pájaros.

Vista del interior del claustro del la iglesia del monasterio de la orden de los Jerónimos de Santa Engracia. En la escena aparecen en el interior  del claustro de dos plantas de estilo gótico con arcos de herradura en ladrillo de infuencia islámica, un grupo de frailes dominicos con el hábito blanco y negro.

El autor de esta obra, Jenaro Pérez Villaamil, es el máximo representante del paisajismo romántico español. A este artista pertenece España Artística y Monumental, un libro de viajes con litografías de la España romántica.

Retrato en posición tres cuartos de una figura masculina barbada con el semblante serio, que se corresponde con el político Juan Navarro de Yturen. El personaje viste frac y pajarita negros con reloj de bolsillo dorado cuya cadena pende del chaleco. A su izquierda hay una mesa con mantel rojo sobre la que apoya un libro que sujeta con la mano, y junto a la mesa una cortina dorada y roja. El fondo de la composición es neutro en tonos grises y negros. El cuadro sigue la moda del retrato decimonónico caracterizado por el estilo académico,  en el que destaca el dibujo y sus formas perfectamente acabadas. 

Político español del siglo XIX que fue gobernador civil de Zaragoza y diputado a Cortes. Bajo su iniciativa se creó la Facultad de Medicina y Ciencias de la Universidad de Zaragoza, cuya aprobación fue votada en el Congreso de los Diputados en 1876.

Fotografía en blanco y negro de composición vertical, en la que aparece retratada de cuerpo entero María Luisa, la hija del fotógrafo Luis Gandú, acompañada por tres mujeres. Presumiblemente se trata de un paseo, en época invernal, tal y como evidencian sus abrigos y la ausencia de vegetación en los árboles del entorno.

Retrato caricaturesco del rostro de perfil de una figura masculina con la boca y los dientes muy pronunciados, los ojos cerrados, grandes cejas y la frente arrugada.

Miguel Sancho Izquierdo fue concejal del Ayuntamiento de Zaragoza y Rector de la Universidad de Zaragoza (1941).

Médico y botánico aragonés (Zaragoza, 1675-Madrid, 1760). Estudió Artes y Medicina en la Universidad de Zaragoza. De paso por esta ciudad, María Luisa Gabriela de Saboya, esposa de Felipe V, cayó enferma y fue curada por Suñol. Por este motivo fue nombrado primer médico de cámara. 

Escena del "milagro de las rosas" con la reina Isabel rodeada de soldados con lanzas y otras figuras, y tras ellos, un ángel con túnica blanca, dejando caer sobre su regazo pétalos de flores.

La "mala noche" es un tema que había abordado Goya previamente en su obra Sueño 22 (1797), en la que ya aparecían dos figuras femeninas, una de frente al espectador y otra de espaldas. En el caso de esta estampa el fondo es casi totalmente negro y la mujer que aparece de espaldas en primer término es la que más iluminación recibe, apreciando así sus vestimentas removidas por el fuerte viento e incluso cómo deja al descubierto sus piernas. La otra mujer, que mira al espectador, también tiene sus prendas en movimiento aunque se aprecia menos debido a las sombras en las que se encuentra. Los comentarios de la época no dejan lugar a dudas sobre su condición de prostitutas: "malo anda el negocio, cuando el viento y no el dinero levanta las sayas a las buenas mozas".

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Copia original de época en blanco y negro. Formato horizontal. Vista de la Reja de bronce repujado de la capilla de Zaporta, en la iglesia de la Seo, según reza en el ángulo inferior izquierdo. Rejería enmarcada por dos pedestales sobre los que se disponen sendas pilastras (que aparecen cortadas en la imagen) a modo de jambas, con decoración escultórica en sus caras. La rejería se articula en tres pisos de forma horizontal, y tres calles de manera vertical, separadas por: en el primer piso, pilares con decoración; en el segundo y tercer piso, columnas con ornamentación en el tercio inferior del fuste, sobre pedestales. En la calle central del piso superior, se dispone un marco que encierra lo que parece un fragmento de texto. Delante del mismo, encontramos una lámpara que cuelga de un cable, cortado en la fotografía. La rejería remata en decoración escultórica, entre la que destaca, en la zona central, dos puttis o niños alados, a los lados de un escudo. Por encima, Cristo crucificado con dos figuras en los laterales.

Modelo que interpreta el papel de Salomé. La figura, vestida con ropas de estilo oriental, aparece realizando una danza con la cabeza de un hombre que representa a San Juan a sus pies.

Copia de una fotografía original de la década de 1920 y se mostró en la exposición Fatales y Perversas (21 de abril a 17 de julio de 2016) que tuvo lugar en el edificio Paraninfo. 

Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

“Muñeco de barro son Diego Lizán y María Moya. Con motivo de su exposición en Murcia me invitan a trabajar en la elaboración de una pieza de cerámica. Yo pongo la intención y ellos aportan el conocimiento del barro. En lugar de una pieza salen cuatro. El personaje tricéfalo es el primero en nacer”. Explica Isidro Ferrer en el catálogo de la exposición sobre el proceso de creación de este cartel.

Fotografía en blanco y negro. Formato horizontal.Un grupo de personas se arremolinan en torno a un animal tendido en el suelo que sujetan con fuerza para marcarle el número con un hierro. Pese a las dificultades de la situación, y ante su cotidianidad, muchos de ellos posan para la cámara, que se convierte en el verdadero acontecimiento.

En esta estampa la escena principal es el asno que aparece en el centro y que lleva a cuestas una urna con un cuerpo momificado en su interior. Lafuente defiende que se tratra de la beata Mariana de Jesús, por la cual siente mucha devoción la población madrileña. El resto de personajes que rodea el animal, agachan la cabeza en señal de respeto. Nigel Glendinning señala que Goya se pudo inspirar en las fábulas de Félix María Samaniego y José Agustín Ibáñez de la Rentería.En la estampa el asno se podría asociar a una figura sagrada al portar la imagen de la beata, pero en realidad, en las fábulas citadas es un animal asociado a la ignorancia y a la torpeza, algo muy común en las representaciones del autor. Roberto Alcalá a pesar de aceptar la teoria de las fábulas, destaca que Goya pudo recurrir a otras fuentes como los emblemas de Andrea Alciato, concretamente el emblema VI que lleva por título Ficta Religio.

Para entender el verdadero significado de esta, hay que recurrir a la siguiente estampa, la número 67 pues son complementarias. Goya hace una crítica hacia la fe del pueblo, y como los mismos son movidos por la fe y adoran a algunos personajes que no se corresponden con la realidad. También critíca los privilegios que tenía la iglesia y las costumbres como las procesiones, impuestas de nuevo con el reinado de Fernando VII. Estas últimas ya habían sido criticadas incluso por personal eclesiastico como fue el padre Benito Jerónimo Feijóo o el padre jesuita José Francisco de Isla.

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Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

Por medio de la utilización de objetos cotidianos, Ferrer compone un cartel de gran poética en el cual, los objetos sustituyen su funcionalidad por otra y se convierten en fruto de reflexión. “Tengo la inocencia de creer que con el cambio de siglo algo va a suceder, y lo que sucede es que todo sigue como si nada” dice el diseñador en el catálogo de la exposición.

Ilustración de Luis Grañena temáticamente adscrita al ámbito de la política nacional, concebida para el periódico Vanity Fair, en la que se representa de manera caricaturizada a José Luis Rodríguez Zapatero, presidente del Gobierno durante 8 años, de 2004 al 2012. Se le caracteriza vestido de gladiador y en situación de lucha.

Esta ilustración formó parte de la muestra “Nunca olvido una cara…pero con la suya haría una excepción”, organizada por el Vicerrectorado de Cultura y Proyección Social, en la que se expusieron 74 ilustraciones, producidas con motivo de la muestra, y que engloban la presente colección –representativa de la rica y amplia trayectoria del caricaturista Luis Grañena–, y varios ejemplares de revistas y periódicos con los que ha colaborado a lo largo de su carrera. La exposición se dividió en varios ámbitos temáticos, en los que se dieron cita destacados personajes del siglo XX y XXI, referentes de la política nacional e internacional, el cine, el deporte, la música o la literatura.

Licenciado en Historia del Arte, Luis Grañena se inició en infografía en el Heraldo de Aragón. Pronto dio el salto al dibujo y fue trabajando un estilo personal y característico con el que dar vida a personajes a través de sus ilustraciones. A las espaldas de Grañena se pueden contar más de 3000 caricaturas, muchas de ellas han ilustrado las páginas de periódicos locales como Heraldo de Aragón –durante casi una década–, y ha colaborado también de manera habitual en prestigiosas editoriales del ámbito nacional e internacional, como The New Yorker (USA), The Independent (UK), Liberation (Francia), La Tercera (Chile), Sábado (Portugal), El País, Vanity Fair o La Vanguardia (España).

Copia original de época en blanco y negro. Formato Vertical. Ocupando el eje central de la imagen se sitúa la escultura de Ramón Pignatelli, de3 metros de altura realizada por Antonio Palao Marco, en bronce con pedestal de piedra. Esculpido en el frente de la base del pedestal la fecha: MDCCCLVIII y en la parte superior del plinto: PIGNATELLI. Está protegida por una de rejería de hierro y al fondo se observa arbolado y edificios.

La escena ocurre en un exterior, parece ser un pueblo, pues en el fondo la iglesia del pueblo y una casa en lo alto de la montaña. Un pastor se arrodilla ante la virgen, que aparece ante él. Paisaje natural y nubes celestiales eco del milagro que está sucediendo.

Retrato de una figura masculina de pie y en posición tres cuartos, que manifiesta una actitud relajada y afable. Se trata del decano Jesús Delgado Echeverría, que aparece representado vistiendo traje de chaqueta gris, corbata de la misma gama y camisa blanca. Debajo del brazo derecho sujeta una carpeta con documentos y un par de periódicos, mientras la mano permanece dentro del bolsillo del pantalón, adoptando una pose informal. Su mirada serena se dirige hacia un punto situado fuera del cuadro, mientras sus labios esbozan una leve sonrisa. En una mesa, localizada a la izquierda, se sitúa sobre unos papeles un portarretratos en el que se distingue el rostro de José Luis Lacruz Berdejo, decano de la misma facultad entre 1975-76.

Vista de un paisaje de campos de secano en la que aparece en primer término una charca rodeada de campos de labranza.

Este grabado es uno de los más impactantes de los Caprichos por la temática que desarrolla. El título alude directamente a la escena principal en la que puede verse cómo una bruja utiliza el trasero de un niño como fuelle para avivar el fuego situado a la izquierda de la composición. Abajo, en primer término, hay un viejo desnudo que da la espalda al espectador y retiene a un niño con su brazo izquierdo, del que sólo intuimos las nalgas y las piernas entre las sombras. En el centro de la composición aparece un depravado rostro que chupa con fruición el pequeño pene de otro niño, escondido bajo el faldón de la gran bruja. Junto al fuego vemos rostros que parecen calaveras, aludiendo a la muerte y a la brujería. En la zona superior un séquito de monstruos acompaña y observa el ritual de los brujos. Los comentarios de la época son contundentes: "los niños son objeto de mil obscenidades para los viejos y relajados".

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En esta estampa es la primera vez en la serie que aparece la participación valerosa de la mujer en la guerra. En varias ocasiones a lo largo de la misma Goya narra el papel que la mujer tuvo en el desarrollo del conflicto, siendo víctimas de asaltos y de violaciones de las que tenían que defenderse. En esta ocasión una pareja de mujeres se enfrentan a dos soldados franceses, mientras una de ellas apuñala a uno de los soldados que yace en el suelo, la otra, de espaldas al espectador es agarrada por el pelo y arrastrada de forma violenta hacia el suelo. El uso de líneas diagonales, recurso utilizado por Goya en muchos momentos de la serie, genera inestabilidad y dinamismo, trasmitiendo así en el espectador toda la caga de violencia que se está desarrollando en la escena. El dramatismo de la escena queda acentuado por los personajes que se convierten en puntos de luz rodeados por la oscuridad del fondo y del suelo que llegan a confundirse, generando una atmósfera cargada de tensión y como viene a ser una constante, sin ninguna referencia espacial.

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Bajorrelieve de metal plateado en el que se representa a la Virgen del Pilar de Zaragoza. Presenta marco de madera.

Fotografía en blanco y negro de la caja de escaleras vista desde la primera planta, en la que destacan las columnas estriadas y anilladas que imitan la tradición constructiva del Renacimiento aragonés.

Esta fotografía pertenece al conjunto de 87 clichés de temática heterogénea que conforman la colección Carlos Marquina Arrieta. 53 de estas imágenes suponen un testimonio visual de primer orden sobre la historia arquitectónica y urbanística de la ciudad de Zaragoza.

Este “reportaje arquitectónico” debe su autoría a los hermanos Hilarión y Enrique Villuendas Torres, quienes estuvieron estrechamente ligados a la Universidad de Zaragoza por formación y desempeño profesional. Aunque no fueron reconocidos como fotógrafos profesionales, mostraron gran interés por documentar la llegada del progreso y la modernidad a la ciudad a finales del siglo XIX, algo que queda reafirmado con el proyecto de creación del Gabinete Fotográfico de Medicina y Ciencias.

Por ello, la construcción del nuevo edificio proyectado por Ricardo Magdalena para las Facultades de Medicina y Ciencias no pasó desapercibida para estos hermanos que, a través de su cámara, documentaron este hito arquitectónico. Tanto es así que, con motivo de la inauguración del edificio en 1893 y en dedicatoria a la infanta Isabel de Borbón, se publicó un álbum fotográfico que contaba con 24 imágenes tomadas por el objetivo de los Villuendas. Los positivos, acompañados por una reproducción fotográfica del plano del edificio Paraninfo, nos permiten visualizar la evolución constructiva del inmueble y de los pabellones anejos poco antes de su apertura, el 18 de octubre de 1893.

Con motivo del aniversario del edificio Paraninfo, se procedió a la investigación, restauración y digitalización del reportaje fotográfico completo, del cual se seleccionaron 33 imágenes para la exposición El Paraninfo de Zaragoza, 125 años. Las fotografías de los hermanos Villuendas Torres. Esta muestra tuvo lugar entre el 18 de octubre de 2018, coincidiendo con la fecha de la inauguración del edificio en 1893, y el 2 de febrero de 2019.

Grabado realizado a partir de la serie de estampas de los Disparates o Proverbios de Francisco de Goya.

Constituye una imagen grotesca en la que, de nuevo en una atmósfera nocturna y oscura que favorece la impronta del misterio y la subjetividad aparecen representadas dos figuras. La figura más grande y protagonista de la composición, excepcionalmente realizada, siendo modificada con el buril antes de añadir el aguatinta.

Se trata de la figura del Bobalicón, un personaje que danzaba al son de las castañuelas en los carnavales, un personaje gigantesco. Su figura se contrapone a otra figura de dimensiones más reducidas, podría ser un clérigo que se esconde detrás de su hábito, detrás de un maniquí o incluso detrás de una imagen devocional. Autores como Glendinning apuntan que podría tratarse de una representación alusiva al conflicto entre iglesia y paganismo (aludido en el carnaval de forma indirecta). La iglesia como crítica de la piedad popular y la adoración de falsos ídolos. Aunque posiblemente tal interpretación termina siendo extrapolada más allá del contexto de la época, convirtiendo este grabado, como en general los pertenecientes a esta serie, en una metáfora universal del miedo no racional y la superstición del hombre.

Este grabado destaca desde lo excepcional de su técnica, cuya estampa se modifica ya realizada para perfilar detalles específicos que le imprimen su carácter terrorífico –claramente visible en los grotescos rostros y especialmente en aquellos dos que parecen emerger de las sombras como los ecos extintos del terror más oculto e irracional que contamina la mente humana.

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Se le representa ataviado con atuendo muy parecido al de un mosquetero, con gorro coronado por plumas, una túnica de cuello alto que deja entrever el cuello de la camisa que viste en el interior, y por el hombro hacia la cadera aparece un complemento con forma de cinturón. No mira hacia el espectador, tiene la mirada desviada, con los cabellos sueltos y bigote pronunciado. Muestra una expresión seria, casi enfadado.

Oliver Cromwel destacó por ser un político inglés, criado en un ambiente protestante puritano y anticatólico, lo cual dotó a su actuación política de un sentido místico y providencialista. Fue elegido miembro de la Cámara de los Comunes en 1628.Organizó un ejército revolucionario para vencer las tropas realistas en Marston Moore y Naseby. También reorganizó la hacienda pública, fomentó la liberación el comercio promulgando el Acta de Navegación en 1651. Persiguió a los católicos y situó a Inglaterra a la cabeza de los países protestantes Europeos.

Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

“El flamenco es el pájaro exótico de las riberas del Garonne a su paso por Toulouse” por lo que haciendo uso de este animal característico de la zona, Isidro Ferrer entremezcla música y la fauna autóctona componiendo una imagen que aúna la temática musical del festival y algo propio que identifica el lugar en el que se celebra.

Ilustraciones de Luis Grañena temáticamente adscritas al ámbito de la música, concebidas para la Agencia Illozoo y el periódico Liberation (Francia), en las que se representa de manera caricaturizada a Lou Reed, Nick Cave y David Bowie, tres cantantes y compositores dentro del género rock, y con despegue de su carrera en los años 70. Llama la atención en ellos la influencia por el arte y el diseño, haciéndose un hueco en la cultura popular.

Esta ilustración formó parte de la muestra “Nunca olvido una cara…pero con la suya haría una excepción”, organizada por el Vicerrectorado de Cultura y Proyección Social, en la que se expusieron 74 ilustraciones, producidas con motivo de la muestra, y que engloban la presente colección –representativa de la rica y amplia trayectoria del caricaturista Luis Grañena–, y varios ejemplares de revistas y periódicos con los que ha colaborado a lo largo de su carrera. La exposición se dividió en varios ámbitos temáticos, en los que se dieron cita destacados personajes del siglo XX y XXI, referentes de la política nacional e internacional, el cine, el deporte, la música o la literatura.

Licenciado en Historia del Arte, Luis Grañena se inició en infografía en el Heraldo de Aragón. Pronto dio el salto al dibujo y fue trabajando un estilo personal y característico con el que dar vida a personajes a través de sus ilustraciones. A las espaldas de Grañena se pueden contar más de 3000 caricaturas, muchas de ellas han ilustrado las páginas de periódicos locales como Heraldo de Aragón –durante casi una década–, y ha colaborado también de manera habitual en prestigiosas editoriales del ámbito nacional e internacional, como The New Yorker (USA), The Independent (UK), Liberation (Francia), La Tercera (Chile), Sábado (Portugal), El País, Vanity Fair o La Vanguardia (España).

Retrato de medio cuerpo, en posición tres cuartos, que se corresponde con Gaufrido de Rocaberti, uno de los abades del Monasterio de Piedra de Zaragoza, que viste el habito blanco, casulla y báculo. Delante de él se representa una mesa, sobre la que descansa un libro abierto.

Obra en la que representa un torso femenino desnudo de formas rotondas y gruesas, realizado a modo de esbozo en todos morados, rosas y verdes.

Retrato sedente de una figura masculina en posición tres cuartos que se corresponde con el Decano y Catedrático de Derecho Romano, Carlos Sánchez del Río. El personaje viste toga negra con bocamangas de encaje rosadas con motivos heráldicos, camisa blanca y corbata. Sobre la toga destacan una medalla dorada y una condecoración. Aparece sentado en un sillón frailero sobre el que descansan los brazos. El fondo es neutro en tonos grises y azules.

Composición abstracta de carácter esférico conformada por manchas de colores vivos, de formas orgánicas. Predominan los colores azules, rojos, ocres y verdes.

Fotografía en blanco y negro, formato horizontal. En un exterior, una vista frontal de un coche estilo berlina. Conducido por un hombre, detenido a un lado de una carretera con algunos árboles jóvenes plantados a ambos lados y el perfil de una casa cercana en el horizonte. La sombra del pintor se advierte en la fotografía, proyectándose en la tierra, evitaba el contraluz sacando la foto de espaldas al sol, pero la fotografía recoge su sombra.

En esta escena un hombre en primer término y sobre un patíbulo está siendo ejecutado en el garrote al ser descubierto en posesión de una navaja, en un segundo plano el pueblo asiste con dolor y desagrado a su ejecución. Se trata de una práctica con carácter ejemplificador y de advertencia hacia al pueblo que desde el 19 de octubre de 1809 José Bonaparte instauró como medio de ejecución en España. El ajusticiado lleva una vestimenta negra, de su cuello cuelga una cuerda de la que pende una navaja y un texto en el que se narran los motivos por los que está siendo ejecutado, tal circunstancia responde a la orden que desde diciembre de 1808 todo ciudadano de Madrid que fuese sorprendido con un arma debía ser arrestrado y condenado  muerte, y de él debía colgar el arma que se le había encontrado y en un papel escrito los motivos de su arresto. Pero la posesión de este arma era usual en la vida cotidiana del pueblo en este momento, por lo que el autor critica  la desproporción de este castigo ya que podian ser castigados aunque no se hubiesen visto envueltos o haber protagonizado algún acto subversivo.Su rostro refleja el dolor y la agonía al que ha sido sometido,mantiene sus ojos cerrados,la lengua y sus pelos herizados,mientras sus manos entrecruzadas se aferran a un crucufijo que aún logra mantener. El pintor muestra su repulsa y rechazo ante la pena de muerte que en este caso muestra con gran dureza y realismo, mostrando a través del título de la estampa la causa efecto, la cual Goya entiende desporporcionada e injustificada.

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Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

Según cuenta Ferrer en el catálogo de la exposición “La fotografía de Jacinto Esteban me permite incorporar por primera vez el volumen sobre la superficie plana del papel”. De este modo, vemos como con una figura humana, hecha de recortes, genera un espacio gracias al uso dirigido de la luz, con la cual se proyecta sombra sobre la pared, lo que da lugar a una mayor profundidad en la imagen. 

Fotografía en blanco y negro de un puente colgante sobre el río Gállego, en Zaragoza. A la izquierda, en la ribera, vegetación y arbolado. 

Fotografía en blanco y negro de la fachada y puerta de entrada al antiguo Hotel Colón de Barcelona, con mesas y sillas de terraza al exterior, todo completamente vacío. Llaman la atención los carteles en la entrada que indican “refugio” y flechas que señalan la puerta del hotel. Forma parte de los positivos que se expusieron en la muestra "La caja de galletas. El autor y su obra" que se llevó a cabo en la Casa Molino de Ángel Ganivet de la Diputación de Granada en 2010. La serie de fotografías fueron halladas por los hijos del fotógrafo en una caja de galletas en su estudio, que albergaba 800 negativos de imágenes que fueron tomadas en su época como fotoperiodista y, también, a la vuelta de su exilio en Francia.