Patrimonio Cultural
Universidad de Zaragoza

Retrato de busto desnudo de una figura masculina que se corresponde con Antonio Gil y Zárate (1793-1861), conocido sobre todo como autor dramático. Fue director general de Instrucción Pública cuando se fundó la Escuela de Veterinaria de Zaragoza. 

Fotografía en blanco y negro en la que aparece un grupo de hombres, mujeres y niños, ataviados con mantas, ropas de abrigo y atillos al hombro, que huyen de la guerra para refugiarse en zona republicana.

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Nos encontramos ante uno de los grabados realizados a partir de la segunda de las estampas de la serie de Los Proverbios o Disparates de Francisco de Goya.

En la escena observamos a un gigante encapuchado inmerso en una atmósfera nocturna frente a un grupo de militares que, delante de un árbol, huyen despavoridos asustados por la visión de una superstición. Las actitudes del grupo de militares varían ampliamente, recibiendo un tratamiento individualizado en sus reacciones ante lo que los aterra –lo que nos recordaría ligeramente a Los fusilamientos, salvando el hecho de que aquella obra tiene una marcada carga de solemnidad por la conmemoración de un hecho muy respetado por el autor, sin embargo en este caso nos encontramos con una sátira burlesca-. Sus rostros grotescos imploran clemencia, yacen en el suelo, o echan a correr empujándose. Al tiempo que comprobamos que la figura no es lo que creían, sino un burlón fantasmón, un ser de falsa apariencia que encarna toda una sátira del miedo irracional y la superstición –algo muy recurrente en la obra del artista-. Aquellos que menos motivos tendrían para temer, los miembros del ejército, echan a correr ante un miedo irreal.

De nuevo nos encontramos, aunque quizás en este caso no sea tan claro, con el hermetismo característico de éstas estampas, cuyo significado resulta difícil de desentrañar.

La característica seguridad del dibujo que marca los trazos firmes del grabado. La importancia de la luz y la sombra, ambientes nocturnos, con figuras grotescas, tenebrosas, agresivas, que suscitan aquella curiosidad que según Valeriano Bozal habría que relacionar con la estética de lo sublime, al igual que las Pinturas Negras. Aquello que llega de forma inmediata al sentimiento antes que a la razón y nos arrebata suscitándonos una irracional atracción. 

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Se le representa ataviado con atuendo muy parecido al de un mosquetero, con gorro coronado por plumas, una túnica de cuello alto que deja entrever el cuello de la camisa que viste en el interior, y por el hombro hacia la cadera aparece un complemento con forma de cinturón. No mira hacia el espectador, tiene la mirada desviada, con los cabellos sueltos y bigote pronunciado. Muestra una expresión seria, casi enfadado.

Oliver Cromwel destacó por ser un político inglés, criado en un ambiente protestante puritano y anticatólico, lo cual dotó a su actuación política de un sentido místico y providencialista. Fue elegido miembro de la Cámara de los Comunes en 1628.Organizó un ejército revolucionario para vencer las tropas realistas en Marston Moore y Naseby. También reorganizó la hacienda pública, fomentó la liberación el comercio promulgando el Acta de Navegación en 1651. Persiguió a los católicos y situó a Inglaterra a la cabeza de los países protestantes Europeos.

Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

Este cartel se compone de la silueta de una figura humana cuyo torso alberga ramificaciones. En su interior parece estar creciendo un árbol que, cuenta además con un pájaro de color rojo que dota a la imagen de cierto acento de color aunque sea de manera puntual. “Los seres humanos están hechos de moléculas y de historias” dice Ferrer en relación a este cartel.

Ilustración de Luis Grañena temáticamente adscrita al ámbito de la música, concebida para el periódico Contexto, en la que se representa de manera caricaturizada a Bob Dylan, músico, cantante y compositor estadounidense, cuya carrera empezó a ver el éxito en la década de los 60. Sus canciones tenían un contenido social y estaban dentro del género rock y blues habitualmente. Es un artista reconocido y exitoso mundialmente que ha recibido varios galardones dentro del ámbito musical además del Premio Nobel de Literatura en 2016.

Esta ilustración formó parte de la muestra “Nunca olvido una cara…pero con la suya haría una excepción”, organizada por el Vicerrectorado de Cultura y Proyección Social, en la que se expusieron 74 ilustraciones, producidas con motivo de la muestra, y que engloban la presente colección –representativa de la rica y amplia trayectoria del caricaturista Luis Grañena–, y varios ejemplares de revistas y periódicos con los que ha colaborado a lo largo de su carrera. La exposición se dividió en varios ámbitos temáticos, en los que se dieron cita destacados personajes del siglo XX y XXI, referentes de la política nacional e internacional, el cine, el deporte, la música o la literatura.

Licenciado en Historia del Arte, Luis Grañena se inició en infografía en el Heraldo de Aragón. Pronto dio el salto al dibujo y fue trabajando un estilo personal y característico con el que dar vida a personajes a través de sus ilustraciones. A las espaldas de Grañena se pueden contar más de 3000 caricaturas, muchas de ellas han ilustrado las páginas de periódicos locales como Heraldo de Aragón –durante casi una década–, y ha colaborado también de manera habitual en prestigiosas editoriales del ámbito nacional e internacional, como The New Yorker (USA), The Independent (UK), Liberation (Francia), La Tercera (Chile), Sábado (Portugal), El País, Vanity Fair o La Vanguardia (España).

Retrato de cuerpo entero, y posición de tres cuartos, de una figura masculina que se corresponde con el fraile Juan  Bautista de Santa Fe, que viste el hábito pardo de la orden capuchina y muestra en el suelo una corona y el capelo cardenalicio, a izquierda y derecha respectivamente; dignidades a las que renunció el retratado. En el ángulo superior derecho campean las armas de este religioso capuchino. 

Composición abstracta formada por numerosos signos y trazos en negro sobre un fondo de manchas de color en tonos blancos, amarillos y marrones. Utiliza una técnica de denso empaste de la masa pictórica, que junto con las cruces negras, acentúa el carácter dramático de la escena. Juan José Vera fue miembro fundador del Grupo Zaragoza (1964-1967), sucesores de la plástica del Grupo Pórtico (1948-1951), continuando el estilo neocubista de abstracción geometrizante.

Retrato de una  figura masculina en posición tres cuartos y de pie, que se corresponde con el decano Agustín Vicente Gella. El personaje viste toga negra, con puñetas de encaje rosadas, pajarita blanca, y muceta roja, sobre la que destaca una medalla dorada y dos condecoraciones. Porta la epitoga sobre el hombro izquierdo. La heráldica del personaje aparece representada en el ángulo inferior izquierdo. El fondo formado por pinceladas rectas en amarillos,blancos, verdes y azules.

Composición abstracta formada por un gran rectángulo negro sobre fondo blanco, a los que se superponen a su vez, líneas verticales y en zig-zag, en colores azul y verde.

Fotografía en blanco y negro, formato horizontal. En el exterior de una plaza delimitada por algunos edificios al fondo entre los árboles, en primer plano se retrata la figura de un coche negro y lujoso, de tipo berlina visto desde su perfil -desde un lateral- con el chófer y un hombre en el lado opuesto que parece solicitar sus servicios de transporte.

En esta escena un hombre en primer término y sobre un patíbulo está siendo ejecutado en el garrote al ser descubierto en posesión de una navaja, en un segundo plano el pueblo asiste con dolor y desagrado a su ejecución. Se trata de una práctica con carácter ejemplificador y de advertencia hacia al pueblo que desde el 19 de octubre de 1809 José Bonaparte instauró como medio de ejecución en España. El ajusticiado lleva una vestimenta negra, de su cuello cuelga una cuerda de la que pende una navaja y un texto en el que se narran los motivos por los que está siendo ejecutado, tal circunstancia responde a la orden que desde diciembre de 1808 todo ciudadano de Madrid que fuese sorprendido con un arma debía ser arrestrado y condenado  muerte, y de él debía colgar el arma que se le había encontrado y en un papel escrito los motivos de su arresto. Pero la posesión de este arma era usual en la vida cotidiana del pueblo en este momento, por lo que el autor critica  la desproporción de este castigo ya que podian ser castigados aunque no se hubiesen visto envueltos o haber protagonizado algún acto subversivo.Su rostro refleja el dolor y la agonía al que ha sido sometido,mantiene sus ojos cerrados,la lengua y sus pelos herizados,mientras sus manos entrecruzadas se aferran a un crucufijo que aún logra mantener. El pintor muestra su repulsa y rechazo ante la pena de muerte que en este caso muestra con gran dureza y realismo, mostrando a través del título de la estampa la causa efecto, la cual Goya entiende desporporcionada e injustificada.

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Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

Al igual que en otros carteles, Ferrer crea una imagen con solo tres colores y figuras sencillas. Por otro lado, y según cuenta además en el catálogo de la exposición, este encargo fue aprovechado “Para rendir un tributo al titiritero argentino Javier Villafañe, responsable en buena medida de mi decisión de estudiar arte dramático”.

Fotografía en blanco y negro del puente de piedra de Zaragoza capturada desde la ribera. Una figura de espaldas -un niño- avanza en dirección hacia el puente, salvando a su paso la vegetación y las piedras que le rodean. Al fondo de la imagen, tras el puente, se aprecian varias edificaciones industriales. A la izquierda, varios árboles conforman una alameda.

Fotografía en blanco y negro de la fachada y puerta de entrada al antiguo Hotel Colón de Barcelona, con mesas y sillas de terraza al exterior, todo completamente vacío. Llaman la atención los carteles en la entrada que indican “refugio” y flechas que señalan la puerta del hotel. Forma parte de los positivos que se expusieron en la muestra "La caja de galletas. El autor y su obra" que se llevó a cabo en la Casa Molino de Ángel Ganivet de la Diputación de Granada en 2010. La serie de fotografías fueron halladas por los hijos del fotógrafo en una caja de galletas en su estudio, que albergaba 800 negativos de imágenes que fueron tomadas en su época como fotoperiodista y, también, a la vuelta de su exilio en Francia. 

En esta escena se muestra a San Juan Evangelista, un hombre joven, de cabello largo y rizado, imberbe. Aparece de pie, con la pierna derecha ligeramente flexionada hacia adelante. Viste largos ropajes que cubren toda su figura. A sus pies aparece un águila, su símbolo en el tetramorfos.

En la mano derecha sostiene el libro del Evangelio. Con la mano izquierda alza una copa de la que asoma una pequeña serpiente. Esta iconografía remite a una leyenda apócrifa por la que un sacerdote del templo de Diana, en Éfeso, ofreció a San Juan Evangelista una copa de vino envenenado. Antes de beber, el apóstol la bendijo, y en ese momento el veneno tomó la forma de una pequeña serpiente que salió de la copa. A continuación, San Juan bebió el vino sin efectos mortales.

Forma parte de la obra Apostolado de Rafael, una serie de grabados compuesta por catorce láminas, publicada entre 1788 y 1819 (BNE). El grabador de la serie es Vicente Mariani y Todolí, que reproduce dibujos realizados originalmente por Rafael Sanzio (1483-1520), y que ya habían sido convertidos en series de grabados en ocasiones anteriores, tanto en el siglo XVI como en el XVII. La colección de la Universidad de Zaragoza cuenta con diez de las catorce láminas, cuyas fichas pueden consultarse en los siguientes enlaces: El Salvador del Mundo, San Pedro, San Mateo, Santiago el Mayor, Santiago el Menor, San Andrés, San Felipe, San Bartolomé, San Simón.

Las láminas que faltan son las correspondientes a San Matías, Santo Tomás, San Pablo y San Judas Tadeo.

En cuanto a sus características formales, todas las representaciones siguen un esquema fijo. En el centro se dispone la imagen del personaje principal, con sus atributos característicos. Bajo la imagen, se identifica del personaje con su nombre en letras mayúsculas. Por último, se incluyen unas líneas del Credo, diferentes en cada caso. La única lámina que no tiene referencias al Credo es la del Salvador del Mundo.

El primer grabador que realizó las reproducciones de estos dibujos de Rafael fue Marcantonio Raimondi (1480- h. 1534), grabador italiano de la escuela boloñesa, en la serie El Salvador y los doce apóstoles. La serie de Raimondi incluía las siguientes imágenes: El Salvador del Mundo, San Pedro, San Pablo, San Mateo, San Juan Evangelista, San Judas Tadeo, Santiago el Mayor, San Andrés, San Felipe, San Bartolomé, San Simón, San Matías y Santo Tomás.

Con el mismo título, la serie de Raimondi fue reinterpretada en el siglo XVII por el grabador francés Jean Baron (1631-1650), con la diferencia de que se intercambió la figura de San Pedro por la de Santiago el Menor. Puede que Todolí conociese las dos series y las combinase para crear el Apostolado de Rafael, cuyo título ya no alude a los doce apóstoles porque en total se representan trece: todos los que aparecían en la serie de Raimondi, más el Santiago el Menor que incluía Jean Baron.

Vicente Mariani y Todolí (Valencia, c. 1765-Madrid, 1819) fue un grabador calcográfico español, nacido en el seno de una familia de artistas italianos afincados en España. Se formó como grabador en París a finales del siglo XVIII como discípulo de Juan Pillement. Trabajó como Conserje de la Real Galería de Pintura del Museo del Prado entre 1818 y 1819.

Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

En el catálogo de la exposición, Ferrer señala que “Los comercios Todo a cien rebosan de posibilidades, son un proveedor de material insólito”. De este modo, muchos de los personajes que construye se conforman con materiales y objetos de dichos comercios, conformando así pues, figuras como este ratón, cuya cabeza hace con una taza.

Políptico de cuatro piezas obra de los años 90 expuesta en la muestra ‘Rastros’. De esta época destaca la metáfora del vuelo de nuevo en sus obras, pero bajo otros significados. “Las alas del políptico extirpadas y aumentadas como si las contempláramos a través de un microscopio”. También en esta época, la artista entendía sus obras como metalenguaje de conocimiento y comunicación.

Rastros es el título escogido por Alicia Vela (Villalengua, 1950) para reunir en una exposición un conjunto de pinturas, grabados y dibujos que la artista realizó entre 1982 y 2007. Para contarse en el presente, Alicia Vela ha tenido que buscar, recopilar e interpretar huellas infinitesimales de su trayectoria pasada, en lo artístico y lo vital. En las salas especularmente confrontadas, las pinturas de gran formato dialogan con xilografías, grabados o dibujos de distintas etapas, formatos y series. El discurso diacrónico ha sido sustituido por la lógica interna de un imaginario que se formula y revisita, siempre transformado, ante nuestros ojos.

Representa una naturaleza muerta compuesta por dos objetos o recipientes redondos con tapa.

Composición geométrica dividida en cuatro espacios creados a partir de una semicircunferencia y una línea vertical que divide la representación en dos. La obra se caracteriza por el uso del color rojo intenso.

Vista de la Catedral de Santiago de Compostela desde la Plaza de Quintana, donde se sitúa la Puerta del Perdón o Puerta Santa, al Este de la catedral, en su cabecera.

Silla de color verde pastel ribeteado en pan de oro y con adornos de rocalla también sobredorada. Esta obra forma parte de un conjunto de mobiliario de estilo rococó. 

Fotografía en blanco y negro. Formato horizontal.Una familia posa para la fotografía delante de su casa de campo, una construcción de marcado caracter rural y funcional. A un lado en el fondo podemos ver algunos animales domésticos entre la vegetación y otra serie de dependencias aledañas quedan apuntadas, aunque el protagonismo total es de la vivienda. La familia figura centrada en un primer término y los perfiles de algunos árboles ofrecen el contrapunto vertical a la marcada horizontalidad del edificio y la composición.

En la escena principal de esta estampa, aparece un grupo de hombres ataviados con nobles vestimentas y bastones procesionales, que portan sobre sus hombros una imagen religiosa, que se asemeja a una virgen. Detrás de estos, en la sombra, aparece otro grupo con las mismas caracteristicas. Podría tratarse de la Virgen de la Soledad, Según Jesusa Vega, a la que Fernando VII se encomendaba para pedirle salud, o la Virgen de Atocha, en cuyas manos habia dejado al país en 1808 cuando abandonó el trono.

No se puede entender esta imagen sin la estampa anterior, ambas se complementan en la crítica religiosa. En este caso, la crítica está enfocada a la clase social a través de las vestiduras un tanto anticuadas, el artista pretende reprochar a la aristocracia que revitalizó las creencias religiosas tras la Guerra de la Independencia, aún cuando la propia iglesia cuestionaba estas prácticas. En la estampa anterior la crítica está enfocada hacia las prácticas religiosas directamente y la sobredosis de fe, a través de un asno que procesiona un ataúd con una beata. 

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Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

“Me gusta cuando a través del juego de la forma tipográfica la palabra deviene en imagen. Y viceversa, cuando la imagen se convierte en palabra” dice el diseñador en el catálogo de la exposición con respecto a este cartel en el que, las propias letras del título, son las encargadas de dar forma con su conjugación, en diferentes formatos y posiciones, a ese camello que se dibuja sobre un fondo negro.

Ilustración de Luis Grañena temáticamente adscrita al ámbito de la política nacional, concebida para el periódico Contexto, en la que se representa de manera caricaturizada a Felipe González. Fue presidente del Gobierno español entre 1982 y 1996 por el Partido Socialista Obrero Español. Primer gobierno del PSOE tras la dictadura.

Esta ilustración formó parte de la muestra “Nunca olvido una cara…pero con la suya haría una excepción”, organizada por el Vicerrectorado de Cultura y Proyección Social, en la que se expusieron 74 ilustraciones, producidas con motivo de la muestra, y que engloban la presente colección –representativa de la rica y amplia trayectoria del caricaturista Luis Grañena–, y varios ejemplares de revistas y periódicos con los que ha colaborado a lo largo de su carrera. La exposición se dividió en varios ámbitos temáticos, en los que se dieron cita destacados personajes del siglo XX y XXI, referentes de la política nacional e internacional, el cine, el deporte, la música o la literatura.

Licenciado en Historia del Arte, Luis Grañena se inició en infografía en el Heraldo de Aragón. Pronto dio el salto al dibujo y fue trabajando un estilo personal y característico con el que dar vida a personajes a través de sus ilustraciones. A las espaldas de Grañena se pueden contar más de 3000 caricaturas, muchas de ellas han ilustrado las páginas de periódicos locales como Heraldo de Aragón –durante casi una década–, y ha colaborado también de manera habitual en prestigiosas editoriales del ámbito nacional e internacional, como The New Yorker (USA), The Independent (UK), Liberation (Francia), La Tercera (Chile), Sábado (Portugal), El País, Vanity Fair o La Vanguardia (España).

Copia original de época en blanco y negro. Formato vertical. Vista frontal de la fachada de la Iglesia de Santa Engracia, según reza en el ángulo inferior izquierdo. En la parte inferior de la imagen, delante de la rejería se observan cinco personas de pie, cuatro de ellas con uniforme militar. Y a su derecha, otro personaje sentado sobre el escalón de acceso. En el ángulo inferior izquierdo se dispone una garita de guardia. Falta la torre campanario de la derecha.

Esta fotografía muestra un tapiz historiado en el que se desarrolla el episodio de Moisés y la zarda ardiendo (Éxodo 3-4).

La escena tiene lugar en el campo, cerca de la ciudad de Madián, cuando Moisés está pastoreando un rebaño de ovejas de su suegro, Jetró. En un momento dado, Moisés se encuentra ante la visión de una zarza que arde sin consumirse, y de entre las llamas aparece Dios, quien le indica que debe descalzarse, porque está en un lugar sagrado. El tapiz sigue el esquema compositivo habitual para este episodio.

Dios aparece con aspecto humano en el extremo superior derecho, rodeado de llamas, sobre la zarza; por otra parte, Moisés está sentado en el lado izquierdo, quitándose una sandalia y rodeado de sus ovejas.

La cenefa que rodea la escena contiene profusa decoración con motivos vegetales, florales y angelotes. El orillo del tapiz contiene la marca de la ciudad de Bruselas, dos letras "B" mayúsculas flanqueando un escudo, en el extremo inferior izquierdo.

La impresión de la fotografía tuvo lugar en el Estudio García Garrabella de Zaragoza.

Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

Con varios materiales, Ferrer hace una composición en la que se muestra un personaje de extraño rostro que no sabemos si es su cara o una máscara. De este cartel, el diseñador señala en el catálogo de la exposición: “La máscara es al teatro como el teatro es a la vida”.

Composición abstracta en tonos pastel y ocres, realizada a partir de papeles de formas irregulares, pintados y pegados.

Esta estampa muestra a dos brujas cabalgando sobre una escoba y sobre ellas, a la derecha, un ave rapaz con las alas desplegadas. Abajo, en la tierra, se aprecian unos árboles y un reducido grupo de personas en el centro, que contemplan la escena del aire. Los comentarios de la época no arrojan mucha luz sobre el significado: "La escoba suele servir a algunas mulas de paso enseñan a las mozas a volar por el mundo", pero en conjunto se pueden comprender las connotaciones de incitación sexual de la escena.

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Tenemos en primer plano a una mujer que sostiene un niño y que a su vez esta alanceando a un soldado. Junto a ella y detrás aparece una figura femenina tumbada la cual sostiene un puñal en la mano. En segundo plano tenemos presente un cúmulo de personajes que se enzarzan en una pelea. El uso de líneas diagonales, recurso utilizado por Goya en muchos momentos de la serie, genera inestabilidad y dinamismo, trasmitiendo así en el espectador toda la carga de violencia que se está desarrollando en la escena. Ha utilizado, por tanto, el mismo recurso que en la estampa nº4: las mugeres dan valor. Solo la mujer que se encuentra tumbada a la izquierda tiende a crear un poco de estabilidad en el cuadro. No esta muy claro contra quien se dirigen, aunque si podemos apuntar la idea de que es como un grupo guiado por una violencia irracional. Está presente un uso de la aguatinta más comedido. Aquí Goya resalta el protagonismo de la mujer en la contienda, prosiguiendo con el papel que tenian las mujeres en la guerra acorde con la temática de la estampa anterior de la serie.

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Estatuilla de bronce representando a una niña pescadora sobre una base de mármol negro con vetas grises y blancas.

Fotografía en blanco y negro del salón de actos (actual Sala Paraninfo), situada en el ala norte de la planta principal, tomada desde la cabecera. El espacio se muestra diáfano y en los muros se disponen una serie de arcos cegados y una galería practicable sobre el acceso.

Esta fotografía pertenece al conjunto de 87 clichés de temática heterogénea que conforman la colección Carlos Marquina Arrieta. 53 de estas imágenes suponen un testimonio visual de primer orden sobre la historia arquitectónica y urbanística de la ciudad de Zaragoza.

Este “reportaje arquitectónico” debe su autoría a los hermanos Hilarión y Enrique Villuendas Torres, quienes estuvieron estrechamente ligados a la Universidad de Zaragoza por formación y desempeño profesional. Aunque no fueron reconocidos como fotógrafos profesionales, mostraron gran interés por documentar la llegada del progreso y la modernidad a la ciudad a finales del siglo XIX, algo que queda reafirmado con el proyecto de creación del Gabinete Fotográfico de Medicina y Ciencias.

Por ello, la construcción del nuevo edificio proyectado por Ricardo Magdalena para las Facultades de Medicina y Ciencias no pasó desapercibida para estos hermanos que, a través de su cámara, documentaron este hito arquitectónico. Tanto es así que, con motivo de la inauguración del edificio en 1893 y en dedicatoria a la infanta Isabel de Borbón, se publicó un álbum fotográfico que contaba con 24 imágenes tomadas por el objetivo de los Villuendas. Los positivos, acompañados por una reproducción fotográfica del plano del edificio Paraninfo, nos permiten visualizar la evolución constructiva del inmueble y de los pabellones anejos poco antes de su apertura, el 18 de octubre de 1893.

Con motivo del aniversario del edificio Paraninfo, se procedió a la investigación, restauración y digitalización del reportaje fotográfico completo, del cual se seleccionaron 33 imágenes para la exposición El Paraninfo de Zaragoza, 125 años. Las fotografías de los hermanos Villuendas Torres. Esta muestra tuvo lugar entre el 18 de octubre de 2018, coincidiendo con la fecha de la inauguración del edificio en 1893, y el 2 de febrero de 2019.

Santiago Ramón y Cajal (Petilla de Aragón, 1852-Madrid, 1934) fue un importante médico y neurocientífico español. Ganó el premio Nobel de Fisiología o Medicina en 1906 por sus contribuciones al conocimiento de los tejidos nerviosos, concretamente la constatación de la independencia de las células neuronales y los procesos que permiten la comunicación entre ellas. Estudió la carrera de Medicina en la Universidad de Zaragoza, y ocupó las cátedras de Histología en la Universidad de Barcelona, y de Histología e Histoquímica Normal y Anatomía Patológica en la Universidad Central de Madrid. Fue el primer director de la Junta de Ampliación de Estudios (JAE), predecesora del Consejo Superior de Investigaciones Científicas.

Retrato de una mujer joven con el rostro de perfil con el cabello rizado.

San Rafael es uno de los arcángeles de la Biblia. Según el relato bíblico, acompañó al joven Tobías al país de los Medos y curó la ceguera de su padre Tobit con la hiel del pez (Tobías, VI y XI). 

Representado de pie y en posición de tres cuartos, con potentes alas, viste sayas blancas y un blusón ajustado a la cintura sobre el que voltea un manto movido por el viento. En su mano izquierda lleva la hiel del pez y en la derecha una jarra de plata alusiva probablemente a su condición de abogado de los enfermos. Su figura se halla representada sobre un paisaje dispuesto en un punto de vista muy bajo, en el que se contempla, a la derecha, una segunda escena correspondiente a su iconografía: el arcángel ofreciendo la hiel del pez a Tobit para curar su ceguera. 

Composición abstracta en diagonal, con formas geométricas de trazos negros y blancos sobre tonos suaves.

En esta escena se advierte cómo una mujer-pájaro, planteada de manera similar a la tradicional esfinge, caracterizada por sus aviesas intenciones y sin dudar en mostrar sus encantos  del modo más provocador que sabe, sirve como señuelo (y así lo indica su iluminación, más destacada) para que caigan en la trampa todo tipo de aduladores y hambrientos seres. Goya representa como si fueran aves de mal agüero a hombres pertenecientes a todos los estamentos, desde un fraile encapuchado hasta un oficial con su sable o u joven arrobado, que bien pudiera ser el retrato del propio autor. Tales seres pululan como avechuchos en torno a la prostituta, subida en la rama central. La alegoría se desarrolla en dos zonas: la superior, en la que se encuentran esos seres en torno a la mujer-pájaro, y la inferior, donde se hallan otras dos rameras que, con rostros sonrientes, están ya desplumando a una de sus víctimas. Junto a ellas con cara viciosa puede distinguirse a una vieja alcahueta que se frota las manos en señal de avaricia pensando en la cantidad de clientes que caerán en sus redes. La manera en que el artista ha resuelto la escena tiene una indiscutible gracia, convirtiendo a los personajes en pájaros que merodean en torno al señuelo de la joven y guapa prostituta. Sin embargo la parte inferior de la estampa tiene un tono mucho más impactante y desagradable, donde las otras dos jóvenes están desplumando y empalando al pájaro sin ningún reparo.

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Copia original de época en blanco y negro. Formato horizontal. Vista general de la Muralla antigua con trazas del famoso sitio de Zaragoza, según reza en el ángulo inferior izquierdo. El tercio inferior de la imagen lo ocupa la acera con árboles por delante de la muralla en la que se dispone una pequeña puerta en el centro. En la parte central podemos ver de izquierda a derecha, un torreón semicircular con dos pisos y un vano en cada uno de ellos cerrados con rejas, cubierta de tejas a una vertiente y chimenea. En el centro, un edificio de tres plantas con tres ventanas en cada uno, excepto en el último que se ven cuatro. Por detrás del tejado, en el centro superior de la imagen asoman dos caras de una torre campanario con una campana en cada uno de ellos, parte del remate y tres pináculos. A la derecha, otro torreón con un sólo vano y otros dos edificios. El del extremo derecho cuenta con dos pisos y en su fachada, dos ventanas en el inferior y una en el piso superior, rematando con una falsa con cuatro vanos rectangulares en la fachada lateral y principal cerrados con decoraciones piramidales y cubierta a dos aguas.

Ampliación de la fotografía original en blanco y negro en formato vertical. En esta imagen se observa una vista de la ciudad de Zaragoza desde una posición elevada, donde se puede apreciar la Basílica de Nuestra Señora del PIlar en proceso de construcción de las torres.

Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

Para este cartel, Isidro Ferrer recurre de nuevo a la bicromía y a las siluetas, en esta ocasión de una flecha que se retuerce y anuda quedando como única protagonista de la obra.

La marea inolvidable es una serigrafía de Isidro Ferrer, realizada en 2023 con motivo del 20º aniversario del traslado de los restos mortales del oceanógrafo español y aragonés Odón de Buen desde México hasta Zuera, su pueblo natal.

En el centro de la serigrafía se muestra un gran pez de cabeza y aletas rojas, al que se superpone una figura humana, que queda recogida en su interior. Los dos están en posicion horizontal, con la cabeza dirigida hacia el lado izquierdo de la impresión. Alrededor, las ondas del agua los rodean y enmarcan.

La Universidad de Zaragoza cuenta con otro ejemplar de esta obra, con número de inventario A-894.

Composición rectangular y plastificada, dividida en dos partes desiguales, siendo más grande la de la izquierda, de color crema y con estampado floral. La parte de la derecha posee un fondo oscuro decorado con puntos blancos. Sobre la superficie plastificada la artista ha realizado una serie de dibujos figurativos en color rojo entre los que distinguen varios pájaros.

Vista del interior del claustro del la iglesia del monasterio de la orden de los Jerónimos de Santa Engracia. En la escena aparecen en el interior  del claustro de dos plantas de estilo gótico con arcos de herradura en ladrillo de infuencia islámica, un grupo de frailes dominicos con el hábito blanco y negro.

El autor de esta obra, Jenaro Pérez Villaamil, es el máximo representante del paisajismo romántico español. A este artista pertenece España Artística y Monumental, un libro de viajes con litografías de la España romántica.

Retrato en posición tres cuartos de una figura masculina barbada con el semblante serio, que se corresponde con el político Juan Navarro de Yturen. El personaje viste frac y pajarita negros con reloj de bolsillo dorado cuya cadena pende del chaleco. A su izquierda hay una mesa con mantel rojo sobre la que apoya un libro que sujeta con la mano, y junto a la mesa una cortina dorada y roja. El fondo de la composición es neutro en tonos grises y negros. El cuadro sigue la moda del retrato decimonónico caracterizado por el estilo académico,  en el que destaca el dibujo y sus formas perfectamente acabadas. 

Político español del siglo XIX que fue gobernador civil de Zaragoza y diputado a Cortes. Bajo su iniciativa se creó la Facultad de Medicina y Ciencias de la Universidad de Zaragoza, cuya aprobación fue votada en el Congreso de los Diputados en 1876.

Fotografía en blanco y negro de composición vertical, en la que aparece retratada de cuerpo entero María Luisa, la hija del fotógrafo Luis Gandú, acompañada por tres mujeres. Presumiblemente se trata de un paseo, en época invernal, tal y como evidencian sus abrigos y la ausencia de vegetación en los árboles del entorno.

Retrato caricaturesco del rostro de perfil de una figura masculina con la boca y los dientes muy pronunciados, los ojos cerrados, grandes cejas y la frente arrugada.

Miguel Sancho Izquierdo fue concejal del Ayuntamiento de Zaragoza y Rector de la Universidad de Zaragoza (1941).

Médico y botánico aragonés (Zaragoza, 1675-Madrid, 1760). Estudió Artes y Medicina en la Universidad de Zaragoza. De paso por esta ciudad, María Luisa Gabriela de Saboya, esposa de Felipe V, cayó enferma y fue curada por Suñol. Por este motivo fue nombrado primer médico de cámara.