Patrimonio Cultural
Universidad de Zaragoza

Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

“Junto a Elena y con Gretel y Jacinto ponemos en marcha La nimbo fabrique, un taller de construcción poética de objetos. Su presentación es una declaración de intenciones: «La nimbo fabrique tiene nombre de nube. Una nube es siempre otra cosa. Los objetos de la nimbo fabrique son siempre otra cosa, incluso una nube»” escribe Grassa Toro en el catálogo de la exposición en relación a este cartel y el proyecto de La nimbo fabrique.

“El primer objeto nacido de la empresa sirve para dar imagen al cartel que bajo el lema Célébrer Paris se expuso en los Campos Elíseos durante la Fête du Graphisme, patrocinada por el Ministère de la Culture et de la Communication y el Ayuntamiento de París” cuenta ya en este caso, Ferrer con respecto a dicho proyecto.

Estampa circular en la que aparece el rostro de un cordero mirando de frente al espectador. Los corderos son especies de menos de un año de edad pertenecientes al género Ovis –ovejas–. El fondo de la imagen es totalmente negro, dejando el protagonismo de la estampa al cordero.

Esta estampa es un regalo de la Casa de Ganaderos con motivo de las fiestas navideñas y, acorde con el momento, hace alegoría al Agnus Dei o cordero de Dios.

La obra viene acompañada por una carpeta en la que se detalla la procedencia de este regalo – Fundación Casa de Ganaderos – y una dedicatoria,  mientras que en el reverso se incluye una breve biografía de la artista, Lina Vila, y datos de la obra: "Agnus Dei, el cordero de Dios que quita el pecado del mundo, es un grabado que la artista ha llevado a cabo como si de un retrato universal se tratase, sublimando la imagen del animal, que se proyecta hacia nosotros observándonos como a extraños con incertidumbre".

Composición abstracta de carácter orgánico en colores rosas, verdes, negros, marrones, rojos y ocres.

Composición fundamentalmente abstracta de carácter orgánico, con ciertos elementos figurativos, como detalles de rostros humanos deformados. Predomina el uso del color negro para los fondos, y los colores marrones y blancos. 

Caballo ante un paisaje con arbustos y fondo de cadena montañosa baja. Capa negra (hita). Ejemplar de cabeza relativamente pequeña y de perfil recto, con ojos expresivos, de mirada fiera y de forma redondeada, hollares y hocico amplios, este último de tendencia cuadrangular y orejas pequeñas. Cuello muy piramidal, bien insertado en el tronco. Cruz poco destacada. Tronco de longitud moderada, fuerte, bien constituido. Grupa redondeada, con nacimiento de la cola de altura media. Extremidades con nalgas redondeadas, bien constituidas, ligeramente remetidas de delante, cascos proporcionados y altos de talones. Crines pobladas y cortas.

Paisaje de carácter onírico y naif en colores vivos, en el que aparecen representadas unas figuras antropomorfas con bastón, de aspecto mágico, a modo de pequeños duendes.

Se puede ver otro ejemplo de la tirada en A-264

Retrato de perfil de una figura masculina, un hombre anciano de rostro arrugado y barba larga.

Retrato sedente de cuerpo entero de una figura masculina, en posición tres cuartos, que se corresponde con San Isidoro de Sevilla. El personaje aparece vestido con alba talar y amplia capa pluvial y mitra; mientras sostiene un infolio con la mano izquierda y en la derecha lleva el báculo. El fondo lo compone un gran cortinaje que, recogido tras él, deja ver el pedestal de una columna, ante un fondo luminoso.

Esta obra es una copia con algunas diferencias, del cuadro pintado por Murillo para la sacristía mayor de la catedral de Sevilla.

Busto de figura andrógina de cuello muy estilizado. Torso de frente y rostro en posición de tres cuartos. El cuerpo se colorea en verde claro, con rayas trazadas en verde más intenso y morado, resaltando el rostro en rojo anaranjado. Forma parte de la serie "Oyentes".

Esta escena resulta extraña y misteriosa, desencadenando no poca admiración en los ciertos artistas del siglo XX, sobre todo los surrealistas. Pueden verse cuatro personajes, dos muchachas jóvenes con rostro alegre en primer plano y dos personajes masculinos detrás. Las jóvenes visten unas enaguas, pero en vez de llevarlas a la cintura como es habitual, se las han colocado sobre la cabeza cubriéndoles sólo el cuerpo hasta los muslos. Sin embargo, lo más curioso es que ostentan unas sillas sobre sus cabezas, de madera y cáñamo, con las patas hacia arriba. Los hombres se burlan de su aspecto con grandes risas. El título propone un juego al espectador, jugando con el sentido figurado de “tener asiento” como tener juicio pero plasmando lo contrario con la escena.

Más información sobre esta edición aquí.

Copia original de época en blanco y negro. Formato horizontal. Museo provincial, Capiteles árabes del castillo de la Aljafería, según reza en el ángulo inferior izquierdo. En la parte inferior de la imagen se aprecia: una viga o travesaño de madera dispuesto de manera inclinada; un travesaño colocado de forma horizontal, sustentado por otro dispuesto en vertical; una viga inclinada que aparece iluminada levemente en la parte inferior, y en penumbra en el resto; un travesaño, dispuesto de forma inclinada e iluminado en la parte inferior, en penumbra en el resto de su superficie. Los travesaños sustentan una tabla de madera dispuesta de forma horizontal, sobre la que se sitúan tres capiteles con motivos vegetales que muestran dos de sus caras. Los tres capiteles cuentan con decoración vegetal, con un equino dividido en dos hileras, y un ábaco. En el capitel de la izquierda, apenas se conserva la hilera inferior del equino. En el ábaco del capitel de la izquierda y del central se distinguen las volutas. En la parte superior derecha del capitel de la izquierda y central, se dispone un fragmento de papel con las inscripciones: "92" y "90". El capitel de la derecha aparece, de forma resaltada, a mayor altura que los otros dos. El central se dispone, levemente, a mayor altura que el situado a la izquierda.

Representación vegetal en blanco y negro.

Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

“Disfruto mi segunda temporada al frente de la gráfica para Camper for kids como un niño con zapatos nuevos” explica Isidro Ferrer en el catálogo de la exposición con respecto a este cartel, en el que de nuevo hace uso de animales calzados como protagonistas de la imagen, en este caso un elefante.

Ramón y Cajal inmortalizó con esta imagen la plaza baja de Ayerbe desde su lado sur. Interesado, igual que sus contemporáneos, en la fotografía de monumentos y lugares pintorescos, Cajal encuadra con su cámara la torre del Reloj y el palacio de los marqueses de Urriés, construido en el siglo XVI, y en la actualidad uno de los edificios históricos más emblemáticos de la localidad.

Más fotografías de Ayerbe en esta colección: A-908, A-909, A-910.

Santiago Ramón y Cajal (Petilla de Aragón, 1852-Madrid, 1934) fue un importante médico y neurocientífico español. Ganó el premio Nobel de Fisiología o Medicina en 1906 por sus contribuciones al conocimiento de los tejidos nerviosos, concretamente la constatación de la independencia de las células neuronales y los procesos que permiten la comunicación entre ellas. Estudió la carrera de Medicina en la Universidad de Zaragoza, y ocupó las cátedras de Histología en la Universidad de Barcelona, y de Histología e Histoquímica Normal y Anatomía Patológica en la Universidad Central de Madrid. Fue el primer director de la Junta de Ampliación de Estudios (JAE), predecesora del Consejo Superior de Investigaciones Científicas.

La figura del santo ocupa el primer plano de la composición. Es un retrato de tres cuartos donde el personaje aparece representado de frente. Como fundador de la Orden de los Predicadores viste túnica blanca y manto con capuchón negro. Su atributo personal, una estrella o un sol, aparece sobre su pecho, sujetando la túnica. Junto al santo, un perro (localizado en la parte inferior izquierda), sujeta una antorcha encedida en la boca. Aunque poco habitual, Santo Domingo también porta unas azucenas en su mano y aparece barbado. Un ventanal situado en la esquina superior izquierda abre la composición iluminándola.

Busto masculino de cerámica blanca, que representa una cabeza frenológica, con la compartimentación representada en azul. 

La frenología, ciencia que ha caído en desuso pero que fue muy popular durante el siglo XIX, estudiaba la personalidad de la forma del cráneo, para lo cual se servía de la compartimentación del mismo en áreas. La obra ejemplifica el estudio de la mente y el intelecto que se impulsó durante este período, así como la reflexión sobre la individualidad.

En 1845 Mariano Cubí y Soler, precursor de la frenología en España, diseña esta cabeza frenológica (esculpida por Picazo) para la fábrica de cerámica de la Cartuja de Sevilla, fundada pocos años antes por el comerciante inglés Carlos Pickman. La denominada "cerámica Pickman" se convierte en una de las más preciadas, con numerosos modelos en loza tanto de útiles de menaje, como decorativos o artísticos.

Patio interior con jardín de una casa andaluza, adornado con árboles y flores. A la sombra, conversan sentados un hombre y una mujer. Al fondo, el zaguán bajo un paso en arco rebajado.

Fotografía en blanco y negro del comedor de niños de La Caridad, imagen que formó parte del reportaje "Por los Asilos", suplemento semanal Los lunes de La Crónica, 9 de Diciembre de 1912, p. 5.

Sobre una superficie de color verde se representa un triángulo blanco y verde, en cuyo interior a parece una mariposa. En la parte superior, un zig-zag morado formando triángulos recorre la obra. Un espacialismo simbólico con el cosmos como transfondo, de marcado carácter poético.

Se puede ver otro ejemplo de la tirada en A-236, A-471, A-472

Retrato frontal de una  figura femenina que se corresponde con la decana María Luisa Frutos Mejías que viste toga negra, con puñetas de encaje y muceta azul, sobre la que destaca una medalla dorada. El personaje aparece representado de pie, detrás de una mesa de trabajo sobre la que descansan, un ordenador portátil, varios libros, el birrete azul y un par de guantes blancos. Sobre un fondo oscuro destaca el mapa de Aragón. Especialmente expresivo el rostro de la retratada, de gesto afable y sereno, que muestra al espectador, señalando con la mano izquierda, un folio con un escrito que la identifica como decana.

Paisaje en el que se representa un entorno natural con arquitectura.

En esta conocida obra puede verse a Goya sentado, apoyando su cabeza sobre la mesa de trabajo para descansar. En su estado de relajación el artista se duerme y sueña con monstruos acechándole. El comentario escrito bajo la estampa "La fantasía abandonada de la razón produce monstruos imposibles: unida con ella es Madre de las Artes, y origen de sus maravillas" indica que los "monstruos" en el fondo no son tales, sino que se trata de seres que tienen el poder de evocar lo fantástico y lo maravilloso. Por este motivo algunas obras de Goya fueron tan alabadas por los surrealistas en el siglo XX, por su capacidad para generar atmósferas y seres "fantásticos". Existen dos dibujos preparatorios de esta estampa, con iconografías muy complejas y notablemente distintas al grabado final. Una de ellas lleva una inscripción donde se lee: "El autor soñando. Su intento solo es desterrar vulgaridades perjudiciales, y perpetuar con esta obra de caprichos el testimonio sólido de la verdad" . De la cabeza del pintor recostada salen multitud de murciélagos con sus alas desplegadas, así como un lince acechante a su lado. La tipología de dichos animales parece derivar de la utilizada por Giambattista Tiépolo en el grabado Scherzi di fantasia (1775).

Más información sobre esta edición aquí.

Grabado vertical compuesto por retrato rectangular enmarcado y  filacteria barroca en la parte inferior, conteniendo un breve epítome biográfico del personaje representado. En esta ocasión se trata del Justicia de Aragón Martín Bautista de Lanuza. Se le representa de pie, de medio cuerpo y en posición de tres cuartos hacia la derecha, con la mirada fija en el espectador. En ambas manos sostiene pliegos de papel escritos, descansando la mano izquierda sobre una mesa y la derecha levantada a la altura del pecho. Viste traje de golilla abotonado por delante y cubierto por una amplia garnacha, prenda precedente de la toga, siendo la indumentaria fijada por Felipe II para los magistrados. El retratado luce pelo corto y barba ligeramente puntiaguda. Al fondo a la derecha asoma una pared y cortinaje de aparato.

Esta obra forma parte de una serie titulada Retratos de los españoles ilustres proyectada en 1788 por la Secretaría de Estado. Fue realizada en la Real Calcografía (hoy Calcografía Nacional), una institución creada en este momento para acometer importantes proyectos de grabado surgidos en el marco de la política ilustrada. La serie se publicó periódicamente desde el año 1791 hasta 1819 llegando a estampar/emitir un total de 114 retratos, cada uno con su correspondiente epítome biográfico. El objetivo de esta edición era doble: difundir la vida de los grandes hombres de nuestra historia con la clara intención política de reflejarse/posicionarse como gran potencia, así como impulsar el desarrollo de las artes gráficas y perfeccionar la técnica de los grabadores del momento.

Sobre un fondo de tonos ámbar y tierra, difuminados de forma irregular, emerge en la mitad izquierda un vástago de madera enrollado sobre sí mismo. Esta obra pertenece a la etapa inicial del artista, inspirada en una naturaleza fosilizada y enigmática, en la que utiliza técnicas y materiales tradicionales, que posteriormente abandonará tras la serie Dioramas. 

Retrato sedente de una figura masculina que se corresponde con el obispo San Braulio.

Retrato de un grupo de religiosas y profesoras que posan en las escaleras de la entrada al colegio.

Fotografía en blanco y negro. Formato horizontal.Escena interior en lo que podría ser un estudio o una estancia de improviso acomodada para tal fin. El torero Juan Ballesteros "Herrerín", de joven rostro, posa sentado en una silla, vestido de luces, preparado para empezar su trabajo en el ruedo. No atiende a la cámara, pero Gandú logra captar la dignidad en la firmeza de su mirada.

La escena principal del grabado viene marcada por la resurrección de la mujer protagonista de la estampa número 79 Murió la verdad. En este caso a la derecha de la figura femenina que resucita, Goya ha colocado a un monje que sujeta una piedra con su mano izquierda y con la derecha una especie de trompeta. Alrededor del cuerpo resucitado de la mujer aparece una serie de personajes con rostros de felinos y vampiros sorprendidos, y parece que aterrados, por el acontecimiento que están presenciando. Destaca el personaje asemejado al felino que acoge en sus manos un libro abierto hacia el cielo.

Algunas de las interpretaciones que se le ha dado a esta obra es la del miedo que tenía la población hacia la posible implantación de la Constitución. Por otro lado, se cree que el artista ya sabía que durante el segundo periodo constitucional se implantaría de nuevo la constitución y de ahí que acentuara el verbo del título de esta obra.  Por otro lado, se sabe que Goya podría conocer el salmo 85, 11 de la Biblia en el que se habla de que "la verdad brotará de la tierra", o la obra de Antonio Bernabéu la España venturosa por la vida de la Constitución y muerte de la Inquisición. También podría haber sido influenciado, una vez más, por la obra Gli Animali Parlanti de Giambattista Casti. Jesusa Vega en sus estudios defiende que se trata de un tema secular, en este caso la Resurrección de Cristo.

Más información sobre esta edición aquí.

Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

Ferrer hace carteles de compromiso social en los que critica la violencia de género. En este caso, la composición cuenta con la cabeza ladeada de una mujer que tiene sobre ella un zapato, símbolo de esa opresión que sufre.

Ilustraciones de Luis Grañena temáticamente adscritas al ámbito del cine internacional, concebidas para la Agencia Illozoo, en las que se representa de manera caricaturizada a los actores Sylvester Stallone, Al Pacino y Liam Neeson, reconocidos en el panorama del cine a nivel internacional.

Esta ilustración formó parte de la muestra “Nunca olvido una cara…pero con la suya haría una excepción”, organizada por el Vicerrectorado de Cultura y Proyección Social, en la que se expusieron 74 ilustraciones, producidas con motivo de la muestra, y que engloban la presente colección –representativa de la rica y amplia trayectoria del caricaturista Luis Grañena–, y varios ejemplares de revistas y periódicos con los que ha colaborado a lo largo de su carrera. La exposición se dividió en varios ámbitos temáticos, en los que se dieron cita destacados personajes del siglo XX y XXI, referentes de la política nacional e internacional, el cine, el deporte, la música o la literatura.

Licenciado en Historia del Arte, Luis Grañena se inició en infografía en el Heraldo de Aragón. Pronto dio el salto al dibujo y fue trabajando un estilo personal y característico con el que dar vida a personajes a través de sus ilustraciones. A las espaldas de Grañena se pueden contar más de 3000 caricaturas, muchas de ellas han ilustrado las páginas de periódicos locales como Heraldo de Aragón –durante casi una década–, y ha colaborado también de manera habitual en prestigiosas editoriales del ámbito nacional e internacional, como The New Yorker (USA), The Independent (UK), Liberation (Francia), La Tercera (Chile), Sábado (Portugal), El País, Vanity Fair o La Vanguardia (España).

Composición de carácter abstracto en tonos grises y negros, aplicados mediante grandes pinceladas muy empastadas. Destaca en el centro una gran zona de color, como una nube en grises y blancos, rodeada de un fondo más oscuro en negro y gris.

Retrato de una  figura masculina, en posición tres cuartos y de pie, que se corresponde con el ilustrado aragonés y rector de la Universidad de Zaragoza, Ramón de Pignatelli (1734-1793). El personaje viste traje azulgrisáceo con levita, sobre la que destaca una condecoración. En la mano izquierda porta unos documentos con un sello lacado rojo, y el antebrazo sujeta el sombreo; mientras que la mano derecha apoya sobre un bastón. El fondo lo compone una pared en tonos morados,  marrones y verdes.

Joaquín Pallarés Allustante (1853-1935) fue un pintor aragonés formado en la Escuela de Bellas Artes de Zaragoza, en Madrid, París y Roma, que practicó todos los géneros, como el retrato o la pintura mural de carácter religioso, entre otros; pero fundamentalmente se le conoce por su especialización en el género de "casacones", pintura de costumbrista de carácter popular. Fue profesor de la Escuela de Bellas Artes de Zaragoza y conservador del Museo de Antigüedades.

Retrato sedente en posición tres cuartos de una figura masculina que se corresponde el decano de derecho, Clemente Ibarra y Pérez. El personaje viste toga negra, muceta de rosada, y birrete con flecos blancos y rojos. Sentado en un sillón, apoyando la mano izquierda sobre dos libros y la derecha sobre el birrete.

Composición abstracta con dos elementos laterales que recuerdan a sendas columnas y que enmarcan otras formas diversas representadas a partir de rayas y manchas, situándose en el centro una masa de perfil estrellado e irregular. La parte superior parece rematada por una forma triangular en cuyo interior se puede leer la palabra «CABINA». Tonos verdes, azules, granates y amarillos, dejando que el blanco del papel sin estampar ocupe un tercio de la zona inferior.

En esta estampa aparece en el centro un viejo general apoyándose en un bastón y dirigiendo bravuconadas a un pobre hombre lisiado que aparece a la izquierda de la composición. Acompaña al general otro militar vestido de oscuro, sombrero de ala ancha y cara afilada. Detrás se observa la figura de otro hombre que se tapa la boca como queriendo ocultar la carcajada. Los comentarios de la época no dejan lugar a dudas sobre la crítica al estamento militar: "Los militares finchados, llenos de gota y de potra, echan bravatas a los tullidos, ya que no las echarán a los enemigos".

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La escena se desarrolla en un espacio interior y reconocible, algo poco común en el resto de escenas de la serie, pudiendo establecer cierta analogía con el espacio de la estampa nº 11 "Ni por esas". La luz entra a través de dos arcos de medio punto que iluminan la estancia y los brutales hechos que allí se están cometiendo. Un hombre maniatado de espaldas al espectador y apoyado en un muro a la izquierda de la imagen va a ser testigo de una violación, una mujer tumbada en el suelo dirige su mirada hacia sus agresores en actitud de clemencia, mientras los dos soldados franceses la agarran uno de cada brazo forzándola antes de ser violada. En un segundo plano en el que unicamente reconocemos las cabezas y parte de los cuerpos de dos personajes, un soldado está  consumando una violación. Es un momento cargado de angustia y dramatismo acentuado por la postura forzada de la mujer que yace en el suelo y la impotencia del hombre, tal vez su marido, que tiene que presenciar la escena, como así subraya el título de la estampa. El vestido blanco de la mujer y la camisa del hombre maniatado, son puntos de luz en el interior de un espacio que se mantiene en un dramático claroscuro.

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Lámina de plata con el bajorrelieve de un ídolo cruciforme de inspiración calcolítica propia de Cerdeña. Representa un torso con cabeza femenino cuyos brazos se apoyan en el regazo, sobre el que descansa una piedra semipreciosa.

Fotografía en blanco y negro de una cátedra de Medicina, situada en la planta baja, con los pupitres en semicírculo y una mesa de disección de mármol situada frente a una tarima. 

Esta fotografía pertenece al conjunto de 87 clichés de temática heterogénea que conforman la colección Carlos Marquina Arrieta. 53 de estas imágenes suponen un testimonio visual de primer orden sobre la historia arquitectónica y urbanística de la ciudad de Zaragoza.

Este “reportaje arquitectónico” debe su autoría a los hermanos Hilarión y Enrique Villuendas Torres, quienes estuvieron estrechamente ligados a la Universidad de Zaragoza por formación y desempeño profesional. Aunque no fueron reconocidos como fotógrafos profesionales, mostraron gran interés por documentar la llegada del progreso y la modernidad a la ciudad a finales del siglo XIX, algo que queda reafirmado con el proyecto de creación del Gabinete Fotográfico de Medicina y Ciencias.

Por ello, la construcción del nuevo edificio proyectado por Ricardo Magdalena para las Facultades de Medicina y Ciencias no pasó desapercibida para estos hermanos que, a través de su cámara, documentaron este hito arquitectónico. Tanto es así que, con motivo de la inauguración del edificio en 1893 y en dedicatoria a la infanta Isabel de Borbón, se publicó un álbum fotográfico que contaba con 24 imágenes tomadas por el objetivo de los Villuendas. Los positivos, acompañados por una reproducción fotográfica del plano del edificio Paraninfo, nos permiten visualizar la evolución constructiva del inmueble y de los pabellones anejos poco antes de su apertura, el 18 de octubre de 1893.

Con motivo del aniversario del edificio Paraninfo, se procedió a la investigación, restauración y digitalización del reportaje fotográfico completo, del cual se seleccionaron 33 imágenes para la exposición El Paraninfo de Zaragoza, 125 años. Las fotografías de los hermanos Villuendas Torres. Esta muestra tuvo lugar entre el 18 de octubre de 2018, coincidiendo con la fecha de la inauguración del edificio en 1893, y el 2 de febrero de 2019.

Grabado de los Disparates de Goya. Con la misma precisión técnica que caracteriza a ésta serie en la que el pintor, despreocupado de venderla, graba para sí mismo, interpretando escenas de diversa índole desde su subjetividad.

Presente el mismo hermetismo característico de esta serie, no podemos conocer su significado y por ello existen numerosas interpretaciones.

En la imagen se puede ver en el término central a una joven que asustada parece huir de dos grotescas y terroríficas figuras que corren a su espalda para agarrarla y parecen espectros. De acuerdo a algunas interpretaciones serían los espectros de la ignorancia y la pobreza. En su huida tropieza con un grupo de mujeres de avanzada edad, más grotescas si cabe, de rostros cadavéricos. Según ésta interpretación cabría que se entendieran como las Celestinas, que han encontrado su próxima víctima y planean introducirla en el mundo de la prostitución, aprovechándose de su situación de desamparo. Las celestinas se arremolinan deseosas de agarrar a la muchacha, a la que parece brotar del pecho una segunda cabeza, de menor nitidez, ligeramente marcada, podría representar cómo la pobreza y la ignorancia la empujan hacia aquellas decrépitas mujeres que, de alguna manera, están a punto de quedarse su vida.

No es tan dramática otra de las interpretaciones que se le ha dado a esta estampa. De acuerdo con ésta última deberíamos entender la estampa en sí misma como un símbolo del abandono de la juventud –la joven estaría dejando atrás las pasiones y el fervor de la juventud, para rendirse, algo asustada y nostálgica, a lo inevitable de la vejez y la decrepitud en el preludio de la muerte-.

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Benito Jerónimo Feijoo destacó por ser uno de los intelectuales españoles más influyentes del siglo XVIII, pero sobre todo por ser feminista. Divulgaba en sus escritos una gran variedad de temas: la educación, el derecho, la medicina, las supersticiones y las creencias populares. A pesar de ser eclesiástico, no recurría a argumentos religiosos ni se ocupaba de temas sacros en su día a día. Feijoo se limitaba a observar y criticar. Su lucha diaria la establecía mediante los escritos de la época, donde defendía la igualdad de la mujer y el hombre, la superioridad moral y hasta intelectual de la mujer.

Esta estampa sería una copia del grabado original realizado por Juan Bernabé Palomino. A la figura se le representa con una pluma natural en la mano derecha, escribiendo sobre un libro, posiblemente sus críticas. Porta la sotana religiosa y el gorro eclesiástico en la cabeza. Todo ello en un interior, donde se establece al fondo una estantería repleta de libros que nos da una pista de que podría encontrarse en una biblioteca. También una cortina tras nuestro personaje adorna la escena.

Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

Este cartel tiene como imagen protagonista un paraguas, bajo el cual crecen una serie de raíces y se ubican las inscripciones que anuncian todo lo relacionado con el Seminario Entre alas. 

Ilustración de Luis Grañena temáticamente adscrita al ámbito de la literatura española, concebida para el periódico Tiempo, en la que se representa de manera caricaturizada a Fernando Savater, escritor y profesor de filosofía, destacando por su trabajo en la novela, el ensayo, los artículos periodísticos y también ha escrito obras teatrales.

Esta ilustración formó parte de la muestra “Nunca olvido una cara…pero con la suya haría una excepción”, organizada por el Vicerrectorado de Cultura y Proyección Social, en la que se expusieron 74 ilustraciones, producidas con motivo de la muestra, y que engloban la presente colección –representativa de la rica y amplia trayectoria del caricaturista Luis Grañena–, y varios ejemplares de revistas y periódicos con los que ha colaborado a lo largo de su carrera. La exposición se dividió en varios ámbitos temáticos, en los que se dieron cita destacados personajes del siglo XX y XXI, referentes de la política nacional e internacional, el cine, el deporte, la música o la literatura.

Licenciado en Historia del Arte, Luis Grañena se inició en infografía en el Heraldo de Aragón. Pronto dio el salto al dibujo y fue trabajando un estilo personal y característico con el que dar vida a personajes a través de sus ilustraciones. A las espaldas de Grañena se pueden contar más de 3000 caricaturas, muchas de ellas han ilustrado las páginas de periódicos locales como Heraldo de Aragón –durante casi una década–, y ha colaborado también de manera habitual en prestigiosas editoriales del ámbito nacional e internacional, como The New Yorker (USA), The Independent (UK), Liberation (Francia), La Tercera (Chile), Sábado (Portugal), El País, Vanity Fair o La Vanguardia (España).

En la obra aparece a la derecha de la composición una figura femenina de cuerpo entero,  que se corresponde con Santa Teresa de Jesús, vestida con el hábito de la orden y arrodillada ante la figura de Cristo, que le ofrece su mano izquierda, mientras con la derecha la bendice.

Seis dibujos a lápiz sobre papel blanco de cuaderno, de diferentes dimensiones. Representa cada uno formas orgánicas por parejas, con los siguientes títulos: Agujeros que sólo podrían ser llenados con miedo: 34 x 23 cm; Cilicios: 38 x 22,5 cm; Sin título: 34 x 23 cm; Pesado fardo: 21 x 15,5 cm;  Ahora, en la mayor tribulación: 38 x 22,8 cm; Se cierne: 21,5 x 15,5 cm

Escena en la que aparecen un grupo de personajes goyescos entre los que destaca un religioso, se aprecia por la tonsura, dos herejes con capirote, la virgen, y en último término la el rostro de un caballero.

Escultura de bulto redondo, en el que aparece retratada una figura femenina, de rostro sereno y cabizbajo. Se trata de de una copia de un busto femenino sobre pedestal de estilo romano, en el que la mujer vista la clásica toga con estola sobrepuesta. Destaca la complejidad y laboriosidad del peinado.

Fotografía en blanco y negro, formato horizontal. Interior. El alcalde de Zaragoza, Sr. Ballarín, vacuna a varios vecinos en su despacho de la alcaldía, lo cual responde a la campaña de vacunación contra la viruela, durante la cual el alcalde vacunó a 80 personas. Esta foto fue publicada en La Crónica el 21 de enero de 1913, p. 1. En la imagen podemos ver en el término central la figura de un niño que, sujeto cuidadosamente por su madre en el hombro, mira asustado al fotógrafo mientras el alcalde toma su brazo para inyectarle la vacuna. Detrás otras personas repiten una escena similar sin mirar a la cámara y algunos testigos desde el fondo si son conscientes de la captura.

Observamos como una serie de personajes eclesiásticos están huyendo de un convento, entre los que se encuentran frailes capuchinos y dominicos. Todos ellos presentan una gran indecisión y un gesto de sorpresa en el rostro. Goya, sin embargo, en este grabado parece que ha dejado ya de cargar tanto la plancha con tintas, siendo menor la gradación de las mismas. Con esto lo que consigue es perfilar más las figuras y sus expresiones, prescindiendo  de esos fondos oscuros que nos daban una referencia espacial más detallada. Por tanto, se constata que la luz es un elemento preminente, mientras que las sombras son una cosa muy sucinta. En algunos casos, como el aquí representado, había eclesiásticos que no pertenecían a la alta jerarquía, con lo cual, su relación con el pueblo era más próxima, llegando a participar incluso en episodios de la contienda. La guerra y sus consecuencias conmocionaron a toda la sociedad española, por ello, ningún sector se muestra indiferente ante la catástrofe, reaccionando y arremetiendo directamente contra la causa. Esta estampa tiene relación con la número 41 Escapan entre las llamas, la número 43 También esto y la número 44 Yo lo vi.

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Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

Con este cartel en concreto, Ferrer homenajea al diseñador Daniel Gil, del cual dice en el catálogo de la exposición que, junto a Brossa “dibuja un definido camino de actuación sobre el objeto”. De este modo, y haciendo uso de esos objetos mencionados, genera una imagen presidida por un martillo cuyo mango se relaciona con el tallo de una rosa, debido a las espinas colocadas sobre él.