Patrimonio Cultural
Universidad de Zaragoza

Escultura de bulto que representa una figura erguida en posición frontal, con su mano derecha colocada en el pecho y la izquierda sujetando el rostro en actitud de meditación. Viste túnica de un dorado ennegrecido.

Composición abstracta de carácter neocubista donde predominan las formas geométricas y las líneas rectas; y el uso del color, negros y marrones sobre un fondo gris.

Paisaje de un pueblo de pescadores con dos figuras ante unas barcas en la orilla.

Silla de color verde pastel ribeteado en pan de oro y con adornos de rocalla también sobredorada. Esta obra forma parte de un conjunto de mobiliario de estilo rococó. 

Fotografía en blanco y negro. Formato horizontal.Escena interior en que varios jóvenes el gremio de los toneleros son fotografiados en su ambiente de trabajo. En primer término tres aparecen sentados y detrás de ellos los otros tres en pie. De todos solo dos miran a la cámara.

En esta estampa Goya ha querido acercarse al espectador a través de una forma serpenteante que viene marcada por unos personajes unídos por una cuerda. Uno detrás de otro, personajes de todas las clases sociales según sus vestimentas, agarran la cuerda y caminan con la cabeza agachada. El primero de los personajes, el que les guía parece ser ciego pues levanta una mano intentando predecir qué viene a continuación. La escena podría representar la situación en la que se vio el país tras la Guerra de la Independencia, bajo el reinado de Fernando VII, cuando españa se vió guíada por el Antiguo Régimen alejandose de las ideas del Iluminismo y de la razón. 

Esta escena nos recuerda al Evangelio de San Mateo y San Lucas, en el cual se cuenta la parabola del ciego que guiaba a otros ciegos, tema que fue difundido y representado en el medievo y en el Renacimiento flamenco en artistas como Hieronymus Bosch, o Pieter Bruhegel el Viejo. También en la literatura española, Gómez Manríquez o José Gallardo Blanco escribieron sobre esta escena.

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Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

Con respecto a los objetos utilizados para la composición de este cartel, Isidro Ferrer señala en el catálogo de la exposición que “Sirven como piernas dos exvotos metálicos que compré a las puertas de la iglesia de Nuestra Señora de Loreto en México D.F.”. El diseñador juega aquí, con diversos elementos que generan una imagen simbólica, en este caso relacionada con la erótica.

Ilustraciones de Luis Grañena temáticamente adscritas al ámbito de la política nacional, concebidas para los periódicos La Vanguardia y Contexto, en la que se representa de manera caricaturizada a Mariano Rajoy y Pedro Sánchez, el primero fue presidente del Gobierno de 2011 al 2018, como líder del Partido Popular. Pedro Sánchez fue su sucesor en el cargo del Presidente y, además, secretario general del PSOE.

Esta ilustración formó parte de la muestra “Nunca olvido una cara…pero con la suya haría una excepción”, organizada por el Vicerrectorado de Cultura y Proyección Social, en la que se expusieron 74 ilustraciones, producidas con motivo de la muestra, y que engloban la presente colección –representativa de la rica y amplia trayectoria del caricaturista Luis Grañena–, y varios ejemplares de revistas y periódicos con los que ha colaborado a lo largo de su carrera. La exposición se dividió en varios ámbitos temáticos, en los que se dieron cita destacados personajes del siglo XX y XXI, referentes de la política nacional e internacional, el cine, el deporte, la música o la literatura.

Licenciado en Historia del Arte, Luis Grañena se inició en infografía en el Heraldo de Aragón. Pronto dio el salto al dibujo y fue trabajando un estilo personal y característico con el que dar vida a personajes a través de sus ilustraciones. A las espaldas de Grañena se pueden contar más de 3000 caricaturas, muchas de ellas han ilustrado las páginas de periódicos locales como Heraldo de Aragón –durante casi una década–, y ha colaborado también de manera habitual en prestigiosas editoriales del ámbito nacional e internacional, como The New Yorker (USA), The Independent (UK), Liberation (Francia), La Tercera (Chile), Sábado (Portugal), El País, Vanity Fair o La Vanguardia (España).

Composición abstracta de un paisaje urbano configurado por siete delgados e inclinados rascacielos ubicados a la derecha del cuadro sobre un terreno árido. En la parte inferior de la izquierda se abre una caja de la que surgen unos frágiles tallos esquematizados.

Escultura sedente de bulto redondo del químico español Fausto D´Elhuyar (1755-1833) en un sillón frailero. El personaje aparece retratado de manera realista en actitud relajada y semblante amable; con el dedo índice de la mano derecha señala algo, mientras que con la izquierda, sujeta un libro que descansa sobre su pierna.

Sobre un fondo indefinido en tonalidades grisáceas centra la composición el retratado de frente y casi de cuerpo entero. Viste toga negra con bocamangas de encaje en tonos rosados y muceta oscura sobre el que destaca el collar con la insignia rectoral. Con su mano derecha sujeta los guantes blancos, mientras que la otra apoya sobre una mesa vestida de granate que hay en primer término. Sobre ella tenemos el bastón y el birrete de rector. 

Bodegón con un tenedor cruzado sobre una cuchara, una copa tumbada, una botella, un cuchillo y, tras ellos, un plato.

En esta estampa encontramos de nuevo la capacidad de Goya para realizar criaturas grotescas, claros exponentes de la maldad que trasciende puramente humano para reflejar lo demoniaco. Podemos ver a cuatro brujas desnudas y retorcidas discutiendo sobre la conveniencia o no de continuar su trabajo nocturno, reunidas bajo un estrellado cielo. El personaje central, con su brazo extendido y su dedo índice hacia lo alto, parece llevar la voz. Detrás, podemos ver toda una serie de pequeños cuerpos de niños. Se trata de su botín, que será mercancía para futuros clientes.

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La escena representa un momento de huida o de carga de la caballería del ejército francés. En primer término se representa un caballo caido en el suelo junto a su jinete que aparece oculto tras él, y al que solamente vemos su brazo y pierna derecha junto a su casco caido en el suelo. En un segundo plano, dos soldados  huyen a caballo galopando a gran velocidad.Es una escena enérgica y de gran dinamismo que Goya consigue con el escorzo del soldado caido y su caballo, y las línea horizontales continuas del resto de caballos. En el centro de la estampa el caballo caido se convierte en el punto de luz y de atención, con un mayor interés en su detalle, rodeado de zonas sombreadas y oscuras enmarcadas por el papel en blanco del resto de la estampa. Compositivanmente la imagen se define por grandes superfices blancas, atravesadas por una mancha que cruza la estampa de arriba a bajo y de izquierda a derecha, en la que se desarrolla esta escena de caballería, que podemos identificar con el modo de atravesar las ciudades del ejército galo.

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Cuadro que contiene el retrato de Vicente Blasco Ibáñez con dedicatoria autógrafa.

Fotografía en blanco y negro del gabinete de Física, situado en el ala sur de la planta principal, equipado con mobiliario de madera y dividido por columnas de hierro fundido en Averly.

Esta fotografía pertenece al conjunto de 87 clichés de temática heterogénea que conforman la colección Carlos Marquina Arrieta. 53 de estas imágenes suponen un testimonio visual de primer orden sobre la historia arquitectónica y urbanística de la ciudad de Zaragoza.

Este “reportaje arquitectónico” debe su autoría a los hermanos Hilarión y Enrique Villuendas Torres, quienes estuvieron estrechamente ligados a la Universidad de Zaragoza por formación y desempeño profesional. Aunque no fueron reconocidos como fotógrafos profesionales, mostraron gran interés por documentar la llegada del progreso y la modernidad a la ciudad a finales del siglo XIX, algo que queda reafirmado con el proyecto de creación del Gabinete Fotográfico de Medicina y Ciencias.

Por ello, la construcción del nuevo edificio proyectado por Ricardo Magdalena para las Facultades de Medicina y Ciencias no pasó desapercibida para estos hermanos que, a través de su cámara, documentaron este hito arquitectónico. Tanto es así que, con motivo de la inauguración del edificio en 1893 y en dedicatoria a la infanta Isabel de Borbón, se publicó un álbum fotográfico que contaba con 24 imágenes tomadas por el objetivo de los Villuendas. Los positivos, acompañados por una reproducción fotográfica del plano del edificio Paraninfo, nos permiten visualizar la evolución constructiva del inmueble y de los pabellones anejos poco antes de su apertura, el 18 de octubre de 1893.

Con motivo del aniversario del edificio Paraninfo, se procedió a la investigación, restauración y digitalización del reportaje fotográfico completo, del cual se seleccionaron 33 imágenes para la exposición El Paraninfo de Zaragoza, 125 años. Las fotografías de los hermanos Villuendas Torres. Esta muestra tuvo lugar entre el 18 de octubre de 2018, coincidiendo con la fecha de la inauguración del edificio en 1893, y el 2 de febrero de 2019.

Santiago Ramón y Cajal (Petilla de Aragón, 1852-Madrid, 1934) fue un importante médico y neurocientífico español. Ganó el premio Nobel de Fisiología o Medicina en 1906 por sus contribuciones al conocimiento de los tejidos nerviosos, concretamente la constatación de la independencia de las células neuronales y los procesos que permiten la comunicación entre ellas. Estudió la carrera de Medicina en la Universidad de Zaragoza, y ocupó las cátedras de Histología en la Universidad de Barcelona, y de Histología e Histoquímica Normal y Anatomía Patológica en la Universidad Central de Madrid. Fue el primer director de la Junta de Ampliación de Estudios (JAE), predecesora del Consejo Superior de Investigaciones Científicas.

Composición abstracta geométrica de formas circulares en colores ocres, arenas y naranjas.

La escena principal la compone una figura femenina, coronada en laurel y con ropajes de grandes volúmenes, porta un arpa en su mano y parece entregarla a un señor que se sienta bajo la sombra de un arbol. Se podría tratar por tanto de la alegoría de la música. A sus pies un pequeño angelote le entrega una máscara al mismo señor. Por tanto, esta escena esta representando el espectáculo de la música y el teatro, de ahí su título Los orígenes del teatro español. Es una estampa que aparece dentro del Tomo I de esta obra ya citada.  Bajo la figura masculina unos libros amontonados que podrían tratarse de ensayos teatrales. Un paisaje natural, y podríamos decir idílico es el que pone fondo a esta escena principal.

Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

Para este cartel, Ferrer utiliza una imagen de un ciervo cargada de simbolismo y en alusión a la temática e historia del documental. “Al final del túnel es un documental de Mónica Lleo que pone voz a los silenciados durante la guerra de los Balcanes”

Ilustraciones de Luis Grañena temáticamente adscritas al ámbito de la música, concebidas para los periódicos Tiempo, La Gaceta y Contexto, en las que se representa de manera caricaturizada a Miguel Poveda, José Mercé y Camarón, tres cantaores de flamenco españoles. Los dos últimos con gran influencia de su entorno y su cultura a la hora de cantar flamenco, al contrario que Miguel Poveda, el cual tuvo que esforzarse mucho para llegar a ser un cantaor reconocido.

Esta ilustración formó parte de la muestra “Nunca olvido una cara…pero con la suya haría una excepción”, organizada por el Vicerrectorado de Cultura y Proyección Social, en la que se expusieron 74 ilustraciones, producidas con motivo de la muestra, y que engloban la presente colección –representativa de la rica y amplia trayectoria del caricaturista Luis Grañena–, y varios ejemplares de revistas y periódicos con los que ha colaborado a lo largo de su carrera. La exposición se dividió en varios ámbitos temáticos, en los que se dieron cita destacados personajes del siglo XX y XXI, referentes de la política nacional e internacional, el cine, el deporte, la música o la literatura.

Licenciado en Historia del Arte, Luis Grañena se inició en infografía en el Heraldo de Aragón. Pronto dio el salto al dibujo y fue trabajando un estilo personal y característico con el que dar vida a personajes a través de sus ilustraciones. A las espaldas de Grañena se pueden contar más de 3000 caricaturas, muchas de ellas han ilustrado las páginas de periódicos locales como Heraldo de Aragón –durante casi una década–, y ha colaborado también de manera habitual en prestigiosas editoriales del ámbito nacional e internacional, como The New Yorker (USA), The Independent (UK), Liberation (Francia), La Tercera (Chile), Sábado (Portugal), El País, Vanity Fair o La Vanguardia (España).

En esta obra se narra la muerte de un santo dominico, asistido en un momento tan trascendental por un conjunto de diez frailes de la orden, que portan grandes cirios y se hallan distribuidos en tres grupos. En la zona superior del cuadro, que adopta forma semicircular, se encuentra Cristo, con la cruz en uno de sus lados, y la Virgen, que esperan el alma del difunto ascendiendo por unas escaleras. La composición en planos escalonados recuerda las obras del último barroco, aunque todavía se perciben ecos tenebristas y gamas cromáticas muy apagadas, con la excepción de la zona superior, en rompiente de gloria, donde se aclara notablemente la paleta, predominando aquí los rojos y amarillos.

Busto de bulto redondo de Odón de Buen y del Cos (Zuera, 1863 - México, 1945). Naturalista y fundador del Instituto Español de Oceanografía, Catedrático de Zoología y Botánica de la Universidad Central de Barcelona y de la Central de Madrid desde 1911, y autor de obras científicas y colaborador en la prensa republicana y en el Boletín de la Escuela Moderna, creado por Francisco Ferrer Guardia. Concejal del Ayuntamiento de Barcelona y senador. Esta escultura es copia del que existe en el Colegio Público Odón de Buen de Zuera.

Fue colocado en el vestíbulo del Paraninfo de la Universidad de Zaragoza el 15 de diciembre de 2003, como obsequio a la Universidad del Ayuntamiento de la villa de Zuera.

Mariano Benlliure Gil (Valencia, 1862 - Madrid, 1947) es considerado el último escultor realista decimonónico. Fue miembro de la Academia de San Luca, director de la Academia de España en Roma (1901-1903) y Académico de Número en la Real de San Fernando de Madrid. Su mayor producción fueron retratos, provenientes especialmente de encargos institucionales y de la aristocracia. Famosos son su busto de Goya (1902), la estatua del Rey Alfonso XII a caballo (1909) o la del General Martínez Campos (1907).

N.º de maquinaria 5258BS, péndulo de lenteja. Inscripción del fabricante del reloj: «S. Martí y Cie medaille de bronze»

Ilustración policromada que formaba parte del número XIII de la revista "Ilustración Española y Americana" del año 1887, que representa el momento de colocación de la primera piedra del nuevo edificio para las facultades de Medicina y Ciencias. 

Procede de un grabado original del artista César Álvarez Dumont, a partir de una fotografía.

Fotografía en blanco y negro, formato horizontal. Exterior. una hilera de militares se adentra monte abajo ordenadamente siguiendo órdenes, otro grupo permanece en la retaguardia, mientras que al fondo se ven 5 figuras a caballo y el despliegue de los montes que se desdibujan en la lejanía. La foto está tomada desde lo alto con angulación en picado. La foto fue publicada en la Crónica el 19 de noviembre de 1912, p.1.

Esta estampa es la última imagen de la serie donde Goya recrea una escena de violencia extrema. Una vez más, en  medio de la nauraleza y sirvíendose  de ella a través de un árbol, crea una macabra composición donde tres cuerpos desnudos que responden a los ideales de la belleza clásica, están mutilados y cuelgan de él. A la derecha de la imagen aparece un cuerpo boca abajo colgado de una rama a la altura de sus rodillas, le han sido mutilados sus brazos que cuelgan a su lado atados por las muñecas y su cabeza que ha sido insertada en la parte superior del árbol. Junto al tronco, un cuerpo desnudo está atado de pies y manos, su posición está forzada ya que abraza el tronco detrás de su espalda,un tercer cuerpo está colgado por los pies, apoyando sus hombros y cabeza directamente en el suelo. Como hemos tenido oportunidad de ver en otros grabados, las mutilaciones de cadáveres era una práctica habitual durante la guerra, especialmente con los traidores, siendo una forma de acabar con cualquier resto de dignidad del ejecutado.  Se han podido identificar con soldados franceses por el bigote de la cabeza clavada en la rama, pero al encontrarse desprovistos de sus vestimentas no es posible su confirmación, lo que da muestra de la crudeza del horror, venga del lado que venga. El pintor critica con su título la valentía que han tenido de hacerles a estos hombres lo que les han hecho, indefensos y sin posibilidad de defenderse.Es una escena cargada de contrastes, por un lado la belleza clásica de los cuerpos se enfrenta a la brutalidad a la que son sometidos, de igual modo la presencia de la muerte en estos mismos lucha con la esperanza de vida que viene representada con los árboles al fondo de la imagen.

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Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño. 

Este fue un encargo del gremio de ilustradores, en el que vemos como Ferrer, utiliza por primera vez un objeto cotidiano como protagonista –creando la figura de un elefante por medio del uso de la parte superior de una cafetera-. Este recurso se convertirá posteriormente, en algo recurrente en su producción gráfica.

Fotografía en blanco y negro de un día de mercado en la plaza Mayor de Ayerbe, junto al palacio de los marqueses de Ayerbe y la Torre del Reloj, emplazados al fondo de la composición. Se trata de una captura cotidiana en la que se reconocen multitud de escenas paralelas: vendedoras trabajando en los puestos de cebollas, niños que juegan alegres, paseantes que charlan al encuentro con otros transeúntes, animales y carros que han traído la carga a la feria, y un sinfín de elementos que recrean un habitual día de mercado en la localidad oscense.

Asimismo, en la imagen se reconoce el célebre cuadro de Ramón Acín, conservado en el Museo de Huesca, con el mismo título y de similar cronología. La fotografía de Compairé debió de servir como modelo para el pintor, del que era muy amigo, puesto que las similitudes entre ambas obras son más que evidentes.

Fotografía en blanco y negro de la feria de ganado y aves en las calles de Barcelona donde se ve un gran grupo de pavos sueltos en la parte derecha de la imagen, y a la izquierda varias filas de personas que pasean y observan a las aves. Forma parte de los positivos que se expusieron en la muestra "La caja de galletas. El autor y su obra" que se llevó a cabo en la Casa Molino de Ángel Ganivet de la Diputación de Granada en 2010. La serie de fotografías fueron halladas por los hijos del fotógrafo en una caja de galletas en su estudio, que albergaba 800 negativos de imágenes que fueron tomadas en su época como fotoperiodista y, también, a la vuelta de su exilio en Francia. 

En esta escena se muestra a San Mateo. Se le representa como un hombre adulto, vestido con una larga túnica que forma abundantes pliegues. Con la mano izquierda se recoge parte de la tela que le cubre los hombros. En la mano derecha sostiene una bolsa de dinero, atributo que hace referencia a su ocupación como recaudador de impuestos para los romanos antes de su conversión.

Forma parte de la obra Apostolado de Rafael, una serie de grabados compuesta por catorce láminas, publicada entre 1788 y 1819 (BNE). El grabador de la serie es Vicente Mariani y Todolí, que reproduce dibujos realizados originalmente por Rafael Sanzio (1483-1520), y que ya habían sido convertidos en series de grabados en ocasiones anteriores, tanto en el siglo XVI como en el XVII. La colección de la Universidad de Zaragoza cuenta con diez de las catorce láminas, cuyas fichas pueden consultarse en los siguientes enlaces: El Salvador del Mundo, San Pedro, San Juan Evangelista, Santiago el Mayor, Santiago el Menor, San Andrés, San Felipe, San Bartolomé, San Simón.

Las láminas que faltan son las correspondientes a San Matías, Santo Tomás, San Pablo y San Judas Tadeo.

En cuanto a sus características formales, todas las representaciones siguen un esquema fijo. En el centro se dispone la imagen del personaje principal, con sus atributos característicos. Bajo la imagen, se identifica del personaje con su nombre en letras mayúsculas. Por último, se incluyen unas líneas del Credo, diferentes en cada caso. La única lámina que no tiene referencias al Credo es la del Salvador del Mundo.

El primer grabador que realizó las reproducciones de estos dibujos de Rafael fue Marcantonio Raimondi (1480- h. 1534), grabador italiano de la escuela boloñesa, en la serie El Salvador y los doce apóstoles. La serie de Raimondi incluía las siguientes imágenes: El Salvador del Mundo, San Pedro, San Pablo, San Mateo, San Juan Evangelista, San Judas Tadeo, Santiago el Mayor, San Andrés, San Felipe, San Bartolomé, San Simón, San Matías y Santo Tomás.

Con el mismo título, la serie de Raimondi fue reinterpretada en el siglo XVII por el grabador francés Jean Baron (1631-1650), con la diferencia de que se intercambió la figura de San Pedro por la de Santiago el Menor. Puede que Todolí conociese las dos series y las combinase para crear el Apostolado de Rafael, cuyo título ya no alude a los doce apóstoles porque en total se representan trece: todos los que aparecían en la serie de Raimondi, más el Santiago el Menor que incluía Jean Baron.

Vicente Mariani y Todolí (Valencia, c. 1765-Madrid, 1819) fue un grabador calcográfico español, nacido en el seno de una familia de artistas italianos afincados en España. Se formó como grabador en París a finales del siglo XVIII como discípulo de Juan Pillement. Trabajó como Conserje de la Real Galería de Pintura del Museo del Prado entre 1818 y 1819.

Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

Ferrer cuenta en el catálogo de la exposición: “Titulo farragosamente esta actividad como De la astilla a la costilla. Muy razonadamente Vincent Tuset-Anres y Nathalie Guimard lo cambian por De bois et de broc”. En el caso de este cartel, vemos la representación de 2 figuras cuyos cuerpos parecen huellas dactilares y cuyos brazos se extienden como si quisiesen abrazarse. Finalmente el diseñador señala, que dichos carteles serigrafiados a una tinta por Nicole Crême fueron un regalo para los participantes de la actividad.

Donaciana Cano Iriarte (Santoña, Santander, 1894 - desconocido)

Primera alumna de la Facultad de Ciencias y primera licenciada, en la rama de Químicas, en 1919. En 1915 entró a estudiar en la facultad de Ciencias de la Universidad de Zaragoza, siendo la primera alumna y titulada en Químicas por esta universidad.

Desarrolló su carrera como Profesora de Auxiliar de Ciencias en el Instituto de Enseñanza Media «Ramón y Cajal», en Huesca, de 1923 a 1964, año en el que se jubiló. Por su tenacidad en el trabajo y su carisma, se convirtió en un personaje destacado de la vida cultural y social de la capital oscense. Desde muy joven defendió la educación, la igualdad y las oportunidades de la mujer en el ámbito científico. Entre sus publicaciones cabe destacar la disertación 'Formación científica de la mujer', que impartió en la sesión inaugural del Ateneo en 1916.

El 8 de marzo de 1910, momento en el que a través de una Real Orden se autorizaba por primera vez y por igual la matrícula de alumnos y alumnas, se abrió la puerta de la Universidad a todas aquellas mujeres que habían visto imposible su acceso a estudios superiores.

El proyecto PIONERAS, que inició su andadura en 2019, tiene como objetivo fundamental recuperar la memoria de todas aquellas primeras tituladas de la Universidad de Zaragoza. Como consecuencia surgió PIONERAS ILUSTRADAS, un proyecto de la mano de quince ilustradoras aragonesas o afincadas en Aragón, que ponen rostro a las primeras quince pioneras de la Universidad de Zaragoza, las cuales se incorporaron a las aulas de diferentes ramas del saber, tales como Química, Historia, Derecho, Medicina o Matemáticas y abrieron paso a muchas otras.

Ante la ausencia de imágenes en muchas de sus biografías, queremos imaginarlas en sus laboratorios, rodeadas de libros o por los pasillos de edificios como este Paraninfo, antigua Facultad de Medicina y Ciencias.

Composición con seis figuras mitológicas: un niño desnudo con una pandereta, una figura femenina sentada, un hombre sujetándole las manos y dos figuras juveniles masculinas y la cabeza de un hombre con una espada.

La obra aúna dos disciplinas: la obra gráfica y la poesía. El texto, en tinta negra, aparece acompañado de una composición abstracta a base de formas orgánicas, volúmenes curvos perfilados en negro con manchas en color amarillo.

Paisaje de una pradera con un bosque a la derecha.

Silla de color verde pastel ribeteado en pan de oro y con adornos de rocalla también sobredorada. Esta obra forma parte de un conjunto de mobiliario de estilo rococó. 

Fotografía en blanco y negro. Formato horizontal.Escena interior en la fábrica de camas Irisarri de Zaragoza. Varios operarios prueban la capacidad de resistencia de un somier subiéndose todos encima. Es en este momento cuando se toma la fotografía. En el fondo quedan los distintos cabezales de cama, somieres y materiales empleados en el oficio.

La escena principal de la estampa viene marcada por una anciana totalmente cubierta por una túnica blanca. Esta túnica no permite ver su cara aunque se percibe que se lleva las manos a la nariz para evitar el hedor de los cadáveres que le rodean en un segundo plano. Es una de las pocas veces que Goya cubre los cuerpos con telas, sin detallar la mortandad, aunque a pesar de esto consigue transmitir sensación de masacre. El fondo muy marcado con el color negro, constrasta con el blanco de la túnica de la anciana, dotando de dramatismo a la obra. 

Más información sobre esta edición aquí.

Este cartel, producido en 2018 para la exposición Esto no es un cartel de Isidro Ferrer, formó parte de la muestra en la que se unieron las distintas facetas del autor -Ilustración, diseño, fotografía y poesía- dando lugar a un conjunto en el que se plasmó su trayectoria cartelística, complementada, además, con numerosos objetos utilizados en la génesis del diseño.

En relación con este cartel, Isidro Ferrer cita en el catálogo de la exposición, las palabras de John Berger: “El hogar era el centro del mundo porque era el lugar en el que una línea vertical se cruzaba con una línea horizontal. La línea vertical era un camino que hacia arriba llevaba al cielo y hacia abajo, al reino de los muertos. La línea horizontal representaba el tráfico del mundo, todos los caminos que van de un lado al otro de la tierra hacia otros lugares. Así, el hogar era el sitio en el que uno podía estar más cerca de los dioses que habitan el cielo y de los muertos que habitan el mundo subterráneo”

Ilustraciones de Luis Grañena temáticamente adscritas al ámbito de la política nacional, concebidas para los periódicos Contexto y El País, en la que se representa de manera caricaturizada a distintos políticos españoles de actualidad dentro del congreso de los diputados.

Esta ilustración formó parte de la muestra “Nunca olvido una cara…pero con la suya haría una excepción”, organizada por el Vicerrectorado de Cultura y Proyección Social, en la que se expusieron 74 ilustraciones, producidas con motivo de la muestra, y que engloban la presente colección –representativa de la rica y amplia trayectoria del caricaturista Luis Grañena–, y varios ejemplares de revistas y periódicos con los que ha colaborado a lo largo de su carrera. La exposición se dividió en varios ámbitos temáticos, en los que se dieron cita destacados personajes del siglo XX y XXI, referentes de la política nacional e internacional, el cine, el deporte, la música o la literatura.

Licenciado en Historia del Arte, Luis Grañena se inició en infografía en el Heraldo de Aragón. Pronto dio el salto al dibujo y fue trabajando un estilo personal y característico con el que dar vida a personajes a través de sus ilustraciones. A las espaldas de Grañena se pueden contar más de 3000 caricaturas, muchas de ellas han ilustrado las páginas de periódicos locales como Heraldo de Aragón –durante casi una década–, y ha colaborado también de manera habitual en prestigiosas editoriales del ámbito nacional e internacional, como The New Yorker (USA), The Independent (UK), Liberation (Francia), La Tercera (Chile), Sábado (Portugal), El País, Vanity Fair o La Vanguardia (España).

En esta obra se representa la alegoría de la Facultad de Económicas y Empresariales. Una figura femenina vestida con túnica y manto clásico sujetando un pergamino, desarrollándose a continuación una orla con las cabezas de tres profesores y varios alumnos. 

Retrato de una  figura masculina  de edad madura, en posición tres cuartos y de pie, que se corresponde con el rector Mariano Ripollés. El personaje viste el clásico conjunto de toga y birrete negros, con puñetas de encaje rosadas, acompañado de la muceta del mismo color con el forro rojo, sobre la que destaca el collar con la insignia rectoral, delante de un fondo de pilastras en colores amarillo y ocre. En el ángulo inferior izquierdo podemos leer el título del libro "Jurisprudencia civil de Aragón". Destaca el estilo abocetado del artista.

Retrato pintado a partir de una fotografía del rector Mariano Ripollés.

Se representa el séptimo trabajo de Hércules, según el relato de la Biblioteca mitológica de Apolodoro (identificado erróneamente con Apolodoro de Atenas). Hércules, por encargo del rey Euristeo, rapta vivo al toro de Creta. Aparece en primer término el héroe tebano con barba y revestido con la piel del león de Nemea dispuesto a atacar con una maza al Minotauro, monstruo con cabeza de toro y cuerpo humano, hijo de Pasifal y de un toro enviado por Neptuno. Yolao, sujetando una pica, contempla la escena y en el fondo aparece el laberinto mandado construir por Minos, rey de Creta, a Dédalo para encerrar el Minotauro. La historia tiene lugar al aire libre donde entre la vegetación destacan los manzanos, árbol que debe hacer referencia al último trabajo que manda el rey Euristeo a Heracles: traer del jardín de las Hespéridas "las manzanas de oro".

La construcción del laberinto recrea una estructura de planta circular en ruinas de referencia clásica, propia de la escultura renacentista, al igual que la composición serena y estática, con una belleza formal en los personajes que tiende a la idealización, en contraste con el tratamiento naturalista de la cabeza del toro. El diseño del cartón se ha atribuído a Michel Coxcie (1499-1592), pintor y diseñador flamenco que realizó, retratos, escenas religiosas y diseños para vidrieras y tapices. Se formó en Bruselas en el taller de Bernard van Orly, con quien aprendió la técnica de los cartones para tapices y completó su formación en Roma (1530-1539), donde asumió los modelos renacentistas de Rafael y Miguel Ángel. En 1550 Coxcie fue nombrado director general de la fábrica de tapices de Bruselas. La tipología renacentista italiana está muy clara en la figura de Hércules de musculatura potente y expresiva cabeza.

El autor del cartón de este tapiz tuvo muy en cuenta la simulación de un espacio de amplia perspectiva hacia el fondo, al dibujar la postura de las figuras, la vegetación, el fondo arquitectónico, las montañas que se pierden en la lejanía y el cielo cargado de nubes. El diseño fue bien interpretado por el tejedor al mezclar los distintos tonos de color (verde, azul, rosa y sepia), que no solo matizan los planos sino que además marcan los planos del claroscuro. La cenefa, de vistoso colorido, actúa como si fuera el marco de una pintura y también incide en la tridimensionalidad del tapiz, cuya escena central desarrolla el tema mitológico en diferentes planos en profundidad. Presenta sobre un fondo rosado abultados ramilletes con frutos (granadas y manzanas), flores (rosas y margaritas) y vainas de judías. 

El monograma que aparece en la parte inferior del orillo del tapiz, publicado por la profesora Carmen Rábanos en 1978 como posible marca del licero Henri Pannemaker, no es visible hoy porque después se ha doblado y cosido esa zona. De ser verosímil  esta identificación, el taller de la familia Pannemaker fue muy activo en Bruselas desde 1517, con el padre Pieter, y entre sus miembros destacó su hijo Willem de Pannemaker.

Más información sobre la Colección de Tapices de la Universidad de Zaragoza aquí.

Bodegón con un tenedor cruzado sobre una cuchara, una copa tumbada, una botella, un cuchillo y, tras ellos, un plato.

En esta estampa vemos a una joven perseguida por crueles y nefastos seres. Algunos comentarios de la época dicen que se trata de la señorita Duté, amante de Godoy, siendo perseguida por él: "La Duten perseguida por Godoy. Duro, y llore". Parece que la joven quiere huir del satánico grupo, formado por demonios alados y un enorme buitre, pero su rostro no muestra horror, sino más bien lo contrario, dando a entender que se quiere dejar coger.

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Esta estampa recoge el momento en el que un grupo de soldados franceses asalta e intenta violar a unas mujeres. No se entiende esta estampa conocida como "Tampoco" sin la anterior la nº 9 "No quieren", en la que aparece un soldado francés forzando a una mujer, ya que están relacionadas tanto en su temática como por sus títulos. Los cuerpos estan contorsionados, formando un amasijo del que es dificil porder identificar a las víctimas y a sus verdugos, de no ser por el distinto tratamiento que Goya da a sus vestimentas, las mujeres aparecen vestidas de blanco tal vez por alusión a  su inocencia, mientras los personajes masculinos se confunden con la oscuridad de la noche en la que se desarrolla la escena. En primer término dos personajes forcejean violentamente en el suelo, un hombre agarra con su brazo la cintura de la mujer, la cual intenta escapar al parecer con escasa fortuna, la posicion de sus pies elevados en el aire nos permite imaginar el grado de fuerza y violencia que se está desarrollando en la escena, mientras las armas de los soldados, dos sables en la derecha de la imagen esperan para su uso en batalla

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Cuadro que contiene el retrato de Gregorio García Arista con dedicatoria autógrafa.

Fotografía en blanco y negro del museo de instrumental quirúrgico, situado en el ala este de la planta principal, con vitrinas y armarios de madera y cristal.

Esta fotografía pertenece al conjunto de 87 clichés de temática heterogénea que conforman la colección Carlos Marquina Arrieta. 53 de estas imágenes suponen un testimonio visual de primer orden sobre la historia arquitectónica y urbanística de la ciudad de Zaragoza.

Este “reportaje arquitectónico” debe su autoría a los hermanos Hilarión y Enrique Villuendas Torres, quienes estuvieron estrechamente ligados a la Universidad de Zaragoza por formación y desempeño profesional. Aunque no fueron reconocidos como fotógrafos profesionales, mostraron gran interés por documentar la llegada del progreso y la modernidad a la ciudad a finales del siglo XIX, algo que queda reafirmado con el proyecto de creación del Gabinete Fotográfico de Medicina y Ciencias.

Por ello, la construcción del nuevo edificio proyectado por Ricardo Magdalena para las Facultades de Medicina y Ciencias no pasó desapercibida para estos hermanos que, a través de su cámara, documentaron este hito arquitectónico. Tanto es así que, con motivo de la inauguración del edificio en 1893 y en dedicatoria a la infanta Isabel de Borbón, se publicó un álbum fotográfico que contaba con 24 imágenes tomadas por el objetivo de los Villuendas. Los positivos, acompañados por una reproducción fotográfica del plano del edificio Paraninfo, nos permiten visualizar la evolución constructiva del inmueble y de los pabellones anejos poco antes de su apertura, el 18 de octubre de 1893.

Con motivo del aniversario del edificio Paraninfo, se procedió a la investigación, restauración y digitalización del reportaje fotográfico completo, del cual se seleccionaron 33 imágenes para la exposición El Paraninfo de Zaragoza, 125 años. Las fotografías de los hermanos Villuendas Torres. Esta muestra tuvo lugar entre el 18 de octubre de 2018, coincidiendo con la fecha de la inauguración del edificio en 1893, y el 2 de febrero de 2019.